gennaio 2007

Blood diamond – Diamanti di sangue (Blood diamond)
di Edward Zwick, 2006

"While Mr. DiCaprio turns out to be an ideal fit for Blood Diamond, there’s an insolvable disconnect between this serious story and the frivolous way it has been told. There is no reason to doubt the filmmakers’ sincerity; only their filmmaking."
Manohla Dargis, The New York Times

Come descritto da FedeMC nel suo post, un pensiero su Blood diamond può prescindere in qualche modo dalle sue implicazioni politico-sociali? Ci provo anch’io, brevemente: sia sulla carta che sullo schermo, il film di Edward Zwick, che si riconferma regista di insormontabile mediocrità, è poco altro che il solito lunghissimo polpettone d’avventure, con ambientazione esotica (sui generis, ma pensando al pre-finale nemmeno tanto) e sottostoria romantica, non orribile ma tranquillamente evitabile, e che probabilmente non merita tutta l’attenzione che gli è stata data dai media nell’ultimo periodo.

A questo punto, il ragionamento politico, (pare) sentito e (sicuramente) doloroso, cosa diventa nell’ottica del film? Un punto a favore del film o ai suoi danni? Forse entrambe le cose. Perché di certo il modo in cui viene rappresentato il continente nero – per esempio l’addestramento dei ragazzini che, strafatti di eroina e tutti pitturati, vanno a massacrare interi villaggi mentre il G8 applaude alla prestigiosa presenza dei due simil-De Beers – ha davvero poco di rassicurante o dell’Africa da cartolina che siamo stati abituati a vedere. D’altro canto però, con tutto lo sforzo nel risultare il meno "exploiting" possibile, alla fine predica bene e razzola male: anche se la sceneggiatura, molto intelligente, contiene al suo interno molte possibili risposte ad un simile ragionamento.

L’innegabilmente nobile merito del film non fa quindi che spostare avanti e indietro l’ago della bilancia, lasciando stupefatti: a volte per l’inedita (in una produzione simile) e realistica crudezza delle situazioni, altre volte per la faccia di bronzo che Zwick e soci mostrano di avere nel mescolare discorsi serissimi e l’impianto da filmotto da casalinghe annoiate, confezionando a tratti dei veri e propri nadir del pessimo gusto, con un passo talmente pesante che a confronto Mel Gibson è un étoile della Scala. Quello che resta in mezzo ai due piatti ormai stremati, così come la nostra pazienza, è un fumettone vecchiotto, noioso, rimbomante e davvero troppo lungo.

A fare la differenza invece, molto più di Djimon Hounsou, è Leonardo di Caprio: cinico, ironico, irresistibile. E con un accento pazzesco. Da solo non riesce a risollevare un film banalotto e sostanzialmente ricattatorio, ma lo si è visto visto fino in fondo quasi solo per lui.

Una notte al museo (Night at the museum)
di Shawn Levy, 2006

Lo so, cosa vi credete. Vi ho visti. Lo so che non vedete l’ora che esca, per un motivo o per l’altro. Magari perché vi piace Ben Stiller, o Owen Wilson, o entrambi. Perché ci sono un sacco di mostri. Perché c’è Dick Van Dyke in un film per ragazzi, e non vi sembra vero. Perché scoprite che Mickey Rooney sta ancora in piedi, e non vi sembra vero. Lo so, ci sono passato anch’io. Ma sono qui per avvertirvi: statene fuori, dallo stramaledetto museo.

Prendete tutto ciò che più odiate della parte malata di Ben Stiller (uomo che ha notoriamente una parte sana e una parte malata, lo sanno tutti), i suoi strabuzzamenti d’occhi e i suoi tempi morti, metteteci intorno la vicenda-pretesto più banale che vi possiate immaginare, una sorta di (come mi è stato suggerito) Muccino for dummies con dialoghi familiari che sembrano scritti su quadrati di carta igienica (per spessore e dimensione, ma anche per l’uso che potreste farne), unite a questo pure Carla Gugino che non si è ancora rassegnata al non poter essere una star con un cognome simile, e concludete con badilate e badilate di noia. Et voila, avrete la parte diurna.

Per la parte notturna, non è che vada molto meglio: gli effetti speciali saranno anche eccezionali ma dopo una quindicina di minuti, dopo che hai capito il meccanismo, il dinosauro che scodinzola, bello, e ti sei già bello che rotto. Ma peggio ancora, le gag. Le gag. LE GAG. Qui scritte – insieme a tutto il resto del film, si intende – da due dei creatori di Reno 911 in evidente stato confusionale, come capita troppo spesso a Stiller quando (vedi Meet the parents) non viene tenuto a bada da un regista capace (o da se stesso, se capita nel giorno sano), sono quasi tutte sbagliatissime e stiracchiate fino ai limiti dell’umana sopportazione. Il doppiaggio – oltre ai soldati romani che parlano romanesco et similia – non aiuta, e ne stravolge completamente la gran parte: vi invito a contare le volte in cui guarderete il vostro partner o il pubblico intorno a voi per capire se provano il vostro stesso senso di imbarazzo.

