2009

World’s Greatest Dad
di Bobcat Goldthwait, 2009

Non l’abbiamo sempre detestato, Robin Williams. Anzi. Ma è innegabile che negli ultimi anni, e parecchi, non abbia avuto un buon fiuto per i film. E sì che, di film, ne fa ancora. Ci voleva un regista con una grande sensibilità per tirare fuori la sua anima? A quanto pare, sì. La cosa buffa è che a dirigere World’s greatest dad – che, a dispetto dell’impressione mediocre che può fare a un’eccessiva distanza, è una commedia americana d’autore tra le più dure, amare, inflessibili e irresistibili degli ultimi tempi – c’è un ex stand up comedian e regista di talk show televisivi, ma conosciuto dalla massa perlopiù come "quello che urla" nella saga di Scuola di polizia.

Con queste premesse, mi rendo conto, è dura farvi credere nella forza tematica ed espressiva del film, il quarto diretto da Goldthwait: ma la sua stessa sceneggiatura, per nulla raffazzonata ma che fa sfoggio di un uso sempre preciso dei suoi elementi, è uno di quei rari script che sa andare davvero fino in fondo per consegnare il suo messaggio – e in questo caso, per tratteggiare un impietoso affresco umano e disumano che sembra uscito davvero da un film di Todd Solondz. Usando come rafforzativo il linguaggio del grottesco, prendendo contrasti conosciuti e facendoli esplodere senza alcun compromesso né narrativo né linguistico (e ve ne accorgerete fin dai primi minuti), in un crescendo geniale di disperata ironia nera che sembra sempre rispettare le regole mentre le fa a pezzi – fino a finale tra i più liberatori che si possano immaginare per una vicenda simile. Della quale non vi dico nulla: questo è un film che si apprezza ancora di più a mente vergine.

E in tutto questo c’è una prova d’attore assolutamente geniale e illuminante, controllata eppure carnale, lucida ma furiosa, quella di Robin Williams. E questo è un paragrafo con cui non mi sarei mai sognato di chiudere un post.

Away we go
di Sam Mendes, 2009

Anche in Away we go, come in Revolutionary road, c’è una coppia che sente la necessità di sfuggire all’ipocrisia della società, cercando un posto nuovo, una casa, dove poter vivere compiutamente, e a modo loro, la loro vita e i loro sogni. Ma se la prospettiva finale è del tutto diversa lo si deve probabilmente all’incontro con Dave Eggers e la moglie Vendela Vida, sceneggiatori di questo suo quinto, bellissimo, film.

Fa tanto piacere quanto impressione vedere come Sam Mendes sia diventato un regista maturo e compiuto, persino nell’affrontare un film che va incontro a tutti i rischi e i fastidi del cinema indipendente americano, evitandoli puntualmente ma con il coraggio di non aggirarli semplicemente – prima di tutto grazie alla scrittura intelligente, acuta e puntuale di Eggers, empatica e commovente quando è il caso, sprezzante e catartica quando serve. Ma anche alla messa in scena di Mendes che con l’aiuto eccellente della fotografa Ellen Kuras riesce a non farsi soffocare dalla giustapposizione costruendo, proprio intorno alla sequenza di città in cui sono ambientati capitoli, degli autentici veri nuclei tematici, narrativi ma anche visivi, donando al film un’andatura stralunata e sognante, inusuale e malinconica, che si abbina perfettamente alle note nickdrakeiane di Alexi Murdoch.

Ma soprattutto, sospetto, tutto funziona alla perfezione grazie ai due bellissimi personaggi principali. Non soltanto alla coppia di ottimi attori che li interpretano (John Krasinski e Maya Rudolph, entrambi noti volti televisivi) ma proprio al ruolo che Burt e Verona sembrano rivestire – quello dell’ultimo avamposto possibile di un romanticismo immediato ma profondo che sceglie di non chinare la testa di fronte alle convenzioni e alle aspettative degli altri, né a chi nasconde dietro a menzogne e pallidi cliché il proprio insanabile dolore o, peggio ancora, la propria ignoranza. Un amore che, una volta tanto, non si fa sconfiggere dalla banalità del mondo.

