2010

Porco Rosso, Hayao Miyazaki 1992

17 novembre 2010 15:26

Porco Rosso
di Hayao Miyazaki, 1992

“Un maiale che non vola è soltanto un maiale”

Lo so, non ha molto senso mettersi a parlare di Porco Rosso nel 2010. O meglio, mi correggo: non dovrebbe averlo se non avessimo dovuto aspettare 18 anni per vedere nelle nostre sale uno dei film più amati del grandissimo regista giapponese, per tacere del fatto che l’immaginifica e fantasiosa ambientazione milanese avrebbe potuto rappresentare un valore aggiunto per renderlo più “smerciabile”. Ma il nostro è un paese strano, è lo stesso paese dove i film d’animazione escono solo di pomeriggio perché “è roba per bambini”.

Ma Porco Rosso, come quasi tutte le opere di Miyazaki, è un film talmente universale da essere sostanzialmente senza età. Se le due sequenze in flashback, il ricordo di un amore magico nato volando sul pelo dell’acqua e l’incontro con la morte nella forma di una scia di aeroplani fantasma, valgono da sole tutto il cinema che potete immaginare, tutto il resto è semplicemente meraviglioso – e parlo di quel tipo di rara meraviglia per cui ci si sorprende a piangere senza motivo guardando dei bozzetti in bianco e nero accompagnati dalle musiche di Hisaishi, sui titoli di coda.

Porco Rosso è un capolavoro autentico e indiscutibile come ce ne sono (stati) pochi. Ed è nelle nostre sale, oggi, ora. Prendetevi un pomeriggio e andate a godervelo. Portateci i vostri figli e i vostri nipoti, se potete. In un certo senso, sono invidioso: avere l’occasione di scoprire il cinema di Hayao Miyazaki alle scuole elementari potrebbe davvero cambiare la loro vita. Decisamente in meglio.

Dream Home / Love in a puff, Pang Ho-Cheung 2010

11 novembre 2010 17:21

Per evitare di ripetere le stesse cose due volte, contravvengo per una volta all’abitudine di scrivere un post per ogni singolo film: in questo caso parliamo infatti di due film diretti dallo stesso regista hongkonghese, il bravissimo Pang Ho-Cheung, usciti nel medesimo anno. Ma che non potrebbero essere più diversi. Oppure no?

Dream Home (Wai dor lei ah yut ho)
di Pang Ho-Cheung, 2010

Una ragazza si introduce in uno stabile e fa una vera carneficina: prima ammazza il custode, poi entra in due appartamenti e uccide uno per uno gli inquilini e alcuni malcapitati. Nel frattempo, i flashback ci raccontano gradualmente la storia della protagonista, il suo rapporto con i genitori e con il lavoro, la sua ossessione per quella casa le cui finestre danno sul mare. La soluzione dell’enigma narrativo da un certo punto in poi è abbastanza chiara, ma non è quello che conta: Dream Home è uno degli slasher più duri e impressionanti degli ultimi anni, che ispirandosi ai classici del genere (giallo all’italiana incluso, complice la favolosa fotografia pop di Yu Lik-wai e la colonna sonora dell’italiano Gabriele Roberto) funziona perfettamente anche come operazione spiccatamente satirica sulla Hong Kong di oggi, iperbole violenta e sopra le righe che scopre i nervi di un’autentica crisi sociale ed economica apparentemente insanabile. Lungi quindi dall’essere una sequela di ammazzamenti fine a sé stessa, anzi – anche la cosa più divertente da raccontare di Dream Home, a parte la risoluzione finale, è senz’altro il gusto sadico con cui Pang mette in scena questi singoli omicidi, passando con facilità estrema dai dettagli più gore e spietati (l’incipit, la ragazza incinta) a contrappassi ironici ed enfatizzati (il fattone ucciso con il suo stesso bong) che alleggeriscono “a modo loro” un film di fronte al quale è sinceramente difficile tenere aperti gli occhi tutto il tempo. Alla larga i sensibiloni, quindi. Ma per tutti gli altri, è una bomba assoluta. Imperdibile.

Love in a puff (Chi ming yu chun giu)
di Pang Ho-Cheung, 2010

Dall’inizio del 2007 anche a Hong Kong è entrato in vigore il divieto di fumo nei luoghi pubblici, in modo molto simile a quanto successo due anni prima nel nostro paese – anche se apparentemente più rigoroso. Uno degli effetti più curiosi è stata la nascita di un nuovo tipo di aggregazione sociale nella città: piccoli gruppi di persone, spesso sconosciute e provenienti da diversi ambienti lavorativi, si ritrovano intorno a un posacenere per consumare cibo da asporto e l’agognata sigaretta in libertà. L’idea brillante di Pang (sarebbe un ottimo spunto anche per il nostro paese, se ci fosse un regista in grado di fare come l’hongkonghese e di non applicare etichette morali ai fumatori) è quella di far partire una storia d’amore proprio da questo pretesto narrativo: Cherie è una commessa di Sephora, Jimmy è qualche anno più giovane e lavora in un’agenzia pubblicitaria, si incontrano proprio durante una “pausa sigaretta”, e durante una lunga settimana prendono in mano le loro vite e le rivedono completamente alla luce di un amore improvviso, forse tardivo, inatteso e quasi impalpabile. Un film leggero e gradevolissimo, adorabilmente logorroico (i dialoghi sono tanti, molto onesti, divertentissimi) e interpretato stupendamente da Miriam Yeung e Shawn Yue. Sembra una cosa da poco, ma è un caso esemplare di commedia romantica, intelligente e moderna. No, non è una cosa da poco.

