febbraio 2009

I love shopping (Confession of a shopaholic)
di P.J.Hogan, 2009

Voi l’avete mai letto, un libro di Sophie Kinsella? Io no. Ma sono sicuro che ci sono un sacco di sue fan, tra le amabili lettrici di questo blog, e quindi vorrei liberare il campo da possibili fraintendimenti: ogni possibile avversione preconcetta del sottoscritto nei confronti della chick-lit non ha nulla a che fare con il giudizio sul film tratto dai libri della scrittrice londinese, che, state tranquille, riesce a essere una baggianata anche senza bisogno dell’autrice che arriva a dargli man forte.

Purtroppo infatti, nonostante Hogan abbia nel suo CV un film come Il matrimonio del mio miglior amico, una delle commedie leggere più riuscite del decennio scorso (o almeno, una delle poche wed-com a non essere un massacro intestinale), dimostra di aver dimenticato quasi tutto – diciamo pure tutto. Scritto da un generatore automatico di sceneggiature (probabilmente inceppato sul grado zero), basato su assunzioni bislacche e grottesche (e su una sospensione dell’incredulità buona giusta per un pubbico di alienati), recitato come un cartoon ma senza un briciolo di ironia (né tantomeno di risate), e tragicamente moralista, I love shopping è un film maledettamente idiota: un po’ perché gli piace esserlo, d’accordo, ma può essere una giustificazione.

Se siamo un gradino, o anche qualche gradino, sopra Bride wars, è merito di Isla Fisher e del suo Candido shopaholico: ce la mette davvero tutta, e riesce a risultare quasi simpatica – o meglio, la cosa meno insopportabile della baracca – nonostante alla fine sia poco più che una Amy Adams con più tette e meno talento.

Bride wars
di Gary Winick, 2009

Cosa fareste se aveste a disposizione una macchina del tempo, ovviamente dopo aver evitato di far andare a monte il matrimonio dei vostri genitori eccetera? Io ieri sera ho pensato che potrei andare nel 1977, sul set di Eraserhead, battere il dito su una spalla di Frederick Elmes tra una ripresa del calorifero e l’altra e dirgli "zio, tu tra circa trent’anni sarai il direttore della fotografia sul set di un film con Kate Hudson in ci sono non una, ma due canzoni di Duffy", così, per vedere che faccia fa.

Non lo so se Bride wars sia la più brutta commedia vaginale mai girata, certo è che non me n’è venuta in mente una peggiore. E mi ci sono messo. Nel riassumerla a un amico, oggi pomeriggio, gli ho detto "ci sono due tipe che per mezz’ora fanno aaaa, poi per un’ora fanno grrrr, e poi fanno oooo". Gli unici timidisissimi sorrisi li regala Kristen Johnston, che comunque rifà sempre lo stesso personaggio del sublime 3rd rock from the sun: il resto è un’accozzaglia davvero imbarazzante di scenette cattivelle intervallate da inutili personaggi di secondo piano e dalle stesse due insopportabili cretine che frignano per dei conflitti interiori che in confronto Topo Gigio è un tossico, il tutto scritto da due tizie anonime del cast del SNL prestate al cinema, con l’incipit rubacchiato a The wedding planner (…) e senza nemmeno il coraggio di infilarci un sottotesto lesbico – così, per dare un po’ di pepe a un film privo – beh, privo di qualunque cosa.

Non lo so, probabilmente il problema è il pene: posto che questo film è dichiaratamente dedicato al pubblico femminil e che i maschietti non possono capirlo perché non devono (immagino), mi piacerebbe che una spettatrice mi spiegasse che cosa diavolo potrebbe mai trovarci una donna in un film del genere – che, oltre a essere l’invereconda puttanata che già la devastante accoglienza USA aveva fatto presagire, le fa passare tutte come delle pazze incontrollate che appena vedono un bouquet non capiscono più un cazzo e diventano delle stronze da galera. Tutte. Perché a prescindere dal messaggio finale di amicizia vaginale universale, con la vulva che vince 100 a 1 sul pisello, se fossi una donna con un briciolo d’orgoglio, fuori da un film così ci farei i picchetti, altro che.