Il film uscirà in Italia distribuito da Bim. Per ora non c’è una data ufficiale.
L’edizione dvd americana invece è uscita a fine settembre

Old school
di Todd Phillips, 2003

Se c’è una cosa per cui è curioso recuperare Old school, secondo film di fiction dopo Road trip del regista destinato a diventare uno dei personaggi di spicco della bromedy, chiamiamola così, reponsabile di un orrore come Starsky e Hutch ma anche di un vero caso come quello di The hangover, è vedere come se la cavavano ai tempi i suoi tre protagonisti. Nel lontano duemilatré.

Luke Wilson prima che ributtasse nel semi-anonimato le promesse dei primi film di Wes Anderson, Will Ferrell prima che con Anchorman creasse un suo proprio linguaggio rimanendone però intrappolato nel giro di pochi anni, e Vince Vaughn prima di essere divorato da Jennifer Aniston e dai film natalizi. E non si può dire che i tre non siano affiatati, né tantomeno che manchino le situazioni divertenti (leggi: Will Ferrell), anche se a volte si pesta un po’ troppo sul pedale (leggi: la lezione di fellatio).

Poca roba: Old school, film di enorme successo negli states (molto meno da noi) è un film simpatico ma di scarsa sostanza, un’altra frat comedy goliardica e divertita con eterni bamboccioni impossibilitati a crescere e/o che si rifiutano di crescere (anche se si gradisce assai che venga data loro anche l’opzione di non crescere affatto), con il vantaggio del distacco malinconico e che anticipava qualcosa del regno di Judd Apatow negli anni a seguire, ma che vista ora risulta abbastanza inconcludente. Sarà la distanza?

Up
di Pete Docter (e Bob Peterson), 2009

Togliamoci subito la terra dalle scarpe: si pensava che Up potesse essere uno di quei film "di passaggio" che la Pixar, sempre e comunque ineccepibile, ha prodotto accanto ai suoi più grandi capolavori. I film che erano "solo bellissimi". Che potesse essere insomma un altro Nemo o un altro Cars. Difficile non pensarlo dopo una cosa universale, allucinante, come WALL-E. La risposta è negativa: Up va immediatamente a porsi nell’Olimpo dei loro lavori migliori, e di conseguenza tra i più grandi film d’animazione del decennio.

La cosa più sorprendente non è tanto che i film della Pixar siano tutti a questi livelli, inimmaginabili per quasi tutte le imprese "rivali" – tra l’altro l’impressione che Up dà, mai come prima, è di una definitiva dimestichezza con gli elementi, tale che il film stesso sembra dipanarsi da sé senza fare alcuno sforzo – ma quanto ogni film Pixar esprima una sua identità, una personalità e assoluta – e l’individualità creativa data ai loro registi ne è insieme il sintomo e la riprova: è più incredibile pensare che gli ultimi tre film siano dei capolavori oppure che siano stati così differenti? Quindi, cosa fa grande anche questo film? Dovremmo andare avanti per giorni e giorni: proviamo a ridurre a una coppia gli elementi fondanti della Pixar. Due fattori che, in questo film, per quanto sia sciocco il confronto con i precedenti, sono a mio avviso persino più acuiti che in passato.

Il primo elemento è la scrittura: Up è prima di tutto un film con una sceneggiatura di acciaio – classica, d’accordo, e con un rapporto ben definito con la tradizione del cinema d’animazione (l’intera questione dei "cani parlanti" è una rivisitazione dell’antropomorfismo disneyano nell’era pixariana: a livello di progetto è la cosa più geniale del film, a livello di risultati è anche la più divertente) ma in cui ogni singolo elemento fa il gioco delle narrazione. E in cui nulla, nella densità, viene lasciato al caso, nemmeno il dettaglio apparentemente meno significativo, dal personaggio di contorno fino al minuscolo feticcio di turno – di cui questo film peraltro è pieno, anche perché il percorso narrativo del protagonista stesso non è che uno scarto da una condizione feticista a una condizione umanista, in un certo senso.

Ma il secondo elemento è quello più importante: il cuore. Sembrerà una constatazione ingenua e cheesy, ma Up (per quanto sia estremamente stratificato, rigonfio di riferimenti che vanno dal Mago di Oz, a Magritte, a King Kong, oltre che un film tecnicamente spaventoso: ma qui ci vorrebbe un post a parte) è anche meraviglia allo stato puro, è tutto nell’immagine della nebbia che si dirada proiettando negli occhi di Carl i colori e i rumori delle cascate sognate per tutta una vita – oltre che il film più spudoratamente e spregiudicatamente emotivo della Pixar.