Con questi due film, usciti in patria a un paio di mesi di distanza l’uno dall’altro, Pang si riconferma come uno dei talenti più eclettici del cinema hongkonghese. Ma nonostante le ovvie diversità tra un horror sanguinario e un film sentimentale, non è una forzatura dire che le due opere hanno più di un punto di contatto: entrambe utilizzano le regole del gioco, in modo preciso e allo stesso tempo molto libero, per far affiorare una riflessione sulle contraddizioni della città in cui sono ambientate le sue storie, su come Hong Kong sia cambiata e continui a mutare a più di 10 anni dal cosiddetto “handover”. In tal senso, se i due film sembrano meno ambiziosi e “autoriali” di sue straordinarie opere precedenti come Exodus o Isabella, è proprio in questa commistione tra cinema di genere e analisi sociale che si trova la loro bellezza: due film indubbiamente riusciti (soprattutto l’incredibile Dream Home) ma che visti in coppia sono forse il risultato più felice di uno degli autori più interessanti, curiosi e vitali di tutto il cinema asiatico contemporaneo.

Entrambi i film sono disponibili su YesAsia in edizioni hongkonghesi: piuttosto economiche ma appartenenti alla Regione 3 dei dvd e alla Regione A dei blu-ray. In ogni caso, se non avete problemi con le zone: qui Dream Home e qui Love in a Puff in dvd, qui il primo e qui il secondo in blu-ray.

Dino De Laurentiis R.I.P.

11 novembre 2010 15:42

È morto Dino De Laurentiis.

Secret Reunion, Jang Hun 2010

10 novembre 2010 17:00

Secret Reunion (Ui-hyeong-je)
di Jang Hun, 2010

Lee Han-gyu è un agente della National Intelligence Service che non riesce a sventare un attentato ai danni di un parente di Kim Jung-Il, reo di aver “tradito la patria” scrivendo libri critici nei confronti del dittatore. Tra gli attentatori c’è il giovane Song Ji-won, che riesce ad allontanarsi dal luogo del delitto senza essere arrestato. Entrambi vengono rinnegati dai rispettivi governi: Han-gyu a causa della sua cocciutaggine anti-nordica in un contesto in cui le relazioni tra i due stati si fanno più morbide, e Ji-won per via del suo rifiuto di uccidere un bambino testimone del delitto. Sei anni dopo, i due si incontrano, si riconoscono a vicenda – ma entrambi convinti di non essere stati riconosciuti dall’altro.

È proprio vero che chi ha tra le mani Song Kang-ho è a metà dell’opera: l’attore protagonista di molti grandi film di registi come Park Chan-wook, Kim Ji-woon e Bong Joon-ho, offre ancora una volta una performance geniale, trovando nel 29enne Kang Dong-won un partner assolutamente ideale. Per la fortuna di Jang Hun, regista cresciuto alla corte di Kim Ki-duk ma che differisce totalmente dallo stile rarefatto del suo maestro, Song non è però l’unica freccia al suo arco in quello che è diventato il campione di incassi in patria nel 2010: Secret Reunion è infatti un thriller davvero appassionante, una storia di amicizia virile raccontata con una varietà di toni degna della migliore tradizione del cinema sudcoreano, dalla commedia – persino degli equivoci – al melodramma psicologico, dietro cui si nasconde una riflessione non banale sui rapporti tra il Sud e il Nord (senza scomodare JSA) e sui cambi di rotta e di prospettiva che questi hanno avuto negli ultimi anni.

Il finale non piacerà a tutti, suona forse come un compromesso rispetto a quanto visto fino ad allora, smorza in qualche modo l’intensità del lato più drammatico del film, ma d’altra parte rappresenta una sorta di catartica liberazione e non rovina un film bello e avvincente.

Il film è passato al Far East Film di Udine ma per ora scordatevi un’uscita italiana.

È disponibile una edizione DVD coreana: purtroppo è solo Regione 3.

Poetry, Lee Chang-dong 2010

10 novembre 2010 16:20

Poetry (Shi)
di Lee Chang-dong, 2010

Se sono lontani gli anni dell’entusiasmo incontrollato nei confronti della cinematografia sudcoreana, alcuni dei migliori autori di quel periodo sono tuttora attivi e sfornano ancora film di grande bellezza. Uno di questi è senza dubbio Lee Chang-dong, ex ministro della cultura e regista di alcuni (purtroppo pochi) film strepitosi tra cui una delle più dolorose riflessioni sulla Storia del suo paese (Peppermint Candy, 2000) e l’intenso dramma Oasis – particolarmente rilevante anche perché a suo tempo fu uno dei primi grandi titoli coreani a trovare una distribuzione nel nostro paese.

Mija è una signora anziana che per mantenersi insieme al debosciato nipote a carico fa la badante a un disabile, e nel tempo libero si appassiona alla poesia frequentando un corso pomeridiano; mentre cominciano gradualmente ad arrivare i primi sintomi del morbo di Alzheimer, Mija scopre che il nipote si è reso responsabile insieme ad alcuni amici di uno stupro di gruppo che ha portato al suicidio di una ragazza. Dopo aver assistito al cinismo dei genitori dei ragazzi, pronti a pagare una cifra considerevole per evitare che i figli vengano indagati, sarà costretta a risolvere la situazione in modo definitivo, sulla propria pelle, continuando ad appuntare sul suo taccuino impressioni di una natura che sembra l’unica fuga da un mondo crudele e spietato.

