settembre 2005

La fabbrica di cioccolato (Charlie and the chocolate factory)
di Tim Burton, 2005

Una delle doti maggiori di Tim Burton sta nella capacità di trovare il "potenziale burtoniano" in tutto ciò che racconta. E così, la storia dei cinque biglietti dorati e il viaggio di Charlie e nonno Joe nella fabbrica di dolciumi diventa anche quella di un uomo solitario e "diverso" (con tanto di forbici in mano, alla sua prima apparizione), in fondo mai cresciuto e quasi immortale nella sua statura mitica, rinchiuso nel suo bizzarro e tetramente colorato castello, e diventa quella della sua mancata riconciliazione paterna e della scoperta della sua mortalità.

Burton intuisce anche quello che a Mel Stuart, nel precedente tentativo di adattamento (che amo furiosamente, con i suoi limiti), era in parte sfuggito: ovvero la spinta feroce, satirica e corrosiva di Wonka, che in Burton diventa una misantropia ancora più sostanziale. Gli invitati sono accolti da bimbi-burattini in fiamme, e il massacro (seppur acquietato da una rassicurazione finale) è ben più premeditato che non passivo.

E i colpevoli? Sono sì i genitori (blame your mother and your father!, diceva una oompa-song del vecchio film), ma anche i bambini stessi, ingiustificabili per la loro età, rei di aver dimenticato il valore del sogno. Obesità patologica, vizio convulso, competitività maniacale, insistente saccenza: ancora più infernale della già acida visione di Dahl, questo quartetto di bambini cresciuti troppo in fretta e troppo simili ai loro genitori è il quadretto non proprio gentile che Burton ci regala delle nuove generazioni. Con l’ovvia speranza che "i Charlie" nascano come funghi: speranza da un lato soffocata da un sorriso amaro, ma anche abbracciata da una commovente visione "familiare" finale.

Ma il film, il materiale oggettivo al di là del progetto, basta a se stesso. Una pura gioia multisensoriale: la vista allucinata dalle luci coloratissime e accese di Philippe Rousselot, l’udito coccolato dalle musiche del perfetto (per quanto manierato) Danny Elfman e dai geniali – sebbene mal tradotti in italiano – mini-musical degli Oompa-Loompa, soprattutto l’ultimo. Per tacere ovviamente del gusto e dell’olfatto, protagonisti fin dagli splendidi titoli di testa: animati digitalmente, con tanto di tavolette paracadutate.

Qualche dubbio legittimo (il monolite di cioccolata era davvero necessario?) e qualche freno emozionale (perché in fondo chi conosce a memoria il libro e il film di Stuart ha meno "sorprese"), oltre alla certezza che il nuovo, vero, capolavoro di Burton sia "La sposa cadavere", non rallentano l’entusiasmo per un film incredibile e emozionante, che soddisfa la totalità delle nostre papille cinefile e non, senza alcuna decenza, bello fino allo svenimento glicemico.

Spongebob – Il film (The Spongebob Squarepants movie)
di Stephen Hillenburg, 2004

Ci ha messo più di un anno ad arrivare in Italia, il lungometraggio di Spongebob, la spugna gialla creata da Stephen Hillenburg nel 1999. Perché ce ne siamo accorti troppo tardi, e comunque ancora in pochi, che Spongebob è, nonostante l’apparente idiozia e l’evidente targettizzazione verso la prima infanzia, una delle serie "occidentali" di cartoni "per bambini" più divertenti degli ultimi anni. E il film, che si temeva affaticato dall’inadatta lunghezza, è invece persino meglio delle brevi puntate in tv.