Se le sequenze più movimentate del film sono assolutamente esemplari, a colpire il cuore sono già i primi 10 o 15 minuti del film – una sorpresa assoluta per chi era cascato nel tranello dei trailer. Un lungo incipit in cui Docter applica ancora una volta alla perfezione il più grande talento dimostrato dalla sua "industria", rendendolo ancora più esplicito e intenso: quello di raccontare, in questo caso grazie a un pugno di scene e di dissolvenze, un’intera vita, tutta una lunghissima vita, senza bisogno di dire una parola. Soltanto attraverso gesti, sguardi, musica, ciò che vediamo nelle nuvole, i nostri sacrifici, i nostri sogni.

Up è un film che fa piangere per la verità, e poi fa di nuovo piangere per la meraviglia, e poi di nuovo piangere per la felicità. E pensare che erano, soltanto, cartoni animati. Scoiattolo!

The September Issue
di RJ Cutler, 2009

È abbastanza chiaro quale sia il selling point, o forse persino il motivo di esistere, di un documentario sul famigerato "numero di settembre" di Vogue, e suona più o meno così: avete visto Il diavolo veste Prada? Sapete già che Miranda Priestly è ispirata ad Anna Wintour? Bene. A questo punto vedetevi direttamente come lavora Anna Wintour. Ah!, come è stronza e insopportabile. Ma poi, ah!, come è saggia e preparata. E poi alla fine, ah!, lo fa per il tuo bene.

Visto quanto sarebbe facile rendere interessante e stimolante una figura come quella della Wintour, è particolarmente curioso vedere quanto il documentario di Cutler riesca a rendere il tutto il meno interessante e stimolante possibile. Infatti giunti a un certo punto, abbastanza presto, The september issue non sa più dove andare a parare, si impantana in uno stallo pauroso da cui riesce a uscire solo trasformandosi a posteriori in un film su Grace Coddington, la mostruosa assistente ex-modella ex-sfregiata della Wintour – vale a dire, l’unico personaggio vagamente umano che siano riusciti a trovare nella noiosissima redazione di Vogue e nel mondo che gira intorno a quei bianchi corridoi.

Chi non è, di partenza, interessato all’argomento può stare tranquillamente alla larga. Ma il sospetto, non tanto vago*, è che lo stesso valga anche per fan e appassionati.

*vedi il post di Black Hair.

Il film non ha ancora una data di uscita italiana, ma non escludo che accada. Nel frattempo, si può acquistare il dvd britannico a un costo decoroso.

Motel Woodstock
(Taking Woodstock)
di Ang Lee, 2009

A volte annuncio che sarò breve e poi non lo sono. Stavolta lo sarò. Guardate quanto è corto questo paragrafo, guardate.

Mi sembra evidente, circa, che questa per Ang Lee sia una pausa per respirare. E allora, dico io, lasciamolo respirare. Lasciamogli fare un filmetto leggero in cui prende una istituzione pesante come un pilone, fa come per sbatterci contro – e poi invece si mette lì accanto e parla di tutt’altro, punta tutto su un personaggio e su un volto (lo splendido Demetri Martin, che qui si era addocchiato e apprezzato da un po’) e alla fine parla di cose molto intime ma anche molto note al cinema e agli spettatori, come il contrasto ineliminabile tra il desiderio di fuga e il legame con le proprie radici.

Woodstock? Chi se ne frega. Woodstock sta bene dove sta, dietro la palizzata.

Ho letto da molte parti, sui media d’oltreoceano, di gente imbufalita perché il concerto di Woodstock non si vede, perché Ang Lee frustra le attese degli spettatori. Ma questo è il cardine del film, dannazione, palese ed esplicito, c’è pure un personaggio che si mette lì e lo dice chiaro e tondo – il concentrarsi sulla cosa personale mentre intorno accade la Storia, in modo che il cinema in definitiva ci riesca a parlare dell’una – ma pure dell’altra, state tranquilli. Pure dell’altra. Anzi. Ecco.