Come già i titoli precedenti, compreso il bellissimo Secret Sunshine, anche Poetry è un’opera molto ambiziosa, fin dal titolo, forse non per tutti i gusti: una ballata tenue di avvicinamento alla morte che cerca di riflettere sul senso della vita, sulla memoria e sull’oblio dell’identità, ma con un approccio del tutto naturalistico e privo di sottolineature melodrammatiche e forzature (persino quando le svolte narrative sembrerebbero richiederle) che gioca tutto sulla splendida, ironica ma dolente interpretazione di Yoon Jeong-hee (star del cinema coreano degli anni ’70, assente dagli schermi da più di 15 anni) e il cui finale, misterioso e implicito, è davvero la perfetta quadratura del cerchio.

Non mi risulta che sia prevista un’uscita italiana.

L’edizione dvd coreana è un po’ cara ma è region free.

Scott Pilgrim vs. The World, Edgar Wright 2010

8 novembre 2010 16:46

Scott Pilgrim vs. The World
di Edgar Wright, 2010

Certe volte è solo questione di percezione, forse di prospettiva. Per alcuni Scott Pilgrim è un film con Michael Cera, per altri è un film di Edgar Wright. La distinzione nelle aspettative è tutta lì: in chi pensa o vuole pensare che l’attore tanto vituperato, spesso ingiustamente, possa essere considerato un fattore più che marginale all’interno della terza regia di uno dei migliori registi contemporanei dopo due enormità come Shaun of the dead e Hot fuzz. Personalmente, attendevo questa sua terza regia con una trepidazione senza pari: più di Inception, più di The Social Network. Sono quindi del tutto disposto a essere tacciato di pregiudizio: ero convinto che Scott Pilgrim avesse le carte per diventare il film dell’anno. Ora l’ho visto, e penso davvero che lo sia, il film dell’anno. L’avevo già deciso?

Posto che si tratta di un film immediatamente irresistibile e di fronte al quale, sinceramente, non riesco a immaginare si possa rimanere meno che abbagliati (se proprio non si deve stare per forza a battere le manine tutto il tempo come il sottoscritto) la cosa che ho trovato davvero sbalorditiva di Scott Pilgrim è il suo cercare e trovare strade nuove. Ci si lamenta spesso (altrove) di come il cinema contemporaneo non faccia altro che rimasticare ingredienti del passato, dissotterrare malinconie, redistribuire cliché? Edgar Wright parte dagli stessi presupposti, senza dubbio, ma l’inclusione del linguaggio dei videogame e del fumetto nella pellicola è totale, trasforma Toronto nel set di un platform indie visionario e delirante, mescolando l’orgia visiva con il linguaggio testuale delle disascalie, e pescando dalla loro sintesi anche tratti del tutto originali – come un montaggio che elimina dalla narrazione qualsiasi interferenza o momento di passaggio, concentrando tutte le energie sull’essenziale e facendone uno dei film più densi che si possano immaginare, evoluzione naturale di ciò che Wright aveva già mostrato in alcuni passaggi di Hot Fuzz. Tutt’altro che una commediola postadolescenziale per indie rockers: come i precedenti di Wright, è un film quasi sperimentale. Di certo è qualcosa di completamente diverso.

Detto questo, al di là di considerazioni che meriterebbero un’analisi più compiuta, Scott Pilgrim è un film mostruosamente divertente, scritto (da Wright insieme a Michael Bacall) con un’intelligenza e un’arguzia superiori alla media, spassosissimo come una commedia e adrenalinico come un action, con un ritmo travolgente, una colonna sonora stupenda e un cast strepitoso – tra cui spiccano Kieran Culkin, Jason Schwartzman, Chris Evans, Aubrey Plaza e ovviamente la stupenda (e stupendamente “normale”) Mary Elizabeth Winstead. Menzione d’onore per Ellen Wong, perché sennò la gente se ne dimentica. Insomma, un’autentica meraviglia visiva e narrativa che fonde effetti speciali perfetti a personaggi con un’anima e un cuore pulsante, uno di quei film che riguarderesti immediatamente una volta finito, uno di quei film per i quali bisogna inventare nuove definizioni. Per quanto vale, per quel che mi riguarda, un piccolo capolavoro. Altro che pregiudizi.

Poi c’è Michael Cera, sì. E sapete che c’è? È bravissimo. Oh.

Il film esce il 19 novembre 2010, lo stesso giorno della prima parte del settimo Harry Potter. Non potevo immaginare uno slot peggiore: probabilmente sarà un flop commerciale. Fate così: se siete d’accordo con me, anche parzialmente, sul valore e sulla bellezza di questo film, cominciate già da ora a spargere la voce. Mandate i vostri amici a vederlo. Magari funziona.

American: The Bill Hicks Story, Matt Harlock e Paul Thomas 2009

8 novembre 2010 15:19

American: The Bill Hicks Story
di Matt Harlock e Paul Thomas, 2009

“I don’t know what you all believe, and I don’t really care. But you have to admit that beliefs are odd. Lots of Christians wear crosses around their necks. You really think when Jesus comes back he ever wants to see a fucking cross?”

Mettiamola così: se non avete mai visto nemmeno un estratto di uno spettacolo di Bill Hicks, a questo punto, è un po’ colpa vostra. Così come è un peccato ridurre la vostra conoscenza di Hicks a “uno di quelli a cui si ispira / da cui copia Luttazzi”. Tra i maggiori meriti di diffusione culturale di siti come Youtube negli ultimi (pochi) anni c’è infatti stata senza dubbio la possibilità di mettere alla portata di tutti, anche nel nostro paese (e a volte anche in italiano, grazie al lavoro certosino dei sottotitolatori), i materiali migliori dei più grandi stand up comedian americani, autentici filosofi della cultura popolare contemporanea, che fino a qualche anno fa erano più che altro dei nomi suggestivi e spesso nominati, le cui esistenze più leggendarie potevano trovare uno spazio in qualche lungometraggio (per esempio Lenny su Lenny Bruce o Man on the moon su Andy Kaufman) ma i cui monologhi, trasmessi in patria magari da reti come la HBO, non avevano certo spazio sui canali italiani. Geni come George Carlin e Richard Pryor, ma anche come Dave Chappelle o Chris Rock, Louis C.K. o Margaret Cho – e ovviamente come Bill Hicks, il comico scomparso per un cancro al pancreas nel 1994. Aveva solo 32 anni, eppure è considerato uno dei giganti della sua categoria.

