dicembre 2004

Shrek 2

di Andrew Adamson, Kelly Ashbury, Conrad Vernon, 2004

Pur avendo apprezzato Shrek per quel che è (necessariamente, un gran bell’oggettino), non nutro una spassionata simpatia per l’orco verde di Andrew Adamson. Un po’ per la mia predilezione per i prodotti Pixar, sempre spanne sopra a quelli Dreamworks (e quello era pure l’anno di Monsters, Inc.), un po’ per i difetti che il film riscontrava, già dalle "seconde visioni".

Nel suo insieme, il secondo capitolo è, non di molto ma in maniera evidente, superiore al primo. Superati con professionalità i seri problemi di ritmo di Shrek, l’evidente interesse degli autori per una maggior profodità e coralità dei personaggi porta buoni frutti. Il discorso sbocciato nel film precedente viene sviluppato: da valore da rispettare, la diversità diviene un valore da conservare, e da difendere a tutti i costi. E il lieto fine è davvero convincente per la coerenza con cui chiude questo dittico (e che ci permette di liberarci dell’orco per almeno tre anni). Senza contare il "solito" divertentissimo numero musicale alla fine (che sta a questo film come i "corti" stanno alla Pixar).

Ancor più del primo, questo secondo Shrek si rivolge a un pubblico disincantato e adulto, che riconosce gli ammiccamenti cinefili, quelli scatologici e (in misura controllata) sessuali. Qualche cosuccia non funziona, è irrimediabile: l’eccesso citazionistico non è più riferito solo (o soprattutto) al mondo delle fiabe e dei cartoon, ma questa volta in modo massiccio al cinema hollywoodiano: gag irresistibili, ma il metodo non convince del tutto. Così come la colonna sonora, un paio di volte persino irritante. Ma Capitan Uncino che suona il piano nella bettola cantando con la voce di Nick Cave è la trovata più geniale di tutto il film.

Mostruosi passi avanti nella tecnica: si vede nei grandi spazi e nei paesaggi (durante il viaggio verso il "land far far away"), ma soprattutto si nota nel personaggio della fata madrina (tra l’altro, azzeccatissimo), che raggiunge una verosimiglianza e un’espressività impressionante.

Infine, impossibile non nominare la vera star del film. l’impagabile personaggio zorresco del Gatto con gli Stivali. Al di là delle scene mostrate negli spot (purtroppo tra le migliori, come quella della palla di pelo), tiene davvero testa a tutti, tiene persino in piedi molte scene da solo, e fa sganaciare ogni volta che apre la bocca, ma anche solo standosene in disparte. Oppure aprendo i suoi occhioni dolci.

Il fantasma dell’opera (The Phantom of the Opera)

di Joel Schumacher, 2004

Versione originale

Essenziale segnalare che questo post parla dell’edizione originale con sottotitoli: l’edizione italiana è doppiata. E quindi, trattandosi di musical, è un disastro: una scelta insensata, squallida, fuori dal tempo. Peccato che anche su questa versione non si possa dire molto di buono: Il fantasma dell’opera è un film confuso e disordinato, caotico e inessenziale, noioso e interminabile.

Schumacher inoltre si dimostra come uno dei peggiori tra i meglio-foraggiati registi contemporanei, e fa dubitare con questa prova persino della buona fede mostrata in Tigerland. È buona l’idea proustiana di far scaturire il ricordo dall’oggetto materiale, con il lampadario che si innalza e rinasce, e fa rinascere dalla sua luce e dal suo vento il teatro dell’Opera com’era nel passato: ma la stessa cosa c’era, uguale identica, nel Titanic di Cameron. E là era migliore, ed è tutto dire.

E poi finisce tutto lì, in quella frame-story bianco/nero e richiamata ogni tanto a dare spessore emotivo al ricordo, come se servisse. Il resto è un’altalena tra la sua solita insopportabile spocchia postmodernista (un paio di svolazzi, la scena degli specchi, le inquadrature sghembe della prima parte) e un diffuso e squallido piattume. Unica eccezione, la sequenza del cimitero: piacevole, ma davvero non basta.

