2010

The winning season
James C. Strouse, 2009

Strano che si sia parlato così poco di questo film dalle nostre parti, al di là della solita cecità (per ora) della distribuzione italiana: uscito in sordina a settembre negli USA a quasi due anni dalla presentazione al Sundance, pur rispettando dal primo all’ultimo i cliché del film sportivo il film di Strouse è in realtà una delle commedie americane più gradevoli dell’anno. Merito soprattutto della performance da applausi di Sam Rockwell nel ruolo di un ex giocatore di basket fallito e alcolizzato che ritrova la voglia di allenare grazie a una ciancicata squadra femminile di una scuola superiore, ma anche del resto cast (come la deliziosa Emma Roberts: un’autentica rivelazione, per quanto mi riguarda) e della sceneggiatura dello stesso Strouse, capace di far tesoro dei meccanismi del genere per restituire in modo davvero convincente, con oliatissime armi da cinema indipendente, il riscatto di un uomo di fronte a se stesso e a una “nuova famiglia” trovata sul campo. È difficile spiegarvi come The Winning Season riesca a far funzionare alla perfezione tutto questo senza risultare risaputo, banale o stucchevole: la soluzione migliore in casi come questi è – recuperare il film e giudicare da soli.

A cena con un cretino (Dinner for Schmucks)
di Jay Roach, 2010

Dinner for Schmucks è uno di quei film dove per sopperire alla mancanza di una sceneggiatura o di una regia capace si infilano sullo sfondo duecento personaggi secondari. In fondo, in giro di talenti autentici ce ne sono tanti, e il film ne fa sfoggio: oltre ai protagonisti Paul Rudd e Steve Carell, ci sono l’eccellente Zach Galifianakis, David Waillams di Little Britain, Chris O’Dowd di The IT Crowd, la corrispondent del Daily Show Kristen Schaal, ma non c’è niente da fare, con Jay Roach alla regia la commedia ispirata a un celebre film francese di Veber diventa sciapa, frigida, priva di mordente. A nulla servono le performance del cast, il ribaltamento di normalità e idiozia affoga in un fiume di appiccicosa melassa, la sana cattiveria è sostituita da un caricaturismo pietoso, le potenzialità screwball e cartoonesche vengono svilite dall’assenza di ritmo e di personalità: si salva in corner la bravissima Lucy Punch, forse i titoli di testa con i topini imbalsamati e Fool on the hill – ma potevo vivere tranquillamente senza.

Per la cena vera e propria si deve aspettare, e soprattutto sopportare, moltissimo: e una volta giunti a quel punto si ridacchia quasi per sfinimento, come a dire: ok, io adesso ridacchio, contento?, tu però finisci in fretta che non se ne può più.

Due cuori e una provetta (The Switch)
di Josh Gordon e Will Speck, 2010

Vi capita mai di vedere un trailer e di pensare che dopo quei due minuti scarsi non abbia più tanto significato andare a vedere il film che il trailer promuove, perché avete la netta sensazione che vi abbiano già detto tutto quello che c’era da dire? Domanda retorica: lo so bene, che vi capita spesso. Ma il più delle volte è un’impressione fallace che il film, bello o meno, riesce a spazzar via. Anche perché si suppone che un film, anche il meno riuscito, abbia delle qualità oltre quei trenta o novanta canonici secondi.

Se avete visto il trailer di The Switch, invece, avete perlopiù visto tutto quel che c’era da vedere. E non è un grandissimo complimento: il film di Gordon e Speck è una delle commedie recenti più insoddisfacenti, e non solo per questa sua scarsezza di argomenti, di caratteri, di idee, e per il fatto che tutto va come deve andare (o meglio: che non può andare in modo diverso), ma anche per la sua incapacità di scegliere un registro tra i toni più triviali, perché dopotutto lo sperma scorre come se fosse acqua fresca, e quelli più stucchevoli, perché dopotutto è pur sempre un film con Jennifer Aniston.