Il documentario di Harlock e Thomas però va ben oltre la collezione di estratti dai suoi spettacoli più celebri (di cui ci saremmo persino accontentati), e per gran parte della sua durata è interessato soprattutto al modo in cui il talento di Hicks è andato a braccetto con la sua tumultuosa vita personale. Grazie alla collaborazione di molti famigliari e amici del compianto comico, la sua storia viene raccontata senza tralasciare alcun dettaglio utilizzando (oltre alle musiche dello stesso Hicks) l’archivio fotografico della famiglia fin dai primi anni di età, con un montaggio geniale (anche se estenuante) che riesce a dar vita alla staticità delle immagini fotografiche con uno stile da cartoon sperimentale. Il tutto intervallato ovviamente dagli estratti della luminosa carriera di Hicks, con una quantità di materiali semi-inediti o poco visti che faranno sbavare qualunque fan, i primi filmati in 8mm ai tempi delle superiori, le prime serate quando Hicks era così giovane da dover chiedere il permesso ai suoi genitori, le esperienze mistiche con le sostanze psicotropiche. Poi, la storia di Hicks è nota ai più: la fama, i problemi con l’alcol, la decadenza professionale, la riabilitazione, il ritorno sulle scene, il successo travolgente nel Regno Unito, la malattia e le ultime settimane di vita, ma anche i problemi con la censura – come quando la CBS si rifiutò di mandare in onda l’intero monologo registrato per lo show di David Letterman: sarebbe stata la sua ultima apparizione in tv, è andato in onda soltanto un anno fa, con le scuse tardive dello stesso Letterman. Ne esce il ritratto profondamente umano di un uomo mosso da un’ossessione e trascinato nel baratro dal suo stesso talento. Un abisso da cui è riuscito a uscire, anche se per poco – giusto in tempo per regalarci alcuni dei monologhi più lucidi, cattivi, sinceri e divertenti che vi possano capitare sotto mano, ancora oggi. Un’eredità pesante quanto preziosa a cui il film rende omaggio: forse tendendo un po’ verso l’agiografia, ma restituendo a Hicks il pieno merito di aver smitizzato e dissezionato le contraddizioni della società americana e occidentale di fine secolo come pochissimi altri.

L’edizione inglese è già disponibile in DVD e in Blu-ray.

L’illusionista, Sylvain Chomet 2010

5 novembre 2010 18:36

L’illusionista (L’illusionniste)
di Sylvain Chomet, 2010

Tratto da un soggetto che Jacques Tati non riuscì (o forse non volle) mai a trasformare in film, il nuovo lungometraggio di Sylvain Chomet più che nell’intento di riportare nelle sale lo spirito dell’autore francese (nonostante l’omaggio palese non finisca nell’adattamento ma arrivi addirittura a un paradossale, buffo “incontro” tra il protagonista e il Tati dello schermo) riesce in quello di riportare tra il pubblico un’idea di cinema (d’animazione, e non solo) che forse si è perduta – allo stesso modo in cui, raccontano con chiarezza le vicende di Tatischeff, è svanita tra le platee d’Europa la fascinazione per i trucchi e per i prestigi del mago. Una sensazione di rottura trasparente e immediata: non a caso pochissimi secondi dopo l’inizio del film, un bambino dietro di me ha chiesto ai suoi genitori a voce molto alta “ma non parlano?”. Con un tono tendenzialmente scocciato, anche se l’intuizione era corretta e lui se n’è accorto prima di voi: la differenza con il cinema d’animazione a cui sono/siamo abituati è evidente, e dopotutto lo scarto con la malinconia nei confronti del passato è al centro del film. La fortuna, in questo caso, è non aver sentito più quel bambino per tutto il resto del film: mi piace pensare che sia stato conquistato dalla capacità di Chomet di raccontare una storia di solitudine e affetto, pur così dolente nei suoi ultimi rintocchi, con un’ironia d’altri tempi, un gusto spiccato per la costruzione delle scene e per la caratterizzazione di contorno (i miei preferiti: i tre gemelli iperattivi) e un desiderio violento di raccontare per immagini che nel cinema europeo ha ormai pochissimi profeti. “I maghi non esistono”, sentenzia Tatischeff nello sconcertante e addolorato finale, ma Chomet la sua piccola magia se l’è portata a casa.

Il film è nelle sale da una settimana ma forse non ve n’eravate accorti. Accorgetevi.

appendice al pube: le altre serie tv dell’autunno

4 novembre 2010 10:18

[el pube è un pilota / fall 2010 edition: un'appendice]
[piccola guida non esaustiva alle serie tv che non ci stavano dall'altra parte]

A un mese dall’ultimo episodio, tappiamo i buchi.

Quest’anno The Walking Dead (AMC) era il Messia degli appassionati di serie tv. Non solo per le firme coinvolte (il regista Frank Darabont) e non solo perché è tratto da una storia a fumetti dalla straordinaria fama, ma perché questa serie per AMC è la quadratura del cerchio. Dopo tre drama come Mad Men, Breaking Bad e Rubicon, la rete è diventata per molti la beniamina assoluta nonché il contenitore della migliore televisione possibile – ruolo che fino a poco tempo fa era occupato indiscutibilmente da HBO. Mancava solo l’approccio al genere, e così sono arrivati gli zombi: inutile dire che, pilot alla mano, la missione è compiuta. Forse è un po’ presto per decidere se The Walking Dead sia la nuova serie americana più bella della stagione, ma come già Boardwalk Empire (by the way: che roba grossa, un episodio più bello dell’altro) anche lei punta a giocare in un campionato tutto suo. Insomma, vedremo come procede, ma le premesse sono ben più che ottime.

