agosto 2008

Half baked
di Tamra Davis, 1998

Nella mia inspiegabile piccola ossessione estiva per gli stoner film, era impossibile non incappare in questo minuscolo film diretto dalla futura regista di Crossroads attraverso cui venne lanciato tra le star della comicità americana Dave Chappelle, e che è divenuto con il tempo una specie di bignami del fattone americano. Da noi semi-inedito (ma è passato in tv) il film racconta le vicende di tre amici fattissimi che decidono di spacciare per tirare fuori di prigione un quarto amico, finito dietro le sbarre per aver ammazzato un cavallo poliziotto diabetico dandogli da mangiare una quantità di dolciumi.

In realtà, Half baked è un film fatto davvero di niente, tanto che per una sua parte si limita ad una sorta di elenco di caratteri e abitudini dei consumatori di erba newyorkesi – tra cui un incredibile Jon Stewart nel ruolo dell’enhancement smoker. Un film costruito insomma su un’allineamento di proposizioni coordinate, sketch e idee singole, omaggi e camei, che non portano veramente da nessuna parte. Ma trattandosi di uno dei più sinceri e appassionati elogi della marijuana, si può dire almeno che l’indole non stoni con il contenuto. E in ogni caso, superato l’impatto con le facce cretine di Jim Breuer e Guillermo Diaz, sotterrati da un Dave Chappelle già eccezionale, è davvero difficile resistere alle avventure dei tre amici stonati.

Una scemata, va bene, ma una scemata divertente – e vigorosamente anarchica, tanto che persino il finale in cui l’amore trionfa viene acquietato da una dichiarazione d’amore senza precedenti: "I love weed, love it, but not as much as I love pussy". Un toccasana.

Le vicende e la carriera di Dave Chappelle, dalla prima partecipazione, 20enne, nel Robin Hood di Mel Brooks fino alla sua misteriosa fuga in Sudafrica, passando attraverso l’enorme successo del Dave Chappelle Show su Comedy Central, meriterebbero un post a sé stante – così come meriterebbero un blog a sé stante alcune delle sue performance migliori, come Black Bush o Samuel L. Jackson Beer. Ma questa è appunto un’altra storia.

Dude, where’s my car*
di Danny Leiner, 2000

"We are not guys. We are hot chicks."

Tra i titoli più citati della stoner comedy americana degli ultimi dieci anni c’è quasi sempre questo film, primo titolo rilevante di Leiner prima del boom di Harold and Kumar. Ma confrontato con il successivo questo film, piccolo cult negli States grazie al successo dell’edzione DVD tra i più giovani, fa una figura assai magra. Prima di tutto perché Seann William Scott e Ashton Kutcher non sono Cho e Penn, ma anche perché Dude è un film che è programmaticamente ridotto all’osso, al confronto del quale i primi film dei Farrelly sembrano gli ultimi di Bergman.

Ma messo in campo che, come al solito, si tratta di un tipo di film con cui bisogna scendere a patti, così come con lo stimolo a guardarlo fino in fondo e con la propria intelligenza, Dude ha dalla sua un grandissimo pregio: il totale disinteresse nei confronti della trama, in senso tradizionale. Chester e Jesse attraversano il film più che altro come in un assurdo e cretinissimo videogioco, allineando situazioni paradossali e superandole in un crescendo che nel finale camp-sci-fi non può lasciare indifferenti – e che semmai può produrre sanissime reazioni di fastidio e rigetto.

Bella gara di sublime idiozia tra la scena del take away cinese e quella dei tatuaggi.

*il titolo italiano del film è l’arcinoto e tremebondo Fatti, strafatti e strafighe, ma a scriverlo tutto grosso là sopra mi piangeva il cuore.

American trip (Harold & Kumar Go to White Castle / Harold And Kumar Get The Munchies)
di Danny Leiner, 2004

Quattro anni prima di Escape from Guantanamo Bay, che inizia proprio dove questo finisce, l’esordio di John Cho e Kal Penn nei ruoli di Harold Lee e Kumar Patel ha una trama che definire ridotta all’osso è riduttivo: i due si sono sfondati di marijuana e hanno una fame boia. Ma non di qualunque cosa: vogliono strafogarsi di hambuger di White Castle (la più antica catena di fast food americana), ma il viaggio per raggiungere l’agognato cibo si rivelerà più difficile del previsto.

