dicembre 2006

Dreamgirls
di Bill Condon, 2006

"You got the same wig as me?"
"Yeah."
"You got same the same dress as me?"
"Yeah."
"Then shut up."

L’adattamento cinematografico dell’omonimo musical di Broadway ci ha messo ben venticinque anni a trovare un posto sullo schermo. Una volta arrivato, ha trovato un consenso di critica quasi unanime, e – dalle prime anteprime, visto che negli States usciva ufficialmente ieri – anche un ottimo successo tra il pubblico. Ora, tutto questo clamore è forse esagerato, perché Dreamgirls non è un film eccezionale. Ma con tutte le dovute cautele, si poteva fare molto di peggio, e non annoiarsi troppo con un film simile è già un bel risultato.

Vent’anni di black pop (dal 1963 ai late seventies) ispirati alle vicende della Motown e delle Supremes (con Beyoncé Knowles, spaventosamente figa e anche – stranamente – molto brava, a fare la Diana Ross della situazione) spalmati in due ore con piglio frizzante anche se vagamente televisivo, con una predominanza dei numeri musicali "da palcoscenico" intrammezzati da alcuni musical dialogues (ottimo It’s all over), e una qualità altalenante: un primo terzo davvero scoppiettante, alcune (parecchie) cadute di ritmo e cessioni alla banalità da melò del pomeriggio, una decisa risalita e un finale collaudatamente strappalacrime. A qualcun altro.

Ma tutto ciò raccontato con una tenuta narrativa decorosa e senza tentazioni all’ingrasso: per una volta, un registro settato sulla mediocrità non fa troppi danni. Vabbè, è scritto e diretto da un bianco, e al di là della sua evidente passione Condon non è questa cima, e non sfugge nemmeno a qualche luogo comune sui neri di Detroit. Il numero musicale su Family, poi, è una delle più tremende esperienze di imbarazzo spettatoriale che mi siano capitate, talmente fuori luogo da sembrare brutta apposta. Son cose.

Ma insomma, tutto sommato Dreamgirls si fa guardare. Gran parte del merito va però attribuito il cast all black, l’unico elemento del film a elevarsi davvero sopra la media. E se Eddie Murphy eroinomane e rinsavito dai suoi ormai insopportabili travestimento è davvero una bellissima riscoperta, e comprimari  come l’invecchiatissimo Danny Glover fanno il loro porco lavoro, tutti impazziranno per la mia coetanea Jennifer Hudson, American Idol cicciottella e antipatica già in odore – fortissimo – di Oscar.

Che poi normalmente se io sento una cantare così, urlando come una pazza fino a che non le si stacca la gola, cambio immediatamente stazione/disco, o spacco direttamente lo stereo a bastonate. Tipo, se pensavate di regalarmi la colonna sonora di Dreamgirls per Natale, ecco, lasciate stare. Grazie lo stesso. Carino da parte vostra ma no grazie. Nel contesto però – strano a dirsi – ci sta tutta, eccome.

Nelle sale italiane dal 26 Gennaio 2007

Una scomoda verità (An inconvenient truth)
di Davis Guggenheim, 2006

"I’m Al Gore, I used to be the next president of the United States. I don’t find that particularly funny."

Il film di Davis Guggenheim, figlio del premiatissimo documentarista Charles, è una sorta di "versione filmata" dello slide show che che Al Gore, ex (e forse anche futuro) candidato dei Democratici per la Presidenza degli Stati Uniti, tiene da molti anni in giro per il mondo, illustrando con l’ausilio di dati scientifici e con un tono tendenzialmente demagogico, ma senza dubbio di grande effetto, le cause e le possibili conseguenze del global warming. E soprattutto negli Stati Uniti, la cui attuale amministrazione, come tutti sappiamo (vero? vero che lo sappiamo? eh?), non ha aderito al protocollo di Kyoto (come direbbe il Bush di Crozza, "perché non so cosa vuol dire protocollo") l’argomento è tra più caldi che si possano affrontare.

Mentre metà abbondante del film è appunto lo slide show filmato, il resto si concentra sulla figura pubblica e anche privata di Gore, narrata dalla sua viva voce. E fa un effetto un po’ strano sapere tutti questi particolari su di lui, visto che dalle nostre parti ai tempi della sua candidatura era considerato più che altro – o meglio, raccontato come – una mera controparte di Bush, mentre dal documentario ne esce l’immagine di un uomo entrato nella vita politica proprio per combattere queste battaglie, e uno che di ambiente si è sempre occupato come priorità politica e umana. Ed è questo forse l’aspetto più interessante – o forse il più inatteso – del film: non solo argomenti tanto interessanti quanto inquietanti (a tratti terrificanti e spaventosi), ma anche un film su un uomo e la sua personale ossessione.

Che poi questa ossessione sia vera o meno, che insomma Gore sia in buona fede o meno, che sia tutta campagna elettorale come molti maligni hanno scritto (anche se il film ha ottenuto giustamente un’accoglienza critica molto più che entusiasta) o meno, non sta a noi deciderlo. E non ci importa nemmeno. Perché quello che An inconvenient truth trasmette è un messaggio giusto, è un messaggio che trascende assolutamente le schermaglie politiche, ed è un messaggio che abbiamo voglia (e paura) di sentire, che abbiamo bisogno di sentire. In un certo senso, guardando il film si fa persino poco caso all’immagine agiografica, quasi da martire, che Guggenheim fa di Gore, e che soprattutto Gore fa di se stesso. Perché quello che è certo, e quello che conta, è che simili dubbi non annullano né sminuiscono l’incredibile, incredibile impatto emotivo – e l’importanza – di ciò che ci viene detto.