Tutto sommato non è niente di che, me ne rendo conto. Ma non è nemmeno un film così sciocco, impersonale, banale, come fa di tutto per sembrare dal di fuori. Tutto sommato, ci sta.

Land of the lost
di Brad Silberling, 2009

Se ogni cosa, anche la più bella, è davvero destinata a finire, questo è decisamente il momento in cui finisce la nostra simpatia incondizionata, durata qualche anno, per Will Ferrell: se Semi-Pro ci aveva messo sul chi vive, una roba come Land of the lost, davvero, non si può perdonare. E a questo punto a Ferrell conviene seriamente reinventarsi in fretta prima che il suo stile comico, che ha fatto scuola e che nel bene e nel male è già cristallizzato da tempo, gli esploda tra le mani in mille pezzi.

Probabilmente la conoscenza della serie tv da cui il film è tratto potrebbe aiutare a comprendere più a fondo il perché questa immane boiata sia stata realizzata, e il perché sia stata realizzata così, ma forse è solo una cieca illusione e il film è orrendo e basta. L’unico gusto risiederebbe nelle solite gag à la Ferrell, se funzionassero: basate sulla sbruffoneria dei suoi personaggi e su un rilancio continuo che spesso le rende lunghe minuti e minuti, occupano metà secca di un film che è assai sbrigativo quando si viene al dunque – ma anche lì, nella materia che è la specialità dell’attore, a parte qualche momento sparso come la parte della pianta allucinogena e del granchio gigante, c’è poco da ridere.

Peccato che nel baratro del film (anche commerciale: negli states è andato malissimo) siano finiti anche Anna Friel, dolcissima e capace interprete di Pushing Daisies, e Danny McBride, il geniale attore lanciato da Jody Hill e lanciato ormai definitivamente da Ferrell come suo erede. Ma McBride è più giovane, lo si perdona più volentieri, e l’anno prossimo torna a farsi dirigere da un professionista come David Gordon Green e non da un altalenante mestierante come Brad Silberling.

No, davvero, lasciate perdere.

Il film dovrebbe uscire in sala il 12 dicembre 2009: ci sono i dinosauri, chissà, con un titolo imbecille magari dalle nostre parti riescono a farlo funzionare.

Bastardi senza gloria (Inglourious basterds)
di Quentin Tarantino, 2009

A volte mi ci diverto, a scrivere di un film per ultimo. A volte mi fa arrabbiare, perché ho avuto poco tempismo ed è già stato detto tutto. Altre volte, invece, semplicemente mi dimentico. E infine ci sono volte in cui ci penso. E ci ripenso. E ci ripenso. Come questa. Niente, Inglourious basterds ha messo KO la mia capacità di scriverne. Ogni volta che provo ad accennare a un paragrafo mi rendo conto che le parole non trasmettono quello che il film meriterebbe, che non rende l’idea. Forse è un film di cui è più divertente parlare che scrivere.

Dovrei scrivere, di cosa? L’immenso Christoph Waltz, Melanie Laurent che si trucca con David Bowie in sottofondo e abbassa il velo sugli occhi, il primo capitolo che scopre la sintesi perfetta tra Sergio Leone e John Ford, le citazioni di Lubitsch, la sequenza della Louisianne, il gioco delle carte e il mexican standoff, l’iride sulla dinamite nascosta sotto i pantaloni, la faccia di Hitler e le lacrime di Goebbels, il dito nella piaga, "Antonio Margheriti", l’accento impossibile di Brad Pitt, la risata di una Shosanna in bianco e nero proiettata nel fumo delle fiamme tra gli spari come il fantasma di una vendetta horror reso immortale dal cinema stesso, l’incontro finale tra Shosanna e Zoller nella cabina di proiezione tra le note disperate di Morricone e sguardi fatti di sangue, il mio cuore travolto che se ne esce dal petto?

Allora tanto vale stare zitto, come in sala. E tornare a vederlo, un’altra volta.

Comunque sia, se non è il suo capolavoro, come suggerisce il film stesso con un’autoironia sbruffona da applausi a scena aperta (letteralmente: quando vi è capitato, di sentire applaudire così un film fuori da un festival?), beh, se non lo è, poco ci manca.

Link: Honeyboy, Contenebbia, Cinebloggers connection.