Ecco, poi ci sarebbe tutta una serie di considerazioni da fare sulle commedie con Jennifer Aniston, film ambientati in mondi paralleli in cui uno come Jason Bateman è uno sfigato sociopatico che deve solo sognarselo l’amore di una tale faccia da schiaffi, tra l’altro fotografata sempre con questi primissimi piani da diva intensa che nemmeno la Garbo. Generalmente riesco a evitare, e senza bisogno di pormi il problema in prima battuta, stavolta ho ceduto e l’ho fatto per affetto nei confronti di Bateman ma, cielo!, se mi sono pentito

Cattivissimo Me (Despicable Me)
di Pierre Coffin e Chris Renaud, 2010

Si può dire senza troppi indugi, alla Universal è andata piuttosto bene: nonostante il plot simil-superomistico sembrasse in conflitto con alcuni esemplari della concorrenza (Gli Incredibili da una parte ma soprattutto Megamind dall’altra), Despicable Me riesce a vivere di vita propria e a funzionare benissimo, grazie alla semplicità della scrittura, “famigliare” ma non stucchevole, e all’ottimo lavoro degli animatori francesi (il film è stato interamente realizzato a Parigi), e tutto questo con un budget dimezzato rispetto ai lavori della DreamWorks.

Ma il film, comunque gradevolissimo, non sarebbe la stessa cosa senza i Minions, che sono il suo vero valore aggiunto, nonché l’unica, vera “invenzione” di questo film: un esercito di piccoli, rumorosi e imbranati operai giallognoli al servizio del protagonista, che entrano subito e di diritto nella galleria delle migliori spalle del cinema d’animazione.

Davvero irresistibili.

Bonus: dalla colonna sonora, “Minions Mambo” di Pharrell Williams feat. Lupe Fiasco.

Cyrus
di Jay e Mark Duplass, 2010

Come ho scritto dall’altra parte, aspettavo i Duplass al varco, ma con una solida fiducia: tra gli artefici del mumblecore sspesso citato su questo blog, i due fratelli di New Orleans sono quelli che hanno mostrato in passato (Mark anche come interprete) una maggior dimestichezza nell’utilizzare (e ribaltare, all’occorrenza) i meccanismi e i linguaggi della commedia. E in Cyrus, loro prima produzione “importante” (sette milioni di budget, patricinio di Ridley e Tony Scott), i Duplass sono riusciti a trasferire nei corpi di tre star come Jonah Hill, John C. Reilly e Marisa Tomei la freschezza che ha dato loro notorietà all’interno dei festival di cinema indipendente.

Il tratto più distintivo, al di là dello stile naturalistico della messa in scena, sembra essere la bravura nel raccontare una storia che si regge soprattutto su dinamiche quotidiane e “banali”, su rapporti tra i personaggi che possono sì giocare scaltramente con riconoscibili ingranaggi ma che non si fanno mai divorare da essi. In tal senso il film è di un’asciuttezza atipica sia nella narrazione che nella messa in scena (basti pensare a come si conclude, negando il gusto per la chiusa ad effetto o per la sagacia fine a se stessa, rivolgendosi invece a una realtà dove il lieto fine esiste), ma non si pensi a un’opera improvvisata o dilettantistica: i Duplass sanno il fatto loro, il film è scritto in modo intelligente e, pur non puntando troppo in alto, nella sua metodica calma riesce a essere divertente e commovente senza apparire artificioso.

Il più grande merito di Cyrus è però quello di aver puntato le luci e di aver scommesso tutto su Jonah Hill che, dopo cinque anni passati alla corte di Judd Apatow, con questa performance sottile, misurata, perfida ma profondamente umana, mostra (non è la prima volta, ma in modo definitivo) la sua caratura, tanto da riuscire a mettere in ombra un pezzo grosso come John C. Reilly. Se tutti lo sapessero dirigere così.

Easy A
di Will Gluck, 2010

La commedia americana ambientata nelle scuole superiori è forte di una tradizione molto radicata negli ultimi decenni, da alcuni film di John Hughes in poi, tra il grande e il piccolo schermo, ma i casi esemplari, i casi di eccellenza, scarseggiano. Inserendosi in un filone ben preciso, ovvero quello delle riletture di classici della letteratura in un’ottica adolescenziale (come già Emma per Clueless e La bisbetica domata per 10 cose che odio di te, qui è La lettera scarlatta) Easy A è riuscito nel difficile compito di non sfigurare di fronte a film molto amati come Mean Girls o i titoli sopracitati, diventando anzi una delle teen comedy più azzeccate degli ultimi anni e anche, critica alla mano, una delle commedie più applaudite dell’anno.

