settembre 2009

Anno Uno (Year one)
di Harold Ramis, 2009

Prendete il regista di due film essenziali nel panorama della commedia anni ’90 come Ricomincio da capo e Mi sdoppio in quattro, sceneggiatore prolifico, Egon Spengler a tempo perso. Prendete una supervisione come quella del produttore-demiurgo della commedia contemporanea Judd Apatow. Prendete due attori con una personalità forte, piacciano o meno, come Jack Black e Michael Cera. Prendete una sceneggiatura scritta a sei mani con due autori del magnifico The Office. Prendete comprimari a pioggia, Paul Rudd, Christopher Mintz-Plasse, Vinnie Jones. Prendete Juno Temple, maggiorenne da due minuti.

Cosa otterrete?

Il più brutto film dell’anno. Una cosa così.

Incredibile ma vero. Ma in realtà, credibilissimo: solo che Year One è pure peggio di quel che sembra. Una imperdonabile porcheria che gareggia per senso dell’umorismo, ritmo, gestione della trivialità, con i peggiori esemplari della commedia demenzial-surreale europea – e persino italiana. E che fallisce nel suo intento, quello di applicare letteralmente il "metodo Apatow" (paro paro) al contesto di episodi biblici: Caino e Abele, Abramo e Isacco, e soprattutto Sodoma e Gomorra. Un’idea sostanzialmente irragionevole e folle, in fondo, e quindi molto più ambiziosa a priori di quanto non appaia a posteriori dall’imbarazzante cazzata che ne è scaturita.

Ma al di là della bruttezza del film, venuto talmente male da poter risultare quasi simpatico, c’è un problema che ce lo rende ancora più odioso. Un problema di base: che prima di questo film, e molto prima, ci sono stati La pazza storia del mondo e Brian di Nazareth, due film (bellissimi) da cui Year One coglie a piene mani, con gag non rubate ma che "ricordano", che "assomigliano" a quelle di Mel Brooks e dei Monty Python. Con una sostanziale differenza: non fanno ridere. Ah, e un’altra: fanno schifo.

E poi, Jack Black. Il film è così brutto da non riuscire a farsi divorare dalla sua fantomatica esuberanza, ma qui siamo davvero al culmine della sua insostenibile gnagna: pensi sempre che gli stia venendo un colpo. E in qualche modo ci speri, così che possa finire questa tortura al cervello fatta di scoregge, piscia e Michael Cera che borbotta. Per dire, io Jack Black l’ho sempre sopportato volentieri, o apprezzato. Questa volta l’avrei preso a clavate.

Il film esce in Italia il 6 novembre 2009. Ma se questa è la versione originale, vista la solita intraducibilità di molte gag, non oso davvero immaginare quella doppiata in italiano. Faccio una scommessa: dialetti. In ogni caso, il DVD americano (anche nella versione "unrated") sarà in commercio a partire dal 6 ottobre, quello inglese il 2 novembre. Ma fate un po’ voi.

Drag me to hell
di Sam Raimi, 2009

Credo di averlo già detto, ma mi ripeterò: più il mio blog invecchia più trovo sostanzialmente inutile mettermi a parlare per paragrafi e paragrafi di film di cui potete leggere dappertutto, soprattutto sui blog italiani e più in generale sulla rete. E che questo sia un film molto atteso, da quelli della mia generazione, lo sapete bene. E ancora: con tutta probabilità l’avete già visto, o vi siete già fatti un’opinione, o avete deciso di non vederlo. Non credo che ci sia bisogno che ve lo dica io, di andare a vederlo. Facciamolo lo stesso. Andateci.