*Se dovete ancora vederlo, fatevi il piacere di trovare una sala che lo proietta in lingua originale. Ci sono. Ce ne sono parecchie. Se l’avete visto in italiano, beh, idem.

Assassination of a high school president
di Brett Simon, 2008

Quanti film si possono girare in cui una detective story viene ambientata in una high school? Nonostante Brick sia soltanto di tre anni prima, il debutto di Brett Simon sembra ignorarne l’esistenza. E dopotutto fa bene, anche perché propone una seconda via, molto differente da quella dell’opera prima di Rian Johnson. Più leggera, inanzitutto: questa è sostanzialmente una commedia, in qualche modo più vicina allo spirito di John Hughes che a quello di Dashiell Hammett.

In ogni caso, se c’è una cosa che il film dimostra è che c’è spazio per tutti, se ci sono le idee: Assassination è un film realizzato con grande cura e senso della misura. Oltre che molto invitante: un curioso e divertente miscuglio di Heathers e Chinatown, ma tutt’altro che goliardico, scritto con grande cura anche se con più attenzione agli ottimi dialoghi che all’intreccio noir vero e proprio (non del tutto imprevedibile) con molti giovani attori pieni di talento (il protagonista Reece Thompson è davvero promettente, Mischa Barton è perfettamente nel ruolo di quella bella e stronza), un Bruce Willis preside che sembra la versione maschile di un personaggio di Jane Lynch, una bellissima fotografia, e soprattutto l’abilità e la sfrontatezza di affrontare di petto, senza troppi ghirigori (anzi con dialoghi che rendono tutto ancora più esplicito), il classismo e il senso di inadeguatezza degli anni del liceo.

Davvero riuscito quindi, oltre che vendibilissimo: non mi sorprende affatto che molti se ne siano innamorati dopo il suo passaggio al Sundance all’inizio del 2008. Purtroppo però la bancarotta dei suoi distributori ne ha impedito l’uscita nelle sale per molti mesi. E dopo un’odissea infinita, il film è uscito direttamente in dvd negli Stati Uniti proprio in questi giorni.

Anvil! The story of Anvil
di Sacha Gervasi, 2009

Ammetto che, per la assoluta ignoranza della scena heavy metal anni ’80, a qualche minuto dall’inizio ho dovuto interrompere per controllare che gli Anvil fossero una vera band e che questo fosse un rockumentary e non un mockumentary. Perché il film sembrava quasi una riedizione di This is Spinal Tap (che poi infatti viene citato nell’amplificatore che goes to eleven). E invece è tutto vero. E la cosa più bella è proprio che la storia di Lips e Robbo non ha bisogno dell’intervento finzionale per diventare emozionante.

Anche perché due personaggi così belli (il quieto batterista-filosofo con la passione per la pittura, il cantante appassionato e dal cuore d’oro, e il loro rapporto d’amicizia) non sarebbero mai usciti così bene da una tradizionale sceneggiatura. Né forse il mondo che gira loro intorno, quello delle donne che appoggiano o malsopportano, quello delle grigie case alla periferia di Toronto, delle storie e dei lavori da dropout, di una frustrazione lunga trent’anni per un sogno coltivato una vita intera, l’unica cosa che ti faccia andare avanti, mai davvero avverato – ma sempre con il sorriso, un po’ storto, sulle labbra: non poter mai dire di non averci provato fino in fondo, finché il corpo e la mente reggono, a realizzare i propri sogni.

Significativo che a scrivere e dirigere il documentario sia Gervasi, che (come rivela l’inquadratura finale) ha fatto il roadie con gli Anvil ai tempi della loro massima popolarità: il film sta appiccicato ai suoi protagonisti e li guarda con una passione e un’empatia che soltanto un fan potrebbe mostrare – e la cosa, invece di rendere il film stucchevole, fa di The story of Anvil un’opera appassionante e innegabilmente sorprendente, a suo modo unica. Anche i metallari piangono.

Il film non ha una data d’uscita italiana ma il dvd edizione inglese è disponibile a pochissimi euro.