Tutto merito della protagonista, si sarebbe portati a pensare: la spettacolare Emma Stone, che avevamo già addocchiato dai tempi di Superbad e The House Bunny (dove era al centro di un makeover da brutto anatroccolo più estremo di questo) ha appena 22 anni ma è già un’attrice con una precisa e spiccata personalità, non soltanto per i suoi caratteri innati (la voce roca, il viso asimmetrico, gli occhi perforanti) ma anche per un talento e un senso dell’umorismo davvero eccezionali. In realtà, di punti di forza il film ne ha da vendere: la sceneggiatura arguta e “cinefila” dell’esordiente Bert V. Royal, autentiche idee di regia (come quella usata per rappresentare la diffusione capillare del gossip tra i corridoi di un liceo) che sono una rarità in questo campo, e un cast di comprimari di prim’ordine – tra cui i genitori “perfetti” interpretati da Patricia Clarkson e Stanley Tucci, che dimostrano ancora una volta come si possa interpretare un personaggio memorabile (e più in generale: costruire un film così bello, fresco, gradevole e divertente) anche senza forzare la mano sulla political incorrectness.

Tornando a John Hughes, che le commedie ambientate negli anni della high school abbiano nel cinema del compianto regista e più in generale nei film del “brat pack” un vero nume tutelare non è certo un fatto nascosto o segreto: ma Easy A ci tiene a renderlo ancora più esplicito con una sequenza centrale e irresistibile in cui la protagonista Olive, interpretata da Emma Stone, si lancia in questo soliloquio:

Whatever happened to chivalry? Does it only exist in 80′s movies? I want John Cusack holding a boombox outside my window. I wanna ride off on a lawnmower with Patrick Dempsey. I want Jake from Sixteen Candles waiting outside the church for me. I want Judd Nelson thrusting his fist into the air because he knows he got me. Just once I want my life to be like an 80′s movie, preferably one with a really awesome musical number for no apparent reason. But no, no, John Hughes did not direct my life.

Il film uscirà in Italia il 4 marzo 2011 (!) con il titolo Easy Girl. E vabbè.

Il dvd US-R1 esce prima di Natale, quello UK-R2 il prossimo febbraio.

Amore a mille… miglia (Going the distance)
di Nanette Burstein, 2010

A meno che non abbia voglia di superare i confini e i cliché del suo genere (cosa che il film della Burstein non fa, per fortuna) una commedia romantica ha bisogno di un numero limitato di fattori per poter funzionare. Pochi ma buoni: quel che c’è deve girare alla perfezione. È il caso di Going the distance, che sfrutta davvero bene i suoi elementi: due attori in forma, valide caratterizzazioni di contorno, una buona sceneggiatura, un senso dell’umorismo irresistibilmente immaturo, e soprattutto un’idea forte (per quanto di estrema semplicità: “la storia d’amore a distanza, discuss”) in un contesto altrettanto solido, quello arcidiffuso della crisi economica e del mondo del lavoro.

Al di là di questi elementi, che bastano senz’altro a farne un film più gradevole della media, ciò che rende particolare e inusuale Going the distance (e unico motivo per cui la regista di American Teen si dimostra la guida ideale) è l’idea di raccontare una storia d’amore che è anche una sorta di racconto di formazione tardivo: i due protagonisti hanno superato i trent’anni ma sono in qualche modo “in ritardo” sui tempi della loro generazione, ciascuno per le sue ragioni vivono e si comportano come due ventenni, sia in rapporto alle relazioni sentimentali che al lavoro che alla famiglia. Lei ha inseguito per anni un amore sbagliato, deve ancora finire l’università, si mantiene facendo la cameriera inseguendo una carriera impossibile (o quasi) in un giornalismo che le crolla intorno; lui fa un lavoro senza prospettive per un’etichetta musicale, non capisce niente delle donne, non piange per amore, e convive in un appartamento “da studente” dalle pareti sottilissime con un amico che caga con la porta aperta. Un aspetto che in magari in Italia non suonerebbe poi così strano, ma tra New York e Los Angeles è tutto un altro paio di maniche.