Certo, colpa parziale va anche al materiale di partenza, perché The Phantom of the Opera non è il miglior musical di Andrew Lloyd Webber. Nessuna canzone veramente memorabile, e un metodo di richiamo tematico che, altrove affascinante, qui stanca in fretta. Forse a teatro era un’altra cosa, impossibile giudicare: ma qui di cinema stiamo parlando.

E nonostante lo sforzo tecnico-artistico davvero notevole (bellissimi i costumi e le scenografie), nei tempi del musical luhrmanniano, Il fantasma dell’opera è un cinema nato vecchio, bolso e senza alcun interesse, che vale forse come cometa di una stella già consumata sui palchi, ma non vale molto di più.

Batman – Il ritorno (Batman returns)

di Tim Burton, 1992

Rivedendo questo film, per la prima volta in lingua originale, mi sono reso conto (o ho scoperto?) una cosa nuova: a discapito delle perfette interpretazioni di tutto il cast (DeVito, Walken, persino Keaton), il miglior giocatore in campo è, chi l’avrebbe mai detto, la catwoman di Michelle Pfeiffer. Con quella tutina di pelle aderente e "zippata" e quegli occhi, neanche a farlo apposta, da gatta.

Nessun vero rivale. Il suo "miao" seguito dall’esplosione è uno di quei momenti che riescono ad essere cult quasi senza volerlo (o almeno senza mostrar di volerlo). Per non parlare del ballo con Keaton, alla festa mascherata. E la sequenza in cui la Pfeiffer macchia e brucia i suoi vestiti, i suoi peluche, quella geniale doll’s house: brucia e macchia letteralmente la sua infanzia, determinando il passaggio allo statuto (sessuale) di donna. Donnagatto, si intende.

Sul film non spendo nemmeno parole: credo che si sia capito con chiarezza quale sia la mia opinione. Meraviglioso.

internal links: ho parlato anche di Big Fish, Planet of the apes

Stalag 17

di Billy Wilder, 1953

"I don’t know about you, but it always makes me sore when I see those war pictures… all about flying leathernecks and submarine patrols and frogmen and guerillas in the Philippines. What gets me is that there never was a movie about POWs – about prisoners of war.

Now, my name is Clarence Harvey Cook: they call me Cookie."

Il film si apre così, con una dichiarazione d’intenti: "non so voi, ma mi irrito sempre quando vedo quei film di guerra", i film in cui è descritto solo l’aspetto tecnico e spettacolare della guerra, ed è tralasciato l’aspetto umano. Così Wilder si rinchiude in una sorta di non-luogo ante litteram: lo stalag, il campo tedesco di prigionia militare, e più in dettaglio la baracca in cui si svolgono quasi tutte le vicende. Per parlare non per forza di come si viveva realmente dentro uno stalag (forse un po’ peggio?), ma di come un gruppo di uomini può sopravvivere in uno stalag.

Wilder si spinge anche oltre, grazie a una sceneggiatura scritta con Edwin Blum, bella ma non brillante come quelle scritte con I.A.L. Diamond, e trasforma il film bellico in una delle sue corrosive pièce, vera e propria commedia drammatica in cui la caccia alla spia è pretesto per una ricca incursione nelle relazioni umane, arricchita da spunti originali sull’amicizia virile e sul tradimento, sui valori antimilitaristici della fratellanza e dell’onestà, e soprattutto da uno sguardo cinico sul valore e sui compromessi dell’individualismo ("dog eat dog").

