2008

Zohan (You don’t mess with the Zohan)
di Dennis Dugan, 2008

Far ridere non è una cosa da poco. Far ridere in modo intelligente e maturo tanto meno, ovvio. Ma a volte ci si può accontentare di una risata più grassa, o dai contorni meno smussati. E per fare ciò, insegna la storia della commedia cosiddetta "demenziale", a volte è possibile anche venire a patti con i limiti del proprio gusto, o del proprio buon gusto. Dunque, Zohan, che è un film sciocco quando non idiota, con un protagonista repellente, storicamente superficiale e superficialmente conciliatorio, può rispondere ad altro che non alla sua capacità di far ridere?

Probabilmente no, ecco. Ma importa poco, visto che di questa capacità ne ha da vendere: un film volgare, triviale, scemo, d’accordo, ma anche sanamente svergognato, ed energicamente puerile. Adam Sandler azzecca una mimica, una parlata, e un’indole sporciacciona ed eroicamente ignorante, e le porta alle estreme conseguenze: il resto lo fa la curiosa sceneggiatura, in cui l’apporto di Judd Apatow si sente, e va ben oltre la solita onnipresente fallofilia. E nonostante il film sia lungo, lunghissimo, direi pure troppo lungo, le gag sono tirate assai meno per le lunghe, rispetto alla media – il che significa di conseguenza che ce n’è una maggiore quantità, e (aggiungo io) che sono tendenzialmente più efficaci.

Assolutamente impensabile e assurdo vedere un film del genere, che vive i suoi momenti migliori proprio sulla comicità verbale, in una lingua che non sia quella in cui è stato concepito, e girato. E io che lo dico pure come se fosse un’eccezione.

WALL·E
di Andrew Stanton, 2008

Non c’è gusto, con la Pixar. Davvero, è troppo facile. Entri in sala convinto di vedere un capolavoro? Lo è. Verrebbe quasi voglia di scrivere la parodia di una stroncatura, per dare vita a un post sostanzialmente inutile qual è questo. Perché è inutile che io vi dica che WALL·E è un capolavoro, lo sapete già tutti benissimo. Sia voi che fate tanto gli strettini, sia voialtri che vi riempite la bocca di questa parola. E anche in senso negativo, per esempio "non è un capolavoro, ma non è male". Ma chiaro, che non è un capolavoro. Quasi niente lo è. Di capolavori, ne escono pochini. Questo è uno, per dire.

La Pixar vi ha fregati, ancora una volta, ci ha fregati tutti. E stavolta voglio proprio vedere cos’avete da dire, di fronte a un film che – stavolta davvero – è più un punto d’arrivo che una conferma, che è la sintesi perfetta di pulsione artistica e dinamiche industriali, di perfezione narrativa e di coraggio sperimentale, di favola pura e di distopia visionaria come non se ne vedevano da anni. La dimostrazione che questa sintesi esiste, eccome. E si propaga in ogni singola inquadratura, fin dall’inquietante incipit in cui l’atmosfera con i suoi satelliti morti viene penetrata dalla macchina da presa, a rivelare un mondo abbandonato, color terriccio, in cui i detriti della nostra civiltà divengono gigantesche torri di babele, ma senza più lingue da parlare né, quasi, un cielo da toccare.

Ma quello che sapevamo di WALL·E, a memoria, da mesi, finisce dopo una mezz’ora. E lì—–*

Un film talmente bello e perfetto da sembrare il risultato di un patto col diavolo. E non c’è che dire, WALL·E val bene un’anima o due.

Nelle sale dal 17 Ottobre 2008

*in questo punto ci potrebbero stare almeno due o tre lunghi paragrafi in cui si chiacchiera tenendo conto di quello che accade dopo mezz’ora di film, ma ho deciso di cavarmi dall’impiccio invocando il demone dello spoiler alert: spero non me ne vogliate.

Stuck
di Stuart Gordon, 2007

Tre anni fa alla Mostra del Cinema vedemmo ricomparire davanti a noi Stuart Gordon, indimenticato regista di Re-animator, che negli anni ’90, come alcuni suoi noti "vicini di banco", si era perso per strada a causa di progetti a lui poco affini o semplicemente malriusciti. E lo fece con Edmond, un film piccolo ma sorprendente divenuto in breve tempo un piccolo oggetto di culto, forse a prescindere dai suoi meriti oggettivi.

Stuck è però la conferma che Stuart Gordon è vivo e lotta con noi: non fa nulla di più che sviluppare un assunto narrativo creato ad arte, ma lo fa con la precisione di chi il cinema di genere lo mastica, lo respira e lo sputa da sempre, e non ha paura dell’invasione incessante del brutto cinema di genere straight-to-dvd. Perché Stuck sarà un piccolo film: ma è cinema, eccome. E in un certo senso, il suo sforzo di rendere coesa e interessante una storiella bizzarra che sembra uscita dalle pagine del vecchio Splatter (un impiegato disoccupato che rimane incastrato nel parabrezza di un’infermiera, che si rivela assai poco buona e ancor meno samaritana) non è che una spiccata forma d’ambizione. E nemmeno delle più involute.

E Gordon riesce, apparentemente senza sforzi, a tratteggiare un altro riuscito ritratto di alienazione urbana – in definitiva, anche piuttosto estremo. Oltre, ovviamente, a farci divertire come degli idioti.