E lo so che l’hai girato prima di Rachel, ma non cambia niente: Anne, mia cara, adesso voglio che ci chiami tutti al telefono, uno per uno, e ti scusi. In lacrime. Altrimenti si torna alla guerra.

Nick & Norah: tutto accadde in una notte (Nick & Norah’s infinite playlist)
di Peter Sollett, 2008

Era inevitabile che un film del genere scatenasse, nel suo piccolo e nel piccolo dei blog, qualche polemica, soprattutto sul modo in cui nel film stesso viene rappresentata la sorta-di-sottocultura indie – chiamiamola così, anche solo per sintesi. Le due facce potrebbero essere riassunte, ai due poli opposti, nel post caustico di Valido, su Polaroid e nella difesa a spada tratta di Giorgio, su Junkiepop. Ora, si sa che a me piace (1) fare l’avvocato del diavolo (2) deridere quando c’è da deridere (3) dare un colpo al cerchio e uno alla botte, quando è possibile, per non ridurre il tutto a un cul de sac manicheista.

Da una parte sono dunque d’accordo sul fatto che Nick & Norah sia un film facilmente derisibile: nella sua ora e mezza scarsa, il film infila una tale sfilza di luoghi comuni sulla vita dei giovani straight edge newyorkesi e più in generale sugli adolescenti che stanno crescendo a pane e Pitchfork, appiccicati l’uno accanto all’altro in modo didascalico e pretestuoso, che, a patto di sapere vagamente di cosa si parli (e non è così scontato: anzi, francamente, non riesco a immaginare cosa potrebbero capirci gli adolescenti "normali" italiani, né tantomeno come diavolo si possa aver adattato un film simile nella nostra lingua), è davvero difficile prenderlo sul serio o guardarlo senza dire "eh vabbè però cacchio" ogni tot minuti.

Se però la sceneggiatura fa lo stesso effetto di un cinquantenne che, seppur per ammirevole tenacia etnografica, si piazza tra i ventenni e comincia a dire "Yo" e a fare namedropping di gruppi indie rock trovati tra i "similar artists" di Lastfm (e il fatto che Sollett di anni ne abbia solo 32 non cambia granché), quello che ne risulta, non è proprio un film così disgustoso. Insomma, il discorso è questo: Nick & Norah rappresenta bene questa sorta-di-generazione, la loro vita interiore, il modo in cui si rapporta ai gusti musicali? Probabilmente no – anzi: no. Ma, parlo per me: fino a che punto mi importa? Credo sia una questione di prospettive, che non annulla quindi le critiche né gli elogi – il solito maledetto soggettivismo paraculo che ci salva sempre in corner.

Il film, quindi, com’è? Ecco, il film in sé non è che sia poi così orripilante. Piacione quanto vuoi, approssimativo e frettoloso, anche nel tratteggio dei personaggi secondari (gli "amici tutti gay", l’amica sbronza marcia) ma anche leggero e garbato, ben interpretato (qui si fanno carte false per Kat Dennings, bella e brava – no, non si sentono ragioni, l’ho trovato persino un personaggio credibile), con qualche idea davvero ottima (come la "scena di sesso", tra virgolette) e persino originale nel suo inseguire in modo del tutto programmatico una vacuità – in cui, mi rendo conto, non c’è traccia di analisi sociale, perché si tratta meramente di un modo per portare a casa un filmetto adolescenziale, senz’arte né parte ma con una colonna sonora davvero notevole, infastidendo il meno possibile.

Soffocare (Choke)
di Clark Gregg, 2008

Clark Gregg è un attore, è uno di quei caratteristi che ogni tanto spuntano nei film e tu pensi ehi guarda Jason Statham e poi guardi meglio ed è Clark Gregg. Clark Gregg ha scritto anche lo script di Le verità nascoste di Zemeckis, che era bello (il film, e pure lo script), ma punto. Poi, ad un certo punto, l’attore Clark Gregg ha deciso di adattare di suo pugno e anche di dirigere uno dei migliori romanzi di uno dei più acclamati scrittori contemporanei: Chuck Palahniuk.