Spongebob è una spugna di mare giallognola e dai "calzoncini quadrati", vive in fondo al mare con il suo amico Patrick, stella marina bambinone in bermuda, e lavora in un fast-food. Il film rispetta le premesse della serie, ma grazie alla libertà concessa al regista (visto il successo che macina da anni Spongy in America), si porta molto oltre. E così, tra varie amenità tipiche della serie, il film diventa una specie di strana mescolanza di fiaba tradizionale (un oggetto da recuperare, aiutanti, oppositori, oggetti magici, insomma ci siamo capiti) e di fantascienza anni ’50, con lo strabiliante plancton, villain di turno, che vuole conquistare il mondo passando – pensate un po’ – attraverso la colonizzazione alimentare dei fast-food.

Non è l’unico amo che Hillenburg butta al mondo degli adulti, come il re Nettuno distratto dai suoi compiti a causa della calvizie, o la clamorosa sbronza di Spongebob (di gelato, si intende), o la bettola (la sequenza migliore, forse) in cui è vietato far scoppiare bolle di sapone. Ma forse è quando è liberamente assurdo o semplicemente stupido che il film di Spongebob è davvero irresistibile. E succede spesso (la macchina-sandwich, i due benzinai, la scena dei teschi, o il numero musical, e via dicendo). Perde magari qualche colpo quando tira fuori la "carne umana", quando insomma Spongebob e Patrick si ritrovano sulla terraferma, in balia della crudeltà dell’uomo: ma passa poco per tornare alle trovate geniali, perché un David Hasseloff motoscafato non potremmo mai rimpiangerlo.

E’ possibile che chi non abbia visto mai una puntata di Spongebob trovi questo film inetto e cretino, perché necessita una rara sospensione di incredulità e una predisposizione particolare e allenata. Ma non escludo il contrario: vi consiglio di tuffarvi senza freni nelle acque di Bikini Bottom. Postreste rimanere fulminati.

Frankenweenie
di Tim Burton, 1984

Cortometraggio prodotto dalla Disney, dove Burton aveva lavorato come animatore, nasconde sotto la patina "disneyana" (l’integrità familiare, i buffi animali, l’happy end) tutto ciò che in futuro contraddistinguerà il mondo-Burton: l’odio verso gli adulti e il rispetto del diverso, le case tutte uguali e l’impronta dark che si nasconde dietro l’apparente normalità della provincia americana. Più alcune cose poi riprese pari pari, come la popolazione che insegue il cane-mostro per linciarlo, come in Edward Scissorhands.

Divertentissimo e appassionato omaggio ai classici immortali del cinema horror, Frankenweenie è un vero gioiello, un piccolo capolavoro che nonostante la durata e la relativa povertà di mezzi, non sfigura di fronte alle opere più mature di Burton.

In Italia uscì accoppiato a Nightmare Before Christmas (chi vi scrive, a quei tempi davvero giovanissimo, amò più questo che quello), e ora si può trovare nell’edizione speciale dvd (italiana) del suddetto film. Da acquistare a tutti i costi.

La morte corre sul fiume (The night of the hunter)
di Charles Laughton, 1955



Opera prima (e unica) di un grande attore, è un film che mescola una struttura che viene direttamente dal mondo della fiaba (la linearità e gli incontri nella fuga sul fiume, Barbablù, Pollicino e l’orco), una visione cupa e agghiacciante del profondo sud invasato dalla grande depressione, e una messa in scena di incredibile bellezza, in cui ogni inquadratura ha una rilevanza simbolica pregnante, anche grazie all’immortale fotografia di Stanley Cortez.



Uno dei massimi capolavori della settima arte, analizzato, studiato e adorato da molti, ma troppo, troppo spesso dimenticato. Da recuperare nella smagliante (per qualità dell’immagine, extra nulli) edizione dvd italiana.

[in the meanwhile]

Ieri 16 settembre, dopo un lancio pubblicitario confuso e incerto, è uscito nelle sale italiane Good night, and good luck, seconda prova dell’attore George Clooney dietro la macchina da presa, presentato qualche settimana fa alla Mostra del Cinema di Venezia, in Concorso.

Il film, forse un po’ accademico, è però coraggiosamente indipendente, raffinato e intelligente, ben scritto e splendidamente interpretato da tutti il cast: il protagonista David Strathairn ha vinto una sacrosanta Coppa Volpi. Merita davvero.