Grande la regia, come al solito, per come riesce a sfruttare gli spazi ristretti a sua disposizione. In questo, almeno due scene da ricordare: un virtuoso carrello in avanti (richiamato da un "controcarrello"), che richiama un gioco di sguardi tra due personaggi; e la scena in cui Sefton scopre, grazie all’ombra penzolante di una lampadina, il metodo con cui la spia comunica con i tedeschi, mentre nella baracca tutti ballano e cantano.

Davvero eccezionali le prove di William Holden (premiato quell’anno con l’Oscar, e come negarglielo), e di Robert Strauss & Harvey Lembeck ("animal" e Shapiro), che forniscono il respiro farsesco dell’intero film.

Internal links about mister Wilder: L’appartamento.

[remainder]

Esce domani nelle sale "Birth", il film di Jonathan Glazer con Nicole Kidman e Lauren Bacall, presentato all’ultimo Festival del Cinema di Venezia, in Concorso. Come già altri film presentati in laguna, ho già avuto la fortuna di vederlo (con quella donna meravigliosa seduta a pochi metri da me), e vi rimando quindi al mio breve commento.

Birth è un film alquanto problematico sul piano narrativo, e forse non del tutto riuscito. Ma è un film formalmente formidabile, originale e raffinato, e spaventosamente coerente. Non un grandissimo film, ma è almeno un’interessante alternativa, soprattutto da un punto di vista ritmico, riflessivo e curato in maniera molto "autoriale" (questo potrebbe far imbestialire molti) e con una grandissima Kidman.

Ma sì, andate a vederlo e poi ditemi. Tanto non vi piacerà, sono io che sono stupido.

Ultimo importantissimo avvertimento: come capita spesso, non date retta alla pubblicità in tv, altrimenti finirete per odiarlo. Già mi vedo la gente che esce dalla sala incazzata. Se avete voglia delle emozioni horror che gli spot promettono, andate a vedere un altro film.

Essi vivono (They live)

di John Carpenter, 1988

Essi vivono è uno dei film più sottovalutati di John Carpenter, trasmesso in tv con svagatezza ma diventato con gli anni un oggetto di culto. E meritatamente, perché è uno dei film dove il regista statunitense riesce in modo migliore (come nello splendido e anch’esso sottostimato Fantasmi da Marte) a congiugare due delle sue vene.

La prima è quella carnale e diretta da regista di serie B, con una struttura originalissima (in cui un terzo di film è mera premessa), e un ritmo rilassato e blues (bellissima colonna sonora inclusa – ovviamente dello stesso Carpenter) che nessun produttore finanzierebbe mai con generosità. Mentre è il suo punto di forza.

La seconda vena è quella più propriamente politica: la non sottilissima metafora del film sull’emergenza prepotente della classe dirigente legata alla minaccia della subliminalità della cultura dell’immagine, vista tra l’altro dall’ottica inusuale della "classe operaia" in un progetto più che socialista, non solo calzava perfettamente nel periodo in cui venne prodotto (quasi un baratro nella cultura yuppistica anni ’80), ma si presenta ancora oggi come un modo intelligente, magari grezzo e legato al "cinema puro" che tanto piace a Carpenter, per parlare di verità e menzogna nella cultura postmoderna.

They live è anche uno dei film più dickiani mai prodotti, sia per il modo in cui la paranoia e le riflessioni sul dubbio ontologico (più che simili a quelle di Dick) si uniscono a una narrazione di genere caratterizzata da un estremo realismo, sia per le citazioni letterari: il titolo viene da una scritta su un muro ("They live, you sleep") che viene direttamente da Ubik (lì era "I am alive, you’re dead").

Per la mia esperienza personale, è autenticamente cult nell’accezione più precisa e positiva del termine, l’interminabile sequenza in cui i due protagonisti, in un vicolo, si prendono semplicemente a pugni per diversi minuti. L’uno per preservare inconsciamente la sua visione della realtà, l’altro per avere un partner (sacrificale, come il vero eroismo è, alla fine) con cui lottare per la verità. Sempre strabiliante.

Internal links on mister JC: Dark Star, Christine.