L’unica cosa che rimane da dire è che questo film va visto. Punto. Qualche critico negli States l’ha definito un "dovere morale", e per gli statunitensi – responsabili di un terzo del riscaldamento del globo – non è propriamente un’iperbole. Per quanto riguarda noi italiani, se anche qualcuno ha vivaddio deciso per noi che aderiamo al protocollo di Kyoto, non mi sembra il caso di sentirci meno colpevoli e non significa che dobbiamo comprarci tutti un Cayenne.

Quindi, andate a vederlo. Il film esce al cinema il 19 Gennaio 2007. Andate a vederlo. Non è un affaire politico, la destra e la sinistra qui non c’entrano niente. Andate a vederlo. Non volete spendere soldi? Procuratevelo in qualche altro modo. Non avete nemmeno un’ora e mezza di tempo? Uff. Fatevi un giro da queste parti, e poi ne riparliamo.

Anchorman – La leggenda di Ron Burgundy (Anchorman – The legend of Ron Burgundy)
di Adam McKay, 2004

"Guess what, I do. I know that one day Veronica and I are gonna to get married on top of a mountain, and there’s going to be flutes playing and trombones and flowers and garlands of fresh herbs. And we will dance till the sun rises. And then our children will form a family band. And we will tour the countryside and you won’t be invited."

Per parlare di questo film si potrebbe ripetere molto di quanto già detto riguardo Ricky Bobby in questo post: stesso regista, stesso protagonista e sceneggiatore (Will Ferrell), alcuni membri del cast in comune, e soprattutto lo stesso stile: ovvero, una commedia di stampo e di struttura classica (e quindi, in un modo o nell’altro, molto prevedibile e collaudata) ma declinata attraverso una sceneggiatura surreale, caustica e irresistibile.

Ma Anchorman, che non è uscito nelle nostre sale ma si può trovare (a fatica) in dvd in italiano, e che comunque va giudicato anche per quello che è, tutto sommato (ovvero una minchiata, ecco, pure se in un’accezione gentile) ha persino qualcosa in più. Ha una quantità maggiore e indecente di scene in cui ci si trattiene a fatica da risate starnazzanti: perlopiù sono i dialoghi a fare questo effetto, ma anche sequenze come la street battle tra le crew televisive (in cui spuntano Luke Wilson, Ben Stiller, Vince Vaughn e Tim Robbins) oppure quella della morte del cane (in cui spunta Jack Black: ma che sono, tutti amici?), o la scena animata a Pleasure Town.

E poi c’è il personaggio marginale ma stupefacente di Brick, il meteorologo idiota intepretato da Steve Carell. Se più persone avessero visto Anchorman, io compreso, non lo si sarebbe trattato così male solo perché ha fatto quella schifezza di 40 Year Old Virgin. Oh scusami, Steve.

"Discovered by the Germans in 1904, they named it San Diego, which of course in German means a whale’s vagina."
"No, there’s no way that’s correct."
"I’m sorry, I was trying to impress you. I don’t know what it means. I’ll be honest, I don’t think anyone knows what it means anymore. Scholars maintain that the translation was lost hundreds of years ago."
"Doesn’t it mean Saint Diego?"
"No. No."
"No, that’s – that’s what it means. Really."
"Agree to disagree."

Un montaggio di alcune scene del film con Steve Carell.

Afternoon delight. Sounds like you have mental problems, man.

L’era glaciale 2 – Il disgelo (Ice age: The meltdown)
di Carlos Saldanha, 2006

Non era difficile intuire una parabola discendente nella qualità dei film della Blue Sky, lo studio d’animazione della Fox. Bastava guardare Robots. Gesù, Robots. Ebbene, The meltdown fa persino peggio. Al punto che vengono dei seri dubbi sul notevole apprezzamento che anni fa ebbi nei confronti del primo episodio, che trovai l’unica possibile alternativa davvero valida al dominio artistico della Pixar. Sbagliavo? Mah.

Forse è l’assenza di Chris Wedge (Saldanha era il co-regista degli altri due film – secondo me Wedge dopo aver letto una sceneggiatura simile ha pensato bene di scansarsi, pur continuando a doppiare Scrat), o forse semplicemente l’assenza di un qualsiasi motivo di interesse: i personaggi nuovi sono insensati e fanno cose insensate (Ellie scopre di essere un mammuth e non un opossum? Mh, ok, migriamo. Ma per favore), i personaggi vecchi non hanno più alcuna motivazione narrativa (Diego ha paura dell’acqua? Yawn), la storiella familiar-castrante sa terribilmente di attaccaticcio, le gag sono volgarotte eppure il target è evidentemente bassissimo, molto più del solito. Persino Sid non strappa più una risata che sia una. Giuro.

Ma è chiaro che tanto, da qualunque parte lo si guardi, tutto in The meltdown è un pretesto per proponarci un’altra (persino più corposa) manciata di gag con protagonista l’insopportabile scoiattolo Scrat. Potesse morire una buona volta, Scrat. Muori, maledetto scoiattolo.