Qualche (mia, e non solo) parola in più qui, su Lidobloggers.

[nientepopodimeno]
Approfitto del post aperto per un paio di segnalazioni.

La prima è per i bolognesi: la selezione di film "veneziani", oltre a quelle ricchissime di Milano e Roma, sarà anche nella città rossa. Impossibile non segnalare, tra le altre, le proiezioni del nuovo capolavoro di Park Chan-wook, Lady Vendetta (martedì 20), e il folgorante e bizzarro Takeshi’s di Takeshi Kitano (mercoledì 21). Fossi in voi, non mancherei. Altre info e proiezioni, a questo link.

Ultima segnalazione, anticipatissima in stile Gokachu, per la trasmissione televisiva di un classico davvero imperdibile: A touch of zen – La fanciulla cavaliere errante di King Hu. Alle 23:50 di venerdì 23: programmate i vostri VCR.

Team america: World police
di Trey Parker, 2004



Un film di burattini, con tanto di fili, nello stesso anno del molto meno noto Strings: ma se gli autori sono Trey Parker e Matt Stone, il risultato è ben diverso. La regola alla base è la stessa che regolava l’irriverente cartoon di Parker e Stone, South Park: la totale assenza di pudore, che rende il film il prodotto di una mente eternamente adolescente, e senza freni. Una fellatio per dimostrare la propria fedeltà al capo, l’improperio jesus titty-fuckin’ christ, un "discorso finale" che parla di pussies, dicks e assholes sono gli esempi più calzanti.



Ma l’obiettivo principale del film è chiaro e serio, ed è il cinema industrial-patriottico di Jerry Brukheimer e Michael Bay: frasi a effetto ("Terrorize this!"), personaggi che nel bel mezzo dell’azione (persino durante un attacco aereo) si scambiano confidenze e chiarimenti melodrammatici, e c’è persino una canzone malinconica che si chiama "Pearl Harbour sucked". D’altro canto, grazie all’impressionante lavoro dei tecnici (gli scenografi hanno creato intere città di "case di bambole" secondo "l’idea che gli americani hanno" di quelle città, vedasi Parigi), il film non è una povera sciocchezza, bensì il risultato di uno studio acido ma acuto sui cliché e gli stilemi del cinema action americano contemporaneo. Ovviamente, dati entrambi ai pesci.



Team america è la quintessenza dello spirito anarchico di Parker e Stone, perché nessuno è risparmiato: dalle forze di polizia internazionali ("we have no I.n.t.e.l.l.i.g.e.n.c.e.!") agli attori "liberal" come Tim Robbins e Sean Penn (che qui guidano il Film Actors Guild, e visto l’acronimo la battutaccia è inevitabile), dai terroristi islamici (o meglio, alla loro immagine codificata: non dicono altro che "jihad", "muhammad", e altri versacci) a Michael Moore. Nella demolizione generale si fa quasi il tifo per l’egocentrico e spietato dittatore nordcoreano King Jong Il, sorta di irresistibile Eric Cartman potente e incattivito, a cui è dedicata persino una canzone strappalacrime.



Resta il dubbio che sotto un attacco così deliberato all’establishment hollywoodiano si nasconda un po’ di invidia, perché non tutto funziona come dovrebbe, soprattutto una volta scoperte le carte, e che l’accesa satira politica sia appunto aquietata dall’odio nei confronti della mecca del cinema (o forse da esigenze produttive?).



Se vi pare di non gradire, ed è più che comprensibile, lasciate perdere. Ma, accettate le regole del gioco, ci si diverte da impazzire. Basti pensare alla scena di sesso (che inizia come la tipica scopata blockbuster, per poi trasformarsi in un porno esplicito tra Barbie e Ken), alla vomitata interminabile del protagonista, e al trattamento impietoso che viene riservato a Matt Damon.