Il pacchetto è chiuso da un’ottima colonna sonora (in cui spicca Harold T. Wilkins dei Fanfarlo, roba che ti taglia le gambe a prescindere) e dalla coppia di comprimari formata da Charlie Day di It’s Always Sunny in Philadelphia e Jason Sudeikis del Saturday Night Live – che è tra le cose migliori del film, se non altro per i dialoghi dell’esordiente Geoff LaTulippe, ma alla fine Going the distance non sarebbe la stessa cosa senza la simpatia, l’immediata “normalità” di Drew Barrymore e Justin Long. Non sarebbe nemmeno la sua ombra.

Questa scena mi ha fatto molto ridere.

The Social Network
di David Fincher, 2010

Ogni stagione esce almeno un film su cui tutti devono avere un’opinione. Spesso, ma non sempre, il film merita queste attenzioni: The Social Network, senza dubbio, è uno di questi casi. Il vantaggio di questo rumore è la maggior visibilità di un film che sicuramente non rischiava di passare inosservato ma forse di essere frainteso da buona parte del pubblico, attratta magari in sala dalla sirena di Facebook. Gli svantaggi per chi scrive di cinema per passione sono però, da una parte, l’impressione di raggiunta saturazione, persino di ridondanza, per cui qualunque cosa ci sia da dire sul film sembra già stata detta (che sia stata letta o meno), e dall’altra la difficoltà di farsi largo tra i commenti di chi si occupa di cinema una settimana all’anno, giusto perché esce un film che parla di Facebook e di Mark Zuckerberg.

L’osservazione più curiosa che ho fatto nelle ultime settimane, mentre il film cominciava a essere visto (in patria è uscito circa due mesi fa, e la circolazione di uno screener ha reso semplice la sua reperibilità in lingua originale), è invece la netta divisione tra fan di David Fincher e quelli dello sceneggiatore Aaron Sorkin – gli ultimi a difendere il ruolo di primissimo piano del geniale autore di The West Wing nella riuscita del film, i primi a sottolineare (non del tutto a torto) che in un caso come questo è tra le mani del regista, della sua “visione del mondo” e della sua “idea di cinema”, che tutto torna. Ma è proprio in questa sintesi clamorosa che ho trovato il primo aspetto davvero straordinario di questo grande film: la capacità di Fincher di appropriarsi degli estenuanti e stupefacenti dialoghi di Sorkin, gli stessi che insieme a una costruzione narrativa perfetta che unisce una struttura circolare a un uso virtuosistico delle analessi vanno a formare quella che è la miglior sceneggiatura americana dell’anno (e di molti anni a questa parte), riuscendo a domarli in una forma cinematografica intensa e poderosa.

Altro che cinema di dialoghi filmati: basti pensare a sequenze come quella della discoteca, che ti investono in faccia come un treno in corsa, e in cui è evidente l’alchimia perfetta tra la sceneggiatura, la regia, il lavoro ammirevole del direttore della fotografia Jeff Cronenweth, lo stesso di Fight Club (che si permette di rischiare poco, ma quando lo fa raggiunge risultati meravigliosi, vedasi l’incredibile sequenza della gara di canottaggio), e la spettacolare colonna sonora di Trent Reznor e Atticus Ross. Quest’ultimo, un aspetto a cui Fincher dà sempre moltissima rilevanza. Non a caso lo score è così prominente, perché aiuta a ottenere una continua sensazione di minaccia, presagio e forse di paranoia, che va a braccetto con lo spirito del protagonista. Che Fincher sia in grado di gestire in modo sublime la scottante materia sorkiniana lo dimostra comunque fin dalla prima memorabile sequenza, autentico pezzo di bravura (il primo di una lunga lista) che riesce a dare in pochi minuti l’idea del ritmo instancabile del resto del film, e mentre i dialoghi gettano le basi tematiche e narrative dell’intera pellicola restituisce dignità alla forma spesso vituperata del campo/controcampo.