The brothers Bloom
di Rian Johnson, 2008

Sono contento che quello di Brick non fu un abbaglio ma un giusto presentimento: sebbene The brothers Bloom abbia i suoi bei limiti, è davvero interessante vedere come Rian Johnson sia riuscito a costruire un film à la Wes Anderson – passatemela – sfuggendo al rischio di una mimesi fastidiosa ma marchiando la narrazione con un suo ritmo tutto suo e molto particolare (anche quando significa rallentare e accelerare di continuo: una cosa che qualcuno potrà trovare ragionevolmente stomachevole) e forse persino un suo stile: è presto per dirlo?

In ogni caso The brothers Bloom è un film tanto precisetto e fighetto quanto gradevole, intellettuale e dalle ambiziosi spiccatamente eurocentriche (non solo per l’ambientazione e l’incipit jeunetiano) ma abbastanza vitale da non farsi strozzare dai suoi stessi caratteri postmoderni (la tendenza al pastiche, l’annullamento della Storia) e Johnson ha un grande talento, anche se esce più in isolati pezzi di bravura (per esempio, la Weisz che mostra il suo talento con le carte: ci vuole così poco per fare una sequenza da antologia?) che non nell’insieme, in cui viene aiutato soprattutto dalla bravura del cast – che, per la verità, pecca un po’ di overacting, ma ne riguadagna in charme. Soprattutto la Weisz, appunto: nel bene e nel male.

La cosa migliore del film è comunque Rinko Kikuchi nel silenzioso ruolo di Bang Bang: anche lì, sono contento che quello di Babel non fu un abbaglio ma un giusto presentimento.

Il film non ha ancora una data di distribuzione italiana. Nel frattempo però nei mesi scorsi, Brick è uscito in DVD in Italia con un sottotitolo imbarazzante che lo lancia immediatamente nei cestoni tutto a 5 euro dei supermercati et similia.

Mostri contro alieni (Monsters vs Aliens)
di Rob Letterman e Conrad Vernon, 2009

Messi da parte i discorsi per cui questo film mi è sempre sembrato arrivare un po’ in ritardo (non devo certo spiegare perché) e quelli per cui l’investimento della Dreamworks in quest’opera è sempre parso di tipo tecnologico più che altro (è il primo film d’animazione computerizzata a essere stato creato già in 3D stereoscopico e non convertito a posteriori, il che significa moltissimo, non solo da un punto di vista tecnico ma anche artistico e di direzione presa dal mercato dell’animazione), che cosa resta del film in sé?

Posto il gap artistico irrestringibile con la Pixar a fronte di identici budget (questo film è costato esattamente quanto Up! e circa quanto WALL-E), l’impressione è che quelli della Dreamworks ci abbiano fatto ormai il callo e prendano altre strade, in direzioni più tradizionalmente spettacolari così come più solitamente caciarone. La buona notizia però, a fronte di ciò, è che non va più male come una volta: questo è un passetto indietro rispetto a Kung fu Panda ma non si può dire che sia fastidioso come Madagascar, è abbastanza noiosetto e prevedibile (anche se la carta del deja-vu fa parte del gioco), ma con un pugno di personaggi divertenti.

Quanto basta per fargliela passare, insomma, ma punto. Un piede dietro la linea, l’altro sulla linea: occhio. Anche se c’è Stephen Colbert che doppia un presidente degli Stati Uniti dichiaratamente modellato su di lui, e sono cose.

L’altra buona notizia è invece che il citazionismo sparso nel film non è certo roba per ragazzini con l’acne, non regna più sovrana la tv tra i riferimenti pop-culturali ma un parco-film da polveroso cinefilo d’antan: i quattro "eroi" non sono che un rip-off di quattro classici della fantascienza anni ’50: Il mostro della laguna nera, L’esperimento del dottor K., The Blob e Attack of the 50 Foot Woman, più un insettone che sembra uscito da un film di Ishiro Honda e tutta una sequenza (quella davvero un po’ troppo sciocca e dreamworksiana) che si rifà a Incontri ravvicinati di Spielberg. Insomma, all’adolescente brufoloso e teledipendente viene lasciata la parte meno stimolante, semmai qualche volo pindarico sull’enorme vagina di Ginormica. Vaginormica.

Personalmente ho riso molto, per ragioni tutte mie, quando Gallaxhar grida "Spaceballs!".

Purtroppo, per quanto mi riguarda, vedere in due dimensioni un film che è stato creato in tre mi fa la stessa impressione di vedere in 4:3 un film girato in 16:9. Ma via, ce ne faremo una ragione.