Dopotutto stiamo pure parlando di Shawn Levy, mica di Robert Zemeckis, ma sinceramente credo che, continue cantonate di target a parte, nemmeno un bambino si possa divertire granché con questa roba. Forse giusto un bambino americano, ecco. Magari il tipo di bambino che desidera anche visitare un simile, ridicolo, inutile, orribile e stupido museo.

Si salvano dal disastro la fotografia di Guillermo Navarro, operatore di Del Toro, qui sprecatissimo ma con qualche guizzo eccessivo come ai vecchi tempi, e soprattutto Ricky Gervais, che si inventa una variazione del suo personaggio in The Office (versione britannica, si intende), e fa semplicemente morire dal ridere ogni volta che apre bocca. A costo di immaginarselo però, perché in italiano l’accento inglese è diventato un tono lievemente effeminato.

Credo di non dover aggiungere altro.

Nei cinema dal 2 Febbraio 2007

Bobby
di Emilio Estevez, 2006

Siete convinti che le buone intenzioni e il buon senso del messaggio che viene veicolato da un film non bastino a farne un ottimo film, ma che ci voglia anche una spiccata capacità in cabina di regia, soprattutto se ci sono 300 storie e 600 personaggi? Siete amanti di Altman e ammiratori di Anderson (come si usa dire al suono della parola "corale") e non sopportate più che cani e porci facciano film con 300 storie e 600 attori di buon nome che si incrociano nel punto "x", dove "x" è "fatto cruciale, storico e/o immaginario e/o metaforico", e che la maggior parte dei quali attori non siano che funzioni di qualcun altro o di un twist narrativo, e prestino il loro buon nome forse inconsapevoli della loro (vedi Heather Graham: come diavolo fa a essere ancora così bella?) pretestualità e – pressapoco – inutilità? Siete stanchi di una delle seguenti cose: (a) coppie di mezza età che si tradiscono o che vanno in crisi e/o in analisi, o entrambi, ma sempre e comunque in salsa soap, che in un film spiccatamente e volenterosamente politico non fanno questa gran figura (b) pensionati che vanno in depressione perché con il lavoro hanno perso anche il loro posto nel mondo e/o il senso della loro vita (c) la retorica politico/sociale e il pathos sonoro che vanno ormai indissolubilmente a braccetto, e spesso male, tipo qui (d) Linsday Lohan (e) personaggi che dopo mezzo bicchiere di whisky cominciano a parlare – almeno nell’orrido doppiaggio italiano – come Melanie Griffith nel remake di Nata ieri, per poi riflettere a voce alta sulla vecchiaia e/o sulla morte e/o sulle donne che sono tutte troie (sic) (f) i messicani fieri e/o vittimisti?

Se vi riconoscete in toto in questo profilo, state pure a casa.

Ma forse fareste un errore. Perché è vero che finora sono stato apparentemente cattivo, eccessivamente e sicuramente per gioco, ma le buone intenzioni di cui sopra, per me, in un caso simile, un valore ce l’hanno eccome. E sappiate che Bobby ha un potentissimo proiettile nel suo pistolone (o pistolotto, fate voi) dall’ambizione corale: cioè, la parte più normalmente irritante, ovvero il punto "x" di cui sopra, è qui spaventosamente commovente. E se vi siete ritrovati a deridere certe scelte (come i due vecchi scacchisti o i due giovani fattoni – e detta così suona ancora più deridibile) e ad accettarne altre (come la struggente vicenda che lega la Lohan a Elijah Wood) ma sempre con la bocca un po’ storta, vi ritroverete nel finale con tutte le mani nella bocca, e mentre la testa dice "ma non vorrai mica commuoverti, non senti che retorica blanda, e quel discorso off con quella musica lì, no, e non vedi come svacca quando si appiglia al presente, e suvvia, Nick Cannon che esce dallo studio di Kennedy illuminato di bianco dall’alto non ti sembra un po’ troppo?", il cuore batte ed esce pure la lacrimuccia. Per quanto mi riguarda, ci siamo. Ci sono cascato.

E dire che mi ci riconoscevo anch’io.