Probabilmente perché infarcito di un umorismo che spesso è difficilmente esportabile o traducibile*, forse per la volgarità a volte davvero irrefrenabile (le due ragazze che giocano a battleshits nei cessi dell’università) il film di Leiner da noi non ha avuto il successo di altre commedie "triviali", magari basate di più sui pruriti sessuali, mentre negli states Harold & Kumar ha ottenuto con il tempo un discreto statuto di cult, e anche uno sdoganamento critico di tutto rispetto. L’impressione, rimanendo su un discorso già accennato, è che il rifiuto inconscio della stoner comedy dalle nostre parti possa essere legato a una forma di radicata istanza benpensante, per la quale l’uso della marijuana deve essere correlato, al massimo, a suggestioni malinconiche – come in quasi tutti i film di Salvatores, che su questo han fatto scuola – o di necessità di una caratterizzazione più immediata e riconoscibile – come Marco Cocci nell’Ultimo bacio. Ma in fondo, i film della factory dei Vanzina (come Sognando la California) non sono poi così dissimili dai film di Leiner. Solo che non c’è l’erba, e non fanno così ridere.

Harold & Kumar invece fa ridere eccome, anche più del successivo – che introdurrà semmai qualche doverosa sostanza cinematografica all’ineffabile duo. E prima di tutto perché gioca con grande libertà con tutto il discorso sull’omosessualità latente (o meno) dei buddy movies, e lo fa anni prima di Superbad – pur se in maniera meno raffinata. Improponibile una lista delle sequenze più assurde e spassose del film, molte delle quali già notissime (grazie a Youtube) a prescindere dal film: vincono il podio la sequenza onirica amorosa tra Kumar e un sacchetto pieno di maria, l’incredibile monologo di Harold sul sogno americano, e l’impiegato frustrato del fast food che urla Let’s burn this motherfucker down. Tacendo di Neil Patrick Harris che sniffa cocaina dal culo di una spogliarellista: di lui si è già parlato abbastanza.

Il titolo italiano rimetteva sì erroneamente il film nel filone di Road trip, ma gli andò comunque meglio di quanto capitò all’altra stoner comedy di Danny Leiner, il citatissimo Dude, Where’s My Car?, da noi uscito come Fatti, strafatti e strafighe.

*questo post è relativo all’edizione originale, acquistabile qui a meno di 5 euro.

Southland tales
di Richard Kelly, 2006

Volendo ridurre all’osso e semplificare una questione che in realtà è ben più complicata, si potrebbe dire che la nota categoria dei Film Enormemente Sfortunati si divide in due grandi insiemi: i film che sono sfortunati perché non vengono capiti nel momento in cui vengono prodotti, e quelli che sono sfortunati perché fanno effettivamente schifo. Che Southland Tales sarebbe diventato un FES lo si era capito fin da quando venne presentato a Cannes, due anni fa. Ma in quale insieme sarebbe dovuto essere infilato, sorgeva più di un dubbio. Seguendo questa indicazione, forse bisognerebbe aspettare che passi dell’acqua sotto questo disastratissimo ponte, prima di giudicare. Ma dopo la visione effettiva del film credo che il Calderone delle Sfortune Meritate non glielo levi nessuno.

Lungi da noi rivedere a posteriori l’opinione sul virtuoso regista della Virginia: a Donnie Darko saremo comunque sempre legati e grati. Kelly ebbe il coraggio, con quel film, di raccogliere un intero immaginario, legato strettamente con un periodo storico (gli anni ’80) e con i generi che gli si appaiavano, e ribaltarlo come un calzino grazie alla mescolanza con le sue personalissime fissazioni – in primis, il viaggio nel tempo. Ma qui, queste stesse fissazioni, nello scontrarsi con gli stilemi del cinema apocalittico filtrati da una venatura che ricorda più il Marco Risi dell’Ultimo capodanno che non Francis Ford Coppola, con gli echi un po’ più che evidenti del cinema di David Lynch – i nani, Rebekah Del Rio, l’utilizzo straniante della colonna sonora di Moby, e via dicendo – e con una riflessione sulla contemporaneità e sulla cultura "bassa" che si trasforma molto presto in una sceneggiatura che per metà film si limita a un namedropping selvaggio e ingiustificato e per l’altra metà a personaggi che pontificano dei massimi sistemi senza troppa cognizione di causa, trasformano Southland tales, dal progetto di un potente e caustico affresco satirico sull’America Oggi a una delle esperienze cinematografiche più faticose, fino allo sfinimento (o alla sonnolenza), e insieme più frustranti (per le doti ancora innegabili del suo autore, soprattutto plastiche, che qui e là spuntano fuori con violenza) del cinema recente.