Nota: a quanto pare, Fox Italia ha mandato in onda una versione del pilot più corta di una ventina di minuti. Io ve l’ho detto.

Il biglietto da visita di Downton Abbey (ITV), dalla distanza, non era dei più eccitanti: un period drama ambientato in una villa della provincia inglese negli anni ’10 e trasmesso da ITV con grande dispendio di mezzi non suona come il massimo della vita, me ne rendo conto, per chi è abituato a True Blood e Community. Ma lo dico per voi: fate uno sforzo di volontà e recuperatelo. Se volete una ragione: è scritto da Julian Fellowes, sceneggiatore premio Oscar per Gosford Park. Se ne volete una più concreta: è davvero una delle più belle sorprese dell’anno, con una flotta di personaggi e interpreti immediatamente irresistibili e una scrittura e una messa in scena ineccepibili. E c’è Maggie Smith che fa la vecchia arguta. Imperdibile. Peccato che siano solo sette episodi: l’ultimo dei quali va in onda il 7 novembre. Ma nel 2011 arriva la seconda stagione.

Quando ho cominciato a vedere Single Father (BBC One) ho pensato: chi potrebbe interpretare in Italia il ruolo di David Tennant? Forse Emilio Solfrizzi, o Fabio Insinna? Sì, perché questa miniserie della BBC ambientata a Glasgow, il cui protagonista è un fotografo con quattro figli (e mezza) che perde improvvisamente la compagna in un incidente stradale, è un prodotto che non sfigurerebbe nel palinsesto di Raiuno: la differenza è che questa è scritta, girata e soprattutto interpretata con una cura che ci sogniamo. Ma è più probabilmente una questione di alchimie: non so come abbiano fatto, ma dei quattro episodi che la compongono il primo e l’ultimo si passano a piangere come agnellini – e alla fine, nel giro di sole quattro ore, ci si è affezionati ai personaggi con un’intensità che molte serie impiegano intere stagioni a ottenere. Davvero bello. Certo, potrebbe non essere la vostra fetta di torta – oppure potrebbe farvi piangere come agnellini. Per chiunque segua Doctor Who tutto questo è fiato sprecato: vi ho già convinti quando ho detto “David Tennant”.

Qualcuno guarda Lost Girl (Showcase)? Sono l’unico? Fatemi compagnia. Non seguo in modo attento la tv canadese, e ho iniziato a vedere questa serie – la cui protagonista è una tizia di nome Bo che scopre di essere una succuba (!) e anche che una pletora di esseri mitologici di diverse culture vivono effettivamente in mezzo a noi (!) – immaginando fosse un altro guilty pleasure da aggiungere alla lista ed eventualmente da lasciare a metà strada. E invece questa specie di via di mezzo tra Buffy, True Blood e un sacco di altre cose, con un 80% di trama verticale e un residuo orizzontale su Bo che cerca di scoprire il mistero delle sue origini, è un gran spasso: è scritta in modo divertito e divertente, si concede libertà che i network americani (non via cavo) generalmente eviterebbero, e possiede uno spirito di libertà cazzona e anarcoide davvero rinfrescante. Il più grande ostacolo da principio è il cast: l’attrice protagonista Anna Silk non è il massimo della simpatia (e assomiglia troppo a Mary Louise-Parker) e nemmeno a Kristen “Chris Martin” Holden-Reid offriresti una cena. La migliore della compagnia è Ksenia Solo, anche se è un po’ impallata sul ruolo di spalla comica e sul look da darkettona con la frangia. Ma fa lo stesso: dopo tre o quattro episodi non se ne può più fare a meno.

Me me n’ero dimenticato l’altra volta, e credo di essere l’unico o quasi ad averla vista qui in Italia. Ed è un peccato. La serie creata e interpretata dal bravissimo Tom Hollander si intitola Rev. (BBC Two), punto incluso, e il protagonista è il parroco onesto e simpatico di una piccola diocesi anglicana alla periferia di Londra che si deve confrontare con gli aspetti più burocratici, politici ed economici della sua professione, con i fedeli che scarseggiano, con l’arrivismo dei “colleghi” e dei “superiori”, con la competizione delle altre confessioni, e ovviamente con la sua vita privata e famigliare. Divertentissimo e molto intelligente. Sei episodi da mezz’ora andati in onda dalla fine di giugno all’inizio di agosto: ci vuole poco, ma ne vale la pena.

Il personaggio che dà il nome a The Increasingly Poor Decisions of Todd Margaret (IFC) è americano, ma la serie è britannica al 100%: sei episodi il cui ultimo va in onda proprio oggi 5 novembre. Todd Margaret (intepretato da David Cross) è un precario imbranato che lavora in una multinazionale americana e che, per un errore dovuto alla stupidità del suo nuovo capo (ovvero Will Arnett: curiosamente i due recitano insieme anche in un’altra nuova serie di quest’anno, Running Wilde), viene spedito a Londra a dirigere l’ufficio inglese senza avere la minima competenza. Andrà tutto nel peggiore dei modi fin da subito. Normale che la comicità sia basata su reazioni a catena che travolgono la vita del povero Margaret, vittima della propria inettitudine, ma almeno nei primi due episodi la sensazione di fastidio e imbarazzo supera di gran lunga il divertimento. Non è certo da buttare, Cross è bravo e il suo stile si adatta bene all’umorismo british, ma non so se recupererò gli altri quattro.