Nota di servizio
Ci sono almeno due (ma quanti, ce ne sarebbero!) cineblogger attivi, bravi e competenti, che per pigrizia mia (e altrui) non fanno ancora parte della grande famiglia di Cinebloggers Connection. Li invito io ora, ufficialmente.
Ricordo che per le semplici e democratiche regolette del "nostro" blog serve l’appoggio di soli 2 giudici, da esprimere nei commenti di questo post.
I blog sono i seguenti: Delirio cinefilo e Breaking news.

Apocalypto
di Mel Gibson, 2006

Vorrei sgombrare subito il campo dalle incertezze, perché mi rendo conto che qualcuno ha poco tempo da perdere e vorrebbe leggere subito, o quantomeno nel primo paragrafo, una dichiarazione d’intenti chiara, una presa di posizione decisa, pro o contro diamine!, soprattutto se il film divide così tanto come in effetti ha fatto negli ultimi tempi questa nuova opera del regista di Braveheart e The passion of the Christ. Lo so, certe volte si chiede solo una punta di chiarezza. Mi sembra, per adesso, se non sbaglio, sarà che non ho niente da dire, di non averne affatto.

E quindi, nonostante Gibson azzecchi qualche sparuto minuto in più di quanto io non mi aspettassi seguendo il mio ovvio e negativissimo pregiudizio, per esempio mostrando un brillante paradigma della società di classe mentre i protagonisti legati percorrono la via (crucis, obviously) che porta al tempio, oppure cambiando rotta dall’oscena prima metà preparatoria, girata con i piedi, ripeto: con i piedi, e con un’imbarazzante e ridicola pochade riempitiva, a una seconda metà in cui almeno si spinge sull’azione pura, dove Gibson si muove con più dimestichezza, Apocalypto è proprio brutto. E se vi sembra folle, violento e spregiudicato, vi giuro, non capisco che film abbiate visto. E nonostante le buone intenzioni ci ho messo due paragrafi a dirlo. Ora che l’ho detto potrei ripeterlo per ore. Urlando, per strada.

Si sarebbe tentati, forse proprio per l’estrema ingenuità e per la rozzezza con cui è girato questo mastodontico e interminabile pachiderma da corsa, condito pure dalle risaputissime musiche tribali di James Horner e da dialoghi che (come già fatto notare altrove) nascondono la loro insopportabile banalità dietro il trucchetto del fascino della lingua madre (inutile e perfino dannoso quando non si hanno pretese documentarie bensì idelogiche e/o di intrattenimento), a non demolirlo in toto, a fare in modo che passi inosservato e che qualcuno se ne innamori pure. Che si divertano pure!, a vedere questa cartolina traballante e sentenziosa, questo Rambo dell’isola di Pasqua, questo film d’avventura pura ma ossimoricamente noiosissimo e pretenzioso, quest’opera capace – come già in The passion – di mandare al macero delle buone, o almeno scaltre, idee progettuali.

Lo si farebbe anche, se non fosse per il concetto-chiave che condanna irreparabilmente il film, già espresso nel suo post da UnoDiPassaggio. A cui, se me lo permette, lascerei la parola per chiudere questo post. Non farei che ripetere gli stessi concetti, e sicuramente non con questa sintesi ironica e preziosa.

"Si mormora in giro che in fondo sia solo un film d’avventura. Forse sì ma maledettamente serioso e un po’ disonesto. Perchè non avendo forse la tempra necessaria per sporcarsi le mani col genere nudo e crudo, intontito da deliri autoriali, Gibson ammanta declamatoriamente la sua storia del Grande Messaggio fin dalla didascalia iniziale, nonché di un (presunto) rigore filologico per quanto mi riguarda pleonastico e degno di miglior causa. Le grandi civiltà vengono conquistate dall’esterno solo quando si sono distrutte dall’interno. All’ombra della logica di questa giustificazione ideologicamente discutibile e velatamente interventista, lo sbarco finale degli spagnoli ha ben poco di minaccioso e molto di inevitabilmente necessario. Sono destinati a scomparire questi indigeni marci e in fondo sconosciuti che probabilmente custodiscono all’ombra delle loro piramidi insanguinate armi di distruzione di massa. E se non le hanno, che scompaiano lo stesso. Perchè così è scritto da qualche parte e così ha detto qualcuno. O Qualcuno. Solo al Maya padre e figlio di famiglia, dall’aspetto non troppo "diverso", sopravvissuto e probabile futuro integrato, è concesso un nuovo dubbioso inizio."
(da qui)

Rocky Balboa
di Sylvester Stallone, 2006

"Yo, don’t I got some rights?"
"What rights do you think you’re referring to?"
"Rights, like in that official piece of paper they wrote down the street there?"
"That’s the Bill of Rights."
"Yeah, yeah. Bill of Rights. Don’t it say something about going after what makes you happy?"
"No, that’s the pursuit of happiness. But what’s your point?"
"My point is I’m pursuing something and nobody looks too happy about it."