Inutile però spendere mezze parole, mezzi attacchi e mezze difese, a proposito di questo film: perché se la sua faccia tosta nello spalmare le proprie ossessioni con una tale spavalda baldanza può anche suscitare una certa simpatia, è difficile negare che Kelly se la sia cercata, eccome. E per tutta la parte centrale, prima del finale esplosivo e (doverosamente) eccessivo, l’impressione è quasi che l’abbia fatto apposta – con una self confidence al limite del masochismo. La parola che mi sento di usare, e che credo renda bene l’idea, è "fallimentare". Southland tales è uno dei film più palesemente e vergognosamente fallimentari del cinema americano di questo decennio. Non significa mica, per nulla, che sia uno dei peggiori. Anzi. Ma insomma, ci siamo capiti.

Dopo un lungo tira e molla, il film non è uscito nelle sale italiane: lo trovate da qualche settimana, in vendita in DVD.

Hancock
di Peter Berg, 2008

Se c’è una cosa che ancora mi tiene ancorato all’interesse nei confronti dei blockbuster statunitensi – e Hancock ne è un esempio calzante, essendo il "film del 4 Luglio" di quest’anno – è la capacità dell’industria del cinema, più che di un singolo autore in sé, se non di stravolgere le mie aspettative, comunque di rimescolare le carte, di stupirmi un po’, o almeno di confondermi. Come è successo di recente con Iron Man, per fare un esempio. Dopotutto, quando hai a disposizione 150 milioni di dollari e un Re Mida come Will Smith, ti puoi concedere qualche colpo di testa – e pure qualche piccolo eccesso.

Peter Berg, attore ormai riconvertitosi alla regia e dall’innato (e un po’ paraculo) talento nel saltellare allegramente da un genere all’altro, di eccessi ne sa qualcosina – ce n’eravamo accorti già in Cose molto cattive, il suo esordio politically uncorrect di 10 anni fa. Altra cosa è vestirlo di abiti autoriali che gli starebbero assai larghi, ma non c’è dubbio che Hancock sia venuto così (cioè, proprio benino) anche grazie al suo ottimo mestiere, e a questo substrato di irresponsabilità cafona che lo contraddistingue. Un film che partendo da basi ben stabilite, quelle dell’action infarcito di ironia su cui ha costruito la carriera Will Smith – e anche autoriflessive, vista l’impressionante rinascita recente del cinema superomistico: in questo la sceneggiatura di Vince Gilligan e Vincent Ngo è nerd al punto giusto – riesce a un certo punto anche a prendere una sua strada.

E in questa strada si immette a 50 minuti suonati dall’inizio – lungi da me scrivere come e perché. Una delle cose più interessanti di Hancock sta infatti al di fuori del film, ed è una riflessione potenziale sul rapporto che intraprende l’opera con il suo trailer. Più precisamente, quello che intercorre tra l’anticipazione (hype) e il fatto compiuto (il film). Per intenderci: dal trailer tutti sanno che Hancock è la commedia action-fantastica che il film smette in realtà di essere dopo i primi tre quarti d’ora. Poi (dopo una svolta in realtà "annunciata" all’interno del film, niente di davvero inatteso arrivati a quel punto) diventa tutta un’altra cosa. Diventa esagitato, esagerato, persino tragico – nei limiti dello slot commerciale in cui è inserito – poderosamente sfacciato nel suo buttare alle ortiche (vivaddio) ogni illusione di credibiiltà, e con una complessa e interessante mitologia sottostante, che purtroppo Berg e gli sceneggiatori hanno troppa fretta a descrivere – ma che in alcuni momenti è persino convincente.