Chiunque abbia letto Soffocare sa che razza di meraviglioso intruglio fosse, e immagino che molti lettori, nel leggerlo, abbiano come me pensato ma chissà che diavolo potrebbe venirne fuori di questa roba in un film, e abbiano pensato ma chissà chi diavolo potrebbe dirigere una roba simile per non farne uscire un pastrocchio insensato e grottesco. Ecco, probabilmente non avevate pensato a Clark Gregg, l’attore. Ma tutto sommato, Fight club era un’impresa ancor più ardua, eppure David Fincher ci era riuscito in modo egregio, nevvero? Ma Clark Gregg?

La cosa sorprendente non è che ne sia uscito un film per nulla insensato e grottesco, né che a farlo così per benino ci sia riuscito un attore al suo debutto dietro la macchina da presa – sono sorprese a cui siamo sempre più abituati, malgrado ogni possibile reticenza – bensì, come al solito, il modo. Da queste parti si è apertamente dalla parte della regia, nella sempiterna (e del tutto immaginaria, letteralmente) diatriba con la sceneggiatura, ma devo ammettere che Soffocare funziona alla perfezione proprio perché, usando un’iperbole, una regia, non ce l’ha.

Scritto bene, adattato ancora meglio (nel modo in cui è del tutto fedele allo spirito ficcante e insieme profondo del libro), recitato splendidamente (soprattutto da Sam Rockwell, ovviamente stupendo oltre ogni immaginazione – ma anche Kelly Macdonald e Brad William Henke sono una delizia) e reso visivamente in modo umile ma impeccabile da Tim Orr (l’eccezionale direttore della fotografia di David Gordon Green), Soffocare è infatti un film registicamente inesistente, involuto e piatto. Ma, paradossalmente, è forse proprio questa sua tremenda impersonalità a donargli questa leggerezza impalpabile, che dimezza il minutaggio percepito e che ce ne fa desiderare ancora. Non male davvero, Clark Gregg.

Nei cinema, probabilmente, dal 13 Maggio 2009

Futurama: Into the Wild Green Yonder
di Peter Avanzino, 2009

Ci sono almeno due motivi per non essere eccessivamente felici, dell’avvento di questo Into the Wild Green Yonder. Il primo è che questo è l’ultimo dei lungometraggi di Futurama a uscire direttamente in DVD. E quindi, che questo film segna la fine di Futurama come lo conosciamo, ovvero di una delle migliori serie animate di sempre. Ma l’avevamo pensato anche l’altra volta, e avevamo torto: non abbandoniamo le speranze.

Il secondo motivo è che Into the Wild Green Yonder conferma la parabola geometricamente discendente, probabilmente casuale ma ai miei occhi fin troppo evidente, di questo quadripartito "lungo addio": e invece di chiudere con un big bang, la serie creata da Matt Groening e David X.Cohen termina con un episodio moscetto, allungato, scritto con cura ma fin troppo inquadrato e coerente, lontano dalla geniale e cervellotica follia del capolavoro Bender’s big score, ma anche dal citazionismo divertito di The beast with a billion backs e dalla nerditudine pura di Bender’s game – e anni luce, si intende, dai fasti delle quattro stagioni televisive.

La debolezza di questo episodio finale aumenta dunque anche l’aura di malinconia che già circondava l’operazione – che si spegne però senza l’entusiasmo dei predecessori, con assai poco nerbo, e con una conclusione frettolosa che lascia l’amaro in bocca. Ma forse è un sapore che avremmo sentito in ogni caso.

Da recuperare, però, si intende: perché se ne può dir male in senso relativo, ma è sempre Futurama. E anche Into the wild green yonder riesce a ricordarci, nonostante quanto detto finora, di cosa dovremo fare a meno, d’ora in poi, e che razza di roba ci verrà a mancare. Dico: Fry, Bender, Leela, Zoidberg, Amy Wong. Adieu.

The fist foot way
di Jody Hill, 2006

Non sorprende affatto che questo piccolo film indipendente abbia conquistato, con il suo passaggio al Sundance nel 2006, le simpatie di Will Ferrell e Adam McKay, che ne hanno patrocinato la successiva distribuzione. Non sorprende perché il film e il suo protagonista Danny McBride hanno un approccio alla comicità che si avvicina molto allo stile lanciato dai due in film come Anchorman e Talladega Nights, sia per la comicità che scaturisce da quadretti di pura awkwardness, sia per il linguaggio e i ritmi stessi che sono alla base delle situazioni presentate.