La scomparsa di Alice Creed, J Blakeson 2009

2 novembre 2010 17:54

La scomparsa di Alice Creed (The Disappearance of Alice Creed)
J Blakeson, 2009

Il titolo dice tutto: una ragazza di nome Alice Creed viene rapita. Il film è la storia del suo rapimento. I suoi due rapitori si chiamano Danny e Vic. Il film inizia con la preparazione da parte di Danny e Vic dell’appartamento che ospiterà Alice Creed. Il padre di Alice Creed è molto ricco. Danny e Vic no. Da lì in poi, vi lascio soli: la cosa migliore è non saperne nulla, come sempre accade per i film basati in qualche modo sui colpi di scena. E di questi ultimi, The Disappearance of Alice Creed fa un vero vanto, ma soprattutto il sostegno dell’intera narrazione: come si fa a tenere in piedi un film di 100 minuti ambientato quasi interamente in un bilocale con esclusivamente tre personaggi? Così, dopo una ventina di minuti c’è la prima sorpresa, che rimescola un po’ le carte del gioco. E dopo una quarantina di minuti, ce n’è una per cui sembra di dover buttare via l’intero mazzo. Da lì in poi, il film è un continuo andirivieni di ribaltamenti prospettici in cui il confine tra verità e menzogna si assottiglia sempre di più, ma il film funziona alla perfezione proprio perché le sue svolte sono elementi di un meccanismo che non nega mai se stesso né prende in giro o schiaffeggia lo spettatore. Tesissimo, diretto con talento dall’esordiente J Blakeson (un nome da tenere d’occhio) e forte di un notevole trio d’attori (tra cui una Gemma Arterton “normalizzata”), The Disappearance of Alice Creed è davvero una cosetta sorprendente.

Su tutto il resto, ne riparliamo quando l’avete visto.

Il film è nel listino Mikado e potrebbe uscire direttamente in dvd (?).

Se avete fretta o preferite le edizioni britanniche, è già uscito in dvd e blu-ray.

Nota: il trailer è inevitabilmente un po’ spoileroso, se volete affrontare il film a mente vuota. Io non ci avevo capito comunque una mazza, però ecco, siete avvertiti.

Gainsbourg (Vie héroïque), Joann Sfar 2010

2 novembre 2010 16:49

Gainsbourg (Vie héroïque)
di Joann Sfar, 2010

L’aspetto più originale del biopic su Serge Gainsbourg che Joann Sfar ha tratto proprio da una sua opera a fumetti è senza dubbio quello più debitore del linguaggio da cui è adattato: il grande cantante francese viene accompagnato (o ossessionato) per tutta la sua vita da una sorta di doppio da lui creato durante l’infanzia e chiamato La Gueule (dietro a cui si nasconde il solito Doug Jones). Tridimensionalizzando La Gueule sullo schermo, idea tanto folle quanto efficace, Sfar riesce a dare per un po’ al suo film un senso e una consistenza quasi cartoonesca, alleggerendo il materiale “pesante” di un’infanzia minacciata dall’occupazione nazista, ma reiterare questa idea senza varianti per le oltre due ore del film mostra presto la corda. E il piccolo inganno che si cela sotto di essa.

Il problema maggiore di Gainsbourg è insomma che, una volta messa da parte la trovata iperbolica e surrealista, il film cade immediatamente in quasi tutti i tranelli del film biografico musicale, dalle altalene del maledettismo al gioco mortifero e fine a se stesso delle somiglianze tra il cast e i personaggi interpretati – anche se la spaventosa performance mimetica di Eric Elmosnino è senz’altro da applaudire. Ancora di più, finisce nel trappolone dell’accumulo episodico di singoli sprazzi della vita dell’artista, separati peraltro da improvvise ellissi lunghe anche mesi o anni. E alla fine del film conosciamo un sacco di aneddoti su Serge Gainsbourg, ma possiamo davvero dire di aver conosciuto Serge Gainsbourg?

Non mi risulta prevista un’uscita italiana. Se masticate il francese, potete acquistare il dvd francese.

The American, Anton Corbijn 2010

2 novembre 2010 16:21

The American
di Anton Corbijn, 2010

Poteva suscitare un certo sconforto che il secondo film di Corbijn dopo Control, che era così affine alla sua carriera nei decenni precedenti, fosse qualcosa di così differente: un thriller ambientato in Italia con un assassino interpretato da George Clooney? Eppure, The American è un esperimento molto interessante: prende il fascino di tutti gli elementi che lo compongono e svolge una progressiva smitizzazione. Primo, la figura romantica del killer professionista, il cui biglietto da visita qui (nell’incipit nevoso del film) è invece ammazzare l’amata quando la copertura salta; secondo, lo stesso Clooney, tutt’altro che l’irresistibile gentleman degli Ocean’s; terzo, la location “esotica”: siamo in Italia ma non siamo certo a Firenze, il piccolo borgo abruzzese è molto bello a vedersi ma è spoglio, vuoto e privo del solito insieme di cliché legati all’ambientazione italiana. Rimanendo sull’argomento: di questi cliché generalmente solo noi italiani ci accorgiamo, ma almeno in questo film ci viene risparmiato quel noto senso di imbarazzo causato dal fraintendimento delle nostre abitudini da parte delle produzioni americane. C’è da dire che gli abitanti del borgo a volte parlano come automi senz’anima o come meri involucri, ma credo faccia parte del gioco: l’Abruzzo di The American è più un luogo dell’anima, un limbo beckettiano, che un paese su una mappa – un posto dove attendere un finale, che è inevitabile e annunciato. E il film si muove nella stessa direzione: è un thriller anticlimatico, silenzioso, decisamente inusuale per una produzione americana (anche nel budget di circa 20 milioni) e a suo modo garbatamente inospitale nei confronti del pubblico, visivamente un po’ deludente, piatto e poco personale – ma si fa perdonare con un finale tristissimo e perfetto.