Per questa sua sfacciataggine e irrispetto nei confronti dello spettatore "basso", pur all’interno di un binario di un racconto visto e stravisto, e per questo dichiarato amore per un afflato melodrammatico che qualche anno fa (prima dello sdoganamento definitivo di Hong Kong, per dire) gli avrebbero risbattuto in faccia, Hancock farà probabilmente incazzare molti, e divertire molti altri. Ecco, ho già trovato il mio posticino.

Jason Bateman è molto più che un’ottima spalla, Charlize Theron non era così bella da anni. Ma – posto che a me è sempre piaciuto – Will Smith è davvero stupefacente. Sempre più bravo, ogni anno che passa.

Al cinema dal 12 Settembre

Harold & Kumar Escape from Guantanamo Bay
di Jon Hurwitz e Hay Schlossberg, 2008

I motivi per cui mettersi a guardare un film come Harold & Kumar 2 possono essere molteplici, e possono essere veri oppure delle giustificazioni nei confronti di sé stessi. Il primo capitolo negli states è infatti un vero cult movie – divenuto tale, come spesso accade negli ultimi anni, dopo un insuccesso in sala e un rilancio spaventoso in DVD – ma dalle nostre parti, dove è uscito con il bruttissimo titolo American Trip, un sequel così desta molta meno attenzione, sicuramente meno del suo predecessore, persino nel suo precisissimo e ampio target – un esercito di adolescenti e postadolescenti fattissimi e un po’ nerd.

Ma dopotutto, è cosa nota che la stoner comedy sia legata a doppio filo a un certo imbarazzo spettatoriale, se non a un sottile senso di colpa. Qualcosa che suona come: se mi sto divertendo per tutto ciò, devo essere impazzito. A quel punto però vale la pena di sospendere questo insopportabile snobismo (spesso pregiudiziale e dovuto a decenni di ingloriose puttanate), sedersi e godersi il fottuto spettacolo. Harold & Kumar 2 è in fondo tutta una questione di umore: con quale lo si prende, e quale si decide di restituire. E preso di per sé, e appunto con l’umore giusto, almeno nei suoi dettagli più triviali (al di sotto dei quali, gratta gratta, c’è poca carne) ha poco da invidiare a commedie recenti, alcune delle quali più celebrate.

Tolta una sceneggiatura (di Hurwitz e Schlossberg, che stavolta si impadroniscono anche della cabina di regia) che è costruita soprattutto su pretesti, più o meno riusciti, e una confezione che si mantiene sul classico livello di decenza che non faccia sprofondare il tutto anche nel gorgo del cheap – ma la sequenza dei paracaduti è funzionale e divertentissima – il cappello va tolto soprattutto di fronte agli attori. Sono loro, va da sé, a tenere in piedi tutto il film. E se i due protagonisti sono ormai un tutt’uno coi loro personaggi, ed è difficile non affezionarsi al rintronato e puccissimo Kumar Patel di Kal Penn (con il Harold Lee di John Cho ridotto spesso ad una spalla, seppur ottima), il meglio lo dà il cast di contorno. Da una parte, due ex correspondent del Daily Show Rob Corddry e Ed Helms, che fanno un’irresistibile parodia del good cop, bad cop.

E dall’altra, ovviamente, il ritorno di Neil Patrick Harris nella parte di Neil Patrick Harris. Nel primo Harold & Kumar faceva l’ex bambino prodigio (come protagonista di Doogie Howser, M.D.) strafatto di ecstasy, mentre qui aiuta i protagonisti a fuggire sopraffatto da visioni mistiche dovute a funghetti allucinogeni, e poi li porta in un bordello. In questi anni, NPH è stato protagonista dell’adorata serie How I Met Your Mother, ha fatto tempo a fare coming out in diretta, a farsi amare follemente qualunque cosa faccia (vedi il recente e sublime Doctor Horrible’s sing-along blog di Joss Whedon) da milioni di persone – tra cui il sottoscritto – ma la sua "alternate version" di se stesso è ancora assolutamente irresistibile. Da principio, lo ammetto, ho recuperato questo film quasi solo per lui. E posso dire di esser rimasto del tutto soddisfatto.