Ma The fist foot way, nel suo essere un piccolo film con i suoi ovvi limiti produttivi (è costato appena 80 mila dollari), contiene un potenziale, espresso e inespresso, davvero favoloso – soprattutto dal punto di vista registico: Jody Hill in alcuni momenti sa sfoggiare, con un utilizzo davvero geniale di un sonoro perturbante e di un montaggio inusuale se abbinato alla classica camera a spalla, a tratti straniante, uno sguardo insieme inquietante ed empatico sul suo personaggio e sul suo amato/odiato North Carolina – facendo intravedere al di sotto della goliardata una storia umana di sconfitta e di riscossa (impossibile nei confronti della società, mai nei confronti di sé stessi) che attraverso il personaggio sgradevole di Fred Simmons e una sceneggiatura cinica e intelligente pur se tagliata con l’accetta, dice in realtà moltissimo sull’ipocrisia e soprattutto sulla frustrazione della periferia americana.

Il successo del film, divenuto ovviamente un titolo cult, ha pemesso a Danny McBride, Jody Hill (Mike nel film) e al co-sceneggiatore Ben Best (che interpreta anche Chuck "The Truck" Wallace) di diventare il nuovo trio dorato del cinema comedy americano: a giorni debutta una loro serie sulla HBO, sempre prodotta da Ferrell e McKay, mentre McBride nel 2008 è stato in Drillbit Taylor, Tropic Thunder e Pineapple Express, e Jody Hill si può già permettere una promettente opera seconda da 30 milioni di budget con Seth Rogen e Anna Faris, da lui scritta e diretta: Observe and report.

Il film in Italia non è uscito e per ora non ha alcuna intenzione di farlo. Se siete curiosi si può acquistare a una manciata di euro l’edizione inglese su Play o su Amazon.

Frost/Nixon
di Ron Howard, 2008

Quella che è riuscita a Ron Howard in questo film è un’impresa davvero eccezionale: riuscire a rendere tesa e appassionante la riproposizione di un evento televisivo, a trasformarla in un bellissimo film. Frost/Nixon racconta infatti dell’intervista che lo showman inglese David Frost fece all’ex presidente degli USA Richard Nixon nel 1977, tre anni dopo che quest’ultimo aveva rassegnato le sue dimissoni per lo scandalo Watergate, investendo nel progetto tutti i suoi soldi – e la sua intera carriera. E il film, al di là dei fatti storici e documentati che racconta, è effettivamente anche un film sul potere, deformante e amplificante, del mezzo televisivo.

Il merito di buona parte del film va all’impressionante, precisa e intelligentissima sceneggiatura di Peter Morgan, sceneggiatore di The queen e commediografo, già autore dello spettacolo teatrale da cui il film è tratto: ma è indubbiamente (e inaspettatamente) Ron Howard, che, con la mano sicura portatagli da anni e anni di mestiere, trasforma la piece in un film di tutto rispetto. E qualcosa di più Che però non sarebbe uscito così bene se non fosse per uno dei cast (e soprattutto dei casting) più mostruosi degli ultimi tempi – alla pari con il grande lavoro mimetico di Milk, e che fa sinceramente impallidire quello di W. Da un perfetto Michael Sheen, già Tony Blair per ben due volte, al mefitico Kevin Bacon, all’inedito Matthew Macfadyen biondo, fino alla coppia di esperti composta da Oliver Platt e da un eccellente Sam Rockwell.

Ma Frank Langella, in particolare, è gigantesco nella sua rappresentazione di un Nixon indimenticabile, cupo e tragico Golia della politica, sia nell’accettare la sfida di un David (appunto) che nel perderla sotto il peso dei sensi di colpa, della vecchiaia, della morte, e dell’implacabile primo piano in quattro terzi.

E poi, Rebecca Hall. Dio mio, Rebecca Hall. Quanto è bella Rebecca Hall? Rebecca Hall, dio mio.