Machete, Robert Rodriguez e Ethan Maniquis 2010

27 ottobre 2010 19:58

Machete
di Robert Rodriguez (e Ethan Maniquis), 2010

“We didn’t cross the border. The border crossed us.”

Non so se sia il primo film tratto da un finto trailer o meno (la storia la sapete tutti, inutile ripeterla) ma Machete era nella testa del regista da molti anni – e si inserisce infatti in modo preciso nel filone tex-mex del suo autore, proseguendo a modo suo la strada della trilogia Mariachi. Dunque: un film di Rodriguez dalla testa ai piedi, dall’incipit “invecchiato” con un occhio a Planet terror fino alle sparatorie che qui strizzano l’occhio più a John Woo che a Sergio Leone. L’importante è stare al gioco, senza malafede: nonostante il successo ottenuto negli anni e il prestigio di dirigere un’opera ambiziosa come Sin City, il regista texano continua a fare film (compresa la sua filmografia “parallela” per ragazzi: è in arrivo Spy Kids 4) con una coerenza assolutamente incrollabile, raccontando il mondo con la stessa irrefrenabile e gioiosa furia di quando girava El Mariachi con quattro lire – non dimentichiamo che questo film è scritto col cugino e montato con la madre.

Con Machete poi, Rodriguez cerca di fare un passo più in là, di parlare dell’America: i suoi sono quasi tutti film di confine, sono indubbiamente film ambientati sul confine, ma questo è il suo primo vero film sul confine. Ne parla senza troppi giri di parole e con le armi che gli appartengono, con le sparatorie e con le mutilazioni, con il fumetto e con le iperboli violente, ma sarebbe ingiusto tacciare Machete di assoluta vacuità. Anche se ciò che conta, alla fine, è lo spettacolo, senza bisogno di prenderlo troppo sul serio. E in Machete, di spettacolo, ce n’è da dar via: il cast è composto in modo schizofenico da insostituibili habitué (Tom Savini, check; Cheech Marin, check), facce note del cinema di genere (un bolsissimo Steven Seagal) e nuovi acquisti tra cui gente meravigliosamente fuori posto come Robert De Niro, Lindsay Lohan, e una Michelle Rodriguez così figa da riuscire a gareggiare con Jessica Alba (magia del cinema), il gusto barocco di Rodriguez nella coreografia delle scene d’azione è intatto, così come le fissazioni cattoliche, gli ammiccamenti citazionisti e lo stile irresistibilmente tamarro della sceneggiatura, ennesima collezione di catch phrase e quote immediatamente cult – una tra tutti “Machete don’t text”, ovviamente, ma anche “I absolve you of all your sins, now get the fuck out” non è affatto male.

Una maledetta fottuta pacchia. Tutto lì. Niente di nuovo. Non vi basta? Statene alla larga.

Non c’è ancora una data d’uscita italiana. Ma uscirà. Credo.

Wild target, Jonathan Lynn 2010

27 ottobre 2010 18:39

Wild target
di Jonathan Lynn, 2010

Sceneggiatore della televisione britannica di culto negli anni ’70 e ’80, Jonathan Lynn ha diretto nel 1985 il bellissimo Signori il delitto è servito (tratto dal gioco da tavola Cluedo) ma nessuna delle sue opere successive girate negli USA durante gli anni novanta è davvero memorabile: film come Mio cugino Vincenzo, Il distinto gentiluomo e FBI Protezione testimoni per quanto gradevolissimi si distinguono più che altro per la capace direzione degli attori. Non fa eccezione questo Wild Target, che per Lynn significa sì un ritorno dietro la macchina da presa (negli ultimi dieci anni un solo trascurabile film con Cuba Gooding Jr.) ma anche un ritorno in patria. Con un film che non potrebbe sembrare più inglese se non fosse che, paradossalmente, è il remake di un film francese: si tratta di Cible émouvante, una commedia da noi invisibile diretta nel 1993 da Pierre Salvadori. Questa, invece, è una commedia divertente, leggera, non indimenticabile ma impossibile da detestare, diretta con una leggerezza francamente rinfrescante, il cui maggior valore però è, come da copione, la composizione e la direzione dell’affiatato cast: l’impeccabile Bill Nighy si produce in una brillante e britannicissima clonazione dell’originale Jean Rochefort, Rupert Grint è una discreta sorpresa una volta privato del typecasting potteriano, e Martin Freeman è come suo solito irresistibile persino nel ruolo per lui inedito del “cattivo”: un killer tutto d’un pezzo dal sorrisetto creepy. E soprattutto, inutile nascondersi dietro tanti giri di parole, c’è Emily Blunt, che ormai è una specie di divinità, di una bravura e di una bellezza quasi offuscante. Per fortuna del film, non del tutto a suo danno.

Non è prevista un’uscita italiana*, via UK il film è disponibile in DVD e Blu-ray.

*UPDATE: il film dovrebbe uscire direttamente in dvd con Minerva il 24 novembre 2010.

Winter’s Bone, Debra Granik 2010

25 ottobre 2010 16:41

Winter’s bone
di Debra Granik 2010

Ree Dolly è una ragazza di 17 anni che vive nella zona dell’Altopiano d’Ozark insieme ai suoi due fratelli più piccoli, a cui deve badare perché la madre ha avuto un esaurimento nervoso e non parla più mentre il padre, un noto delinquente locale che cucina metanfetamine, è sparito da settimane senza lasciare traccia. Ma lei è una tosta, i Dolly sono tutti così. Quando un poliziotto informa la giovane che il padre non si è presentato in tribunale dopo aver indicato la casa come cauzione, per non perderla Ree si mette sulle sue tracce. Intenzionata a trovarlo, vivo o morto, per salvare l’unica cosa che le rimane.