Non che non lo sapessimo già, e non che la cosa ci sorprenda granché, ma tutto sommato Drag me to hell è una ficata talmente clamorosa, letteralmente, da riuscire a superare con il suo clamore uno dei livelli di aspettativa più alti che si siano visti quest’anno. Un film assolutamente fenomenale e spaventosamente ispirato, che non ti lascia in pace per più di due minuti di fila, con un livello di stordimento e insieme di divertimento che non ha davvero pari nel cinemadegli ultimi tempi – nonostante il cinema horror goda, in questi anni, di buona salute. Forse c’è di mezzo una punta di malinconia – che Raimi vi gratta dal fondo dello stomaco senza alcun pudore – ma uno spasso così, in una sala cinematografica, erano secoli.

Merito di una messa in scena lontana dai vacui virtuisismi delle opere minori ma che, oltre a contenere una quantità esorbitante di scene che vi divertirete a elencare nella vostra testa nei giorni successivi (il gattino! la capra! Rham Jas!), che sembra trarre invece la sua energia, oltre che da un’irresistibile ironia e autoironia diffusa in ogni fotogramma, da una pulsione sanamente malefica. Che oscilla tra la shadenfreude e il vero e proprio sadismo nel rapporto tra il regista e i personaggi. E a volte ci vuole un po’ di stomaco, nonostante la confezione sia quella della Serie A – ed ecco un buon motivo per stimare Raimi: è riuscito a trarre una lezione dai blockbuster per riportare l’insegnamento nella sua casa. Senza bisogno di rinnegarne una virgola.

Ma credo che ciò che fa fare il vero scatto di qualità a Drag me to hell sia il suo cuore, che è poi il cuore di Raimi. Non nei confronti dei personaggi, verso cui è, come detto, un bastardo infame senza cuore, e iddio lo ringrazi per questo fino alla fine dei giorni, ma verso il cinema e verso di noi. Mostra non solo di conoscere il genere alla perfezione, ma di amarlo. E non solo di conoscere il suo pubblico, ma di volergli dare quello che vuole. Il pubblico ringrazia, soddisfatto. Soddisfattissimo.

Infestation
di Kyle Rankin, 2009

Due o tre buone idee in croce ma una sceneggiatura di ferro, pochi soldi ma attori tutti molto capaci (soprattutto il protagonista Chris Marquette e il grande Ray Wise nel ruolo di suo padre), senso dell’humor e senso della sintesi, una palese passione per i b-movie ma senza l’idea che l’ammiccamento cinefiloide possa bastare ad accontentare gli amanti del genere più indefessi o più modaioli. Ecco gli elementi che concorrono a fare di Infestation uno degli horror più divertenti degli ultimi tempi.

E non fatevi ingannare dal fatto che è un film con gli insettoni giganti: nonostante la prenda molto alla leggera e la butti quasi sempre sul ridere Infestation è tutt’altro che ridicolo o sciocco e nel suo DNA ha più del film di zombi che non della buffoneria postmoderna, con un progresso narrativo che può richiamare anche i modelli romeriani e ibridi uomo-ragno che sembrano, indubbiamente, degli zombi con le zampone. Oltre che un sottile senso d’angoscia apocalittica (geniale l’uso del tappeto sonoro) stemperato dalle risate in modo miracolosamente equilibrato.

Ci si diverte molto, si ride altrettanto, ci si spaventa pure, si battono le mani e si fa il tifo, e poi finisce – con un finale tanto canonicamente bizzarro nel cosa, quanto inusitato nel come. Avercene, uno al dì.

Senza una data di distribuzione in patria, nel Regno Unito il film è uscito direttamente in DVD. E quindi lo potete comprare al volo a pochi euro.

Brüno
di Larry Charles, 2009

Tre anni dopo il boom di Borat, Sacha Baron Cohen e Larry Charles tornano sui loro passi con un altro personaggio nato nella trasmissione Ali G Show. Anche l’austriaco Brüno è una macchietta modellata su luoghi comuni, che riguardano questa volta la cultura pop mitteleuropea, il mondo della moda e – tanto per far imbestialire più persone possibili – gli omosessuali.