Parlare di Rocky Balboa non è facile. O almeno, non lo è se si vuole mantenere un certo distacco oggettivo. Il film di Stallone, sesto capitolo dell’apparentemente interminabile saga con protagonista il nerboruto pugile di Philadelphia, è un autocelebrazione ai limiti dell’imbarazzante ma è capace di momenti di grande dolcezza e intimità. Tecnicamente vecchissimo e terribilmente ingenuo, ma è capace di far alzare i suoi spettatori in piedi a fare il tifo. Riciclo spudorato di idee vecchie di trent’anni, ma anche consapevole (e scaltro, nel senso buono) tributo a un intero immaginario.

Non è una o l’altra cosa. La proverbiale incapacità dello Stallone regista e l’inspiegabile fascino dello Stallone attore (nell’unico ruolo a lui adatto e che gli rende onore), l’anima pedestre e quella passionaria dell’ultimo Rocky possibile, convivono quasi senza la cognizione del passaggio. Ci si trova a maledire le lungaggini, la bruttissima colonna sonora, Burt Young e Milo Ventimiglia che piagnucolano, Stallone che dice How you doin’ e I appreciate it ogni 2 minuti per far contenti i fan, e in pochi secondi ti perdi a guardare quel corpo imbolsito che si allena, e non ci si crede. Ci si sfida pure, a resistere a sorridere con soddisfazione durante il fatidico montage, che dovrebbe risultare stucchevole, ma non ci si riesce. Nemmeno il cagnolino ci trattiene da uno slancio di entusiasmo.

E tutto il combattimento finale, che occupa un terzo di film, quindi troppo, davvero troppo, è pure brutto, girato come viene, con un montaggio che fa fare un balzo indietro di vent’anni al cinema di boxe, con gli attori che se la divertono e fanno gli imbecilli, con le buffonerie italoamericane. Eppure quasi la pensi come quei telecronisti che rimangono a bocca aperta, e quasi sei emozionato anche tu, perché non pensavi davvero che quel vecchio pugile (o quel vecchio attore, si intende) potesse fare un simile show di fronte ai suoi fan, per i suoi fan. Per noi, tra l’altro. Ma soprattutto per se stesso.

Quando nel finale, stringato e ovvio, Rocky Stallone si allontana da quei fiori, e sfuocato se ne va a vivere quel po’ di vita che gli è rimasta, finalmente rasserenato e finalmente liberatosi dai suoi fantasmi, dovresti essere portato a odiare tutto questo, a tacciarlo di ridicolaggine. E non avresti torto. Invece sei quasi commosso. Incazzato e commosso insieme. Rocky Balboa è un brutto film che non posso che consigliarvi di cuore.

La ricerca della felicità (The pursuit of happyness)
di Gabriele Muccino, 2006

L’esordio americano di Gabriele Muccino è forse la storia di un uomo che si convince che, non solo per "trovare la felicità" o per uscire dai casini, ma proprio per fare successo, per sfondare, l’unico modo – anzi, il modo necessario e sufficiente – è saper conquistare le persone con un sorriso e una decorosa parlantina. Con sincerità o meno, non importa: quello che conta è fare buon viso a cattivo gioco, stringere i denti, e far finta di niente se tutto va in pappa. Sciolto, sorridente, giacca scura, via, e poi a dormire nel cesso di una stazione, tra le lacrime. Tieni duro. Prima o poi ce la farai, botta di culo permettendo. Forse, eh. Un intero paese che la sera si toglie la cravatta – e quel sorriso che fa alle telecamere di tutto il mondo – e va a dormire sotto il suo ponte?

Questo è l’aspetto di The Pursuit che in qualche modo sfugge alla vista – o non c’è – ma che sarebbe più stimolante, più che l’edificante e prevedibile – anche se entusiasmante nelle sue pieghe più sadicamente kafkiane – racconto di una tenacia che se perseguita con correttezza porta, da power-of-a-dream copione, ad ogni risultato immaginabile. Perché sotto alla serie di sfighe – sterminata, davvero da record – reinventate e riassunte da Steven Conrad a partire da un fatto – deo gratias – verissimo, può giacere un’immagine assai poco rasserenata della società americana, dove è vero che i sogni possono diventare realtà, ma dove è vero anche che spesso, se ti abbandona la dea bendata, ti ritrovi in un incubo bello e buono. Quelli a cui va come Gardner – e negli States sono tantissimi, più di quanto ci vogliano far credere – generalmente, senza un pupattolo dalla faccina dolce per cui lottare, sul marciapiede finiscono per rimanerci a vita. Altro che broker.