Il dvd USA è già in mercato, quello per la nostra regione non ancora – ma entro tot dovrebbe uscire quantomeno un’edizione francese. Non è prevista al momento, che io sappia, alcuna data d’uscita in Italia: tenete conto che Edmond ci ha messo un anno e mezzo abbondante. Fate i vostri conti.

The mist
di Frank Darabont, 2007

C’era un periodo in cui i film tratti da Stephen King spuntavano come funghi. Con una notevole dose di approssimazione, si può dire che King è stato per gli anni ’80 quello che Philip Dick divenne poi per gli anni a cavallo tra i due secoli. In un certo senso, forse, anche perché i tratti più riconoscibili della sua letteratura (per esempio la contestualizzazione dell’epifania soprannaturale all’interno di ambiente di provincia, marginale si può dire, leggi Castle Rock et similia) sembrava adattarsi alla perfezione alle contraddizioni del decennio reaganiano. King era, insomma, una fonte inesauribile di spunti. Che non si sono infatti esauriti, se non nell’interesse che meno autori hanno dimostrato per il loro recupero. Tra cui Darabont, bravissimo sceneggiatore e regista capace, che già altre volte si era confrontato con lo scrittore, con risultati altalenanti.

Chiedersi se King può vivere ancora oggi sugli schermi di genere del cinema americano è la stessa cosa, circa, che chiedersi se gli Stati Uniti d’America siano cambiati o meno, in questi anni. In meglio, o in peggio. La cosa più stupefacente del film di Darabont, invece, è il modo in cui sopperisce ai suoi limiti produttivi facendo quello che il miglior cinema di genere ha sempre fatto in questo senso – ovvero parlando chiaro, e portando il proprio discorso fino in fondo. In questo caso, trovando tra le pieghe di un racconto che altri registi (Carpenter in primis, omaggiato tramite la vistosa apparizione della locandina di The thing nell’inquadratura iniziale) avrebbero adattato in tutt’altro modo, una strada quasi del tutto personale per parlare, con una chiarezza cristallina che viene portata agli estremi e diventa persino violenza espressiva, della mentalità americana. Utilizzando (ancora) le spietate dinamiche di comunità (con una resa narrativa della claustrofobia sociale che spaventa ben più di quattro scorpioni alieni), e soprattutto i temi di natura vs cultura, e della paura – o meglio, del terrore di ciò che non si riesce a vedere né a comprendere, che sfocia, con un’immediatezza terrificante proprio perché votata a un realismo inatteso e ripagante, nel misticismo.

Già in questo suo aver reso così straordinariamente attuale un racconto di un quarto di secolo fa, Darabont ha vinto la sua sfida. E in più, ci ha regalato un film ben riuscito, che gioca scaltramente con la tradizione del cinema "b" permettendosi di non lasciare alcuno spazio a false speranze, e mostrandosi persino sadico (di sicuro più della media) nel suo rapporto con i personaggi e con le simbologie, individuali e sociali, che si portano appresso. Davvero tosto.

Speed Racer
di Andy and Larry Wachowski, 2008

Se c’è una cosa che hanno dimostrato i fratelli Wachowski, alla loro prima – attesa e difficile – prova dopo la trilogia di Matrix, è che non hanno molte paure. Non temono la polvere del pop, il turbine del kitsch, l’abuso del camp. Il fatto che il loro Speed Racer sia costruito intorno a una struttura così risaputa – romanzo di formazione di un’eroe che guidato dall’emulazione di una figura familiare deve trovare un posto nel mondo al proprio talento innato – dice ben poco sulla bellezza folgorante del film. Così come non sorprende che il film stesso, caramelloso e iperattivo, segnato da maliconie retrò e allo stesso tempo da ambizioni innovative (quindi spiccatamente postmoderno, si sarebbe detto un tempo) non abbia convinto né da una parte, né dall’altra.

Ma con tutte le sue ingenuità, i piattissimi campo/controcampo che si alternano con regolarità alle più sottolineate – moltissime, pazzesche – sequenze sportive, e posto che il tutto va affrontato con uno spirito tale da sopportare per più due ore la tremenda scimmietta Chim Chim (messa lì per accontentare un pubblico di giovanissimi, uno dei tantissimi compromessi del film) e un insopportabile ragazzino che sembra il mini-me di Enzo Salvi, Speed Racer è davvero uno spettacolo incredibile. Soprattutto le sequenze "di azione", certo – ma lo dice il titolo stesso (e il nome del suo protagonista) Speed Racer è poco altro che un cantico della velocità e del colore. Hai detto niente. E in ogni caso si tratta di sequenze che implementano in modo talmente maturo la cultura videoludica, quella del manga e quella del cartoon, da impallare ogni critica sull’onda dell’entusiasmo espressivo che fuoriesce dall’ipercinesi del film. E a patto di poterselo gustare su uno schermo di dimensioni decorose, Speed Racer è anche un graditissimo recupero del piacere del "cinema immersivo", discorso che circolava e impazzava tempo fa e il cui interesse con gli ultimi anni si era un po’ affievolito.

Christina Ricci, capelli a caschetto e tute pastello, Trixie fedele e virginale, è illuminante quanto il raggio che colpisce Joliet Jake Blues durante il sermone del reverendo Cleophus James. Ho visto la luce. E ho detto tutto.