Per il resto, The Social Network è tutto ciò che avete sentito, in qualche caso qualcosa di più: tra i risultati più felici di uno dei più interessanti registi contemporanei, è una grande storia americana di solitudine e rivalsa al cui centro c’è questo Mark Zuckerberg, antieroe sociopatico e sgradevole che grazie all’interpretazione (ben oltre la mimesi) di Jesse Eisenberg catalizza in un continuo rimbalzare tra empatia e repulsione le ansie e le frustrazioni di un’intera generazione – o meglio, di un intero sistema sociale. Ma è anche una storia di amicizia virile che (come già era successo in altri film di Fincher, come per esempio Zodiac) sembra prendere sempre più in prestito toni e linguaggi da dramma romantico, con le cause milionarie al posto dei tavoli dei divorzi, trasformandosi in una bizzarra ma commovente storia d’amore cieco e impossibile. E poi, quello che hanno detto tutti: un film che inquadra il presente con una lucidità frastornante e ipnotica, nascondendo dietro il racconto di un’ossessione una disamina spietata delle dinamiche contemporanee – un film che ora osserivamo con grandissima ammirazione, persino con timore, con un misto di entusiasmo e profondo disagio emotivo, ma a cui, con tutta probabilità, se tutto va come previsto, tra qualche anno guarderemo come a un’opera che ha raccontato, e segnato, un’epoca.

The Other Guys
di Adam McKay, 2010

Dopo Land of the Lost, avevo dato più o meno per spacciata la formula che aveva portato Will Ferrell al successo (innumerevoli epigoni compresi) e ai risultati più esilaranti della sua carriera, il cui culmine insuperato è ancora il Roy Burgundy di Anchorman: una decadenza che si poteva già intravedere nella stanchezza del divertente (e basta) Semi-Pro e che sembrava definitiva. Ma The Other Guys mi fa ricredere quasi del tutto: Ferrell si è tirato indietro in fase di sceneggiatura, ma è il “suo” film più divertente dai tempi di Talladega Nights.

Al dì là del fatto che Adam McKay è in stato di grazia e la sua sceneggiatura scritta insieme a Chris Henchy è un ricettario eccellente (e “quotabilissimo”) di situazioni comiche e dialoghi riuscitissimi, il film trae molto giovamento dall’equilibrio tra Ferrell e Mark Wahlberg, tutt’altro che una spalla. E inoltre, il personaggio di Ferrell non è più lo screanzato ignorante per cui  ha passato il testimone alla triade Jody Hill – Ben Best – Danny McBride (plus David Gordon Green): era ora che l’attore si inventasse qualcosa di nuovo e fresco. Sorpresa: funziona benissimo. Il terreno su cui si muove non è certo dei più vergini, e questo non è il primo caso recente di “parodia” (tra virgolette) del buddy movie: ma se The Other Guys non è Hot Fuzz, ecco, non è nemmeno Cop Out.

La parte più immediatamente irresistibile del film è quella iniziale, con Samuel Jackson e The Rock che fanno i duri da action movie, che si risolve in una delle morti più farsesche che io ricordi: ma McKay riesce a non bruciare tutto subito e il film, a differenza di molte commedie simili, non conosce la classica fase di stanca della parte conclusiva. E anche se la forza del film sta tutta nella riuscita delle singole soluzioni (potremmo passare ore a elencare: la madre di Eva Mendes che viene usata come tramite per messaggi amorosi tra la figlia e Ferrell, Michael Keaton che cita di continuo le TLC senza rendersene conto, il dialogo del tonno e del leone), The Other Guys non si fa divorare dall’abituale abuso del cast di caratteristi (qui pochi e buoni) e ha una sua strana e delicata coesione grazie alla quale non sembra mai di assistere a una collezione di sketch. Ma a un film ben definito, con due personaggi veri. Bene così.

Il film ha già il suo titolo italiano, I poliziotti di riserva, ma per ora non sembra esserci una data d’uscita e il sito italiano della Sony non lo include nella pagina degli sneak preview: qui sento puzza di straight-to-video. Dato che il film in italiano perderebbe praticamente tutta la sua comicità verbale, il consiglio è di recuperarlo in lingua originale: il dvd Regione 1 esce tra un mesetto, quello britannico a gennaio.