Libertà interpretative, perlopiù. No, diciamo piuttosto che ci piacerebbe pensarla così. Perché The pursuit of happyness è invece un film abbastanza ordinario. Onesto magari, quello sì, ma scritto e girato senza andarci troppo di fino, con qualche piccolo tocco personale (sia in fase di scrittura – "this part of my life is called" – che in cabina di regia – qualche movimento di macchina ben compiuto, ma i quasi-virtuosismi de L’ultimo bacio sono lontanissimi), che appena appena si vede. Comunque, molto pacato per essere un film di Muccino: per dire, gente che corre e urla ce n’è – nonostante il successo gli americani sulla stampa si chiedono com’è che Will Smith si dimena così tanto, ehy guys THAT is Muccino – ma in alcuni momenti rischiosissimi (il campo di basket, l’abbandono della sfattissima Thandie Newton) i climax vengono tagliati con un certo garbo, e come eccesso emozionale, signora mia, le basti questo chilo e mezzo di mala suerte.

Infatti, come già accennato più volte, l’impronta sadica del film è preponderante, ma non per forza in senso negativo. Se siete disposti a vedere due ore di discesa all’inferno senza pensare di avere nulla in cambio, tipo che so, una catarsi esplicita, e se non siete dei precari o in difficoltà lavorative, altrimenti ve lo assicuro, vi arrivano delle mazzate nelle ginocchia senza precedenti, avrete anche di che divertirvi. In fondo The pursuit of happyness è, a tutti gli effetti, una pursuit. I risultati, e il riscatto, se vi aggrada, ve li potrete godere, mediamente soddisfatti (e affaticati, non c’è che dire: Gabriele non ha proprio delle manine di fata), tornando alla vostra bella casa o al vostro amato ponticello.

 Magari ripensando pure alla quantità vergognosa di denaro che il signor Gardner possiede a tutt’oggi. Senza contare gli introiti della sua autobiografia "The pursuit of happyness", e ovviamente i diritti di sfruttamento cinematografico della stessa. Questo sì, diavolo, che si chiama riscatto. Evviva l’America.

Il mistero del bosco (The woods)
di Lucky McKee, 2006

Chi ha visto May, il bellissimo film che ha reso Lucky McKee un regista di culto tra molti appassionati di cinema del terrore (e di quelli del cinema queer), soprattutto oltreoceano, conosce la passione che il regista nutre nei confronti del cinema di Dario Argento. E in effetti The woods è prima di tutto una rivisitazione, con una storia che si rifà esplicitamente – pur cambiando tantissimo, sia nell’ambientazione che nelle singole trovate, ma conservandone lo stile e molti sviluppi narrativi – al celeberrimo Suspiria.

L’edizione italiana di The woods è uscita da qualche tempo, ovviamente nell’indifferenziata sordina che caratterizza il mercato dell’home video. Ma anche negli USA l’uscita del film è stata molto travagliata. Infatti, dopo anni di progettazione (il titolo fu opzionato anni fa e "rubato" al The village di Shyamalan), il film è riuscito a vedere la luce solo negli scaffali delle videoteche, uscendo direttamente in DVD nell’Ottobre del 2006.

E se almeno questo ci è arrivato mentre May ancora ce lo sognamo, è comunque un peccato, perché se anche The woods non è all’altezza del film precedente, che era ben più personale e originale, è comunque un film horror piacevole, assolutamente migliore della media, forse anche per il suo essere sottilmente "malinconico" – e qui l’ambientazione fifties aiuta non poco – nei confronti di un cinema horror che non c’è più. L’idea di rappresentare il sovvertimento dell’ordine anche attraverso contrasti fotografici e cromatici (Heather, la brava Agnes Bruckner, è rossa di capelli e più "luminosa" delle sue compagne) poi, è davvero intelligente e ben realizzata, e McKee ha la capacità di tirare fuori la sua personalità quando meno te l’aspetti. Magari in piccoli flash, urla, spaventi, sogni.

Note particolarmente positive per il cast: Patricia Clarkson, per dire, è assolutamente perfetta nel suo ruolo di preside-strega. Sempre incredibile, anche se un po’ sacrificata, la presenza scenica di Bruce "Ash" Campbell. Angela Bettis invece, l’attrice-feticcio di McKee, non c’è. Ma a modo suo appare anche qui: è la voce spettrale che viene dal bosco. Brrr.

Per procurarselo.