La prima domanda che molti si pongono di fronte a un film come Brüno (dopo aver sgomberato il campo da improbabili accuse di omofobia) è: potrà andare oltre le provocazioni del film precedente? E la seconda è: faranno ancora ridere? La risposta alla prima è, inaspettatamente, sì: Brüno è più provocatorio, più volgare e più eccessivo di Borat, e maggiore la sensazione che Cohen & C. siano bacati nel cervello, soprattutto tenendo conto di come il film è costruito – cioè su un susseguirsi di "burle" costruite sulla stupidità, l’imbarazzo o la semplice confusione di malcapitati di turno, e con un certo sprezzo del pericolo. E fin qui, accettate le regole, tutto bene.

Sul divertimento in sé, l’indicazione è chiara e semplice: se Borat non è vi è piaciuto, state alla larga da questo. L’umorismo, sempre di grana grossissima, è basato sui medesimi linguaggi, proprio come lo stile con cui il film è costruito. Peccato però che Charles e Cohen, dopo una prima mezz’ora davvero spassosa, stavolta sembrino arrancare per arrivare al minutaggio necessario (peraltro irrisorio), e che tutta la parte centrale, tranne qualche eccezione, sia stanca e annoiata.

Ma la sequenza finale, una clamorosa beffa ai danni di centinaia di white trash dell’Arkansas (e non dico di più), è davvero sensazionale e ripaga del tutto. Vale la pena di aspettarla, con un po’ di pazienza.

Grace
di Paul Solet, 2009

Periodicamente spunta fuori un film di cui tutti scrivono "OMG questa è la cosa più spaventosa che ho visto quest’anno" e cose simili. Da queste parti c’è stata già una discussioncina sul fatto che il valore di un horror, superati i 13 anni, difficilmente possa essere giudicato da "quanto ti spaventa" – primo perché si suppone che a una certa età uno sappia controllarsi, secondo perché a volte le reazioni emotive indotte da un’opera hanno poco a che fare con la sua qualità (così come un pessimo film può farti piangere come una fontana).

Rispondiamo però alle due domande – Grace fa davvero così paura? E Grace è un bel film? – in separata sede. In primis: sì, se siete incinte o la vostra partner è incinta o avete bambini o avete intenzione di averne, ecco, lasciate perdere. In caso contrario, Grace è sì abbastanza angosciante, intelligentemente costruito sulla claustrofobia, e su elementi, diciamo così, sinestesici (la graduale decadenza dell’ambiente e il sonoro che suggeriscono impressioni olfattive e tattili), ma è tutto lì. Per dire, una volta capita l’antifona ci si può persino annoiare.

Sull’altra questione, resto invece più perplesso: se Grace è un film che cerca di fare delle sue ridotte capacità economiche un elemento di forza, d’altro canto ne risente fortemente. E quando smette di puntare allo stomaco (cosa che gli riesce piuttosto bene, complice un capace reparto "effetti" che rimanda più ai b-movie di una volta che al super-citabile Polanski) vengono fuori tutti i limiti e difetti della produzione. La regia di Solet, che ha tratto il film da un suo cortometraggio, sembra peraltro peccare anche nelle cose più manualistiche – come la sequenza dell’incidente che dà il via alla vicenda: un classico, che però qui funziona solo a metà.

Quello che funziona assai meglio semmai è la costruzione dei personaggi femminili e dei loro rapporti: in questo senso – anche perché la presenza maschile è quasi del tutto annichilita, pretestuale, o eliminata alla radice – Grace è un ottimo studio (un "horror di donne" ben più che un horror per donne) in cui diventano decisamente più importanti la relazione tra Madeline e Vivian e quella tra Madeline e Patricia (e via dicendo, c’è anche l’intervento dell’assistente di Patricia), che non tutto l’apparato orrorifico che sta "davanti".

Intensa e mimetica la performance di Jordan Ladd: ma è l’unica che sembra credere fino in fondo al progetto e applicarsi di conseguenza.