Quando all’inizio dell’anno ho cominciato a leggere di Winter’s bone, che all’ultimo Sundance ha vinto il Gran Premio della Giuria per le opere statunitensi, si parlava di una cosa soltanto: Jennifer Lawrence. Secondo molti ormai, con questo film l’attrice ventenne, già vincitrice del Premio Marcello Mastroianni a Venezia per la sua incredibile performance in The burning plain, si sarebbe conquistata automaticamente un posto d’onore agli Academy Awards. In nomination: pochi dubbi. Ma un premio non sarebbe buttato: la sua è una di quelle interpretazioni che rimangono sotto la pelle, forse per il contrasto tra la dolcezza del suo viso e la durezza quasi inconcepibile del ruolo, forse semplicemente perché è una delle più brave attrici della sua generazione.

Ma in Winter’s bone c’è anche altro, c’è soprattutto l’affresco dolente di un’America marginale e dimenticata, l’ultima America di confine nascosta tra le colline di un Missouri freddo e inospitale, un luogo a cui sembra abbiano strappato l’anima in cui vive una popolazione con le proprie leggi e la propria morale, all’interno di uno scenario visivo che sembra uscito da qualche film post-apocalittico – e che invece è l’America di oggi, soltanto quella che pochi vogliono raccontare. E c’è una storia di orgoglio e sopravvivenza che raggiunge abissi quasi horror ma che nasconde tra le pieghe del dolore un tiepido segnale di speranza – che è tutto negli occhi di Ree, nel suo coraggio, e nella sua paura.

Non è ancora prevista una data d’uscita ma prima o poi arriverà.

Animal Kingdom, David Michôd 2010

25 ottobre 2010 16:11

Animal Kingdom
di David Michôd, 2010

L’australiano Animal Kingdom è stato uno dei film più acclamati all’ultimo Sundance, e all’accoglienza unanime della critica si è affiancato anche il Gran Premio della Giuria per i film internazionali. Ma l’opera prima di David Michôd è tutt’altro che un abbaglio da festival: anzi, è uno dei film più interessanti della stagione, tanto più perché si tratta di una sorprendente opera prima. Un gangster movie decisamente sui generis che riesce a raccontare una storia incredibilmente drammatica e tragica sulla potenza inesplicabile dei legami di sangue senza farsi tentare dai cliché sia del dramma famigliare che del gangster movie stesso.

La forza travolgente del film, oltre che dalla perfezione dell’articolata e precisa sceneggiatura, divisa quasi in atti ma caratterizzata da un’inarrestabile spirale di violenza, viene ovviamente dal cast di attori australiani, tra cui spicca la veterana Jacki Weaver (la sua “nonna Smurf” è una nuova “Bloody Mama” tagliente e indimenticabile) ma ciò che più colpisce è il talento di Michôd, che già dalle primissime sequenze impone al film un ritmo avvolgente e insieme inquietante, e un modo del tutto originale di guardare al mondo attraverso il filtro distorto del protagonista J (a cui affida uno straniante ed efficacissimo flusso di coscienza in voice over) che riesce a trasformare piccoli gesti in movimenti epici e minacciosi, lavorando contromano e in sottrazione nelle esplosioni di violenza. È lui la grande sorpresa del film: perché la sequenza iniziale con il protagonista che guarda Deal or No Deal mentre gli infermieri cercano di rianimare la madre in overdose e l’incredibile finale (che ovviamente non racconto) sono due autentici colpi di genio, ma in mezzo ci sono quasi due ore e sono intensamente nere, nerissime, e non lasciano scampo.

E c’è anche Guy Pearce. Con i baffi.

Il film esce nelle sale il 30 ottobre, distribuito da Mikado. Non fatevelo scappare.

Figli delle stelle, Lucio Pellegrini 2010

22 ottobre 2010 01:21

Figli delle stelle
di Lucio Pellegrini, 2010

Dopo la morte di un operaio sul lavoro, e dopo essere intervenuto invano in un talk-show sulle morti bianche, un collega decide di rapire il Ministro del Lavoro per chiedere un riscatto di risarcimento alla vedova. Insieme a lui, un professore di educazione fisica costretto dalla crisi a lavorare all’Autogrill; il cugino di quest’ultimo, un corpulento malinconico delle lotte sociali che ha sposato una coi soldi; e un ex carcerato con giacca di pelle e fare misterioso; il collante, una giovane giornalista combattiva e confusa. Purtroppo i quattro sbagliano persona e rapiscono un povero sottosegretario finito nel posto sbagliato, al momento sbagliato, per la causa giusta.

Con una premessa simile, Figli delle stelle poteva prendere un sacco di direzioni e diventare un sacco di cose – approssimativamente tutte quelle per cui può venire scambiato, come la delicatissima parodia dei film sul terrorismo che il film in realtà non è. Pellegrini mette invece in scena una commedia all’italiana, con tutti i crismi del caso, e un film in cui al centro dell’azione non c’è critica sociale o politica ma il disegno dei personaggi, perseguendo l’idea che siano questi ultimi, da sé, a far fuoriuscire la prima: l’azzardo considerati i temi in ballo è davvero minimo, e nonostante le pistole in scena siano molte gli spari sono pochi. Ma quella di Pellegrini è una direzione coerente, sostanzialmente inattaccabile, perché conscia dei propri limiti – o meglio, dei confini all’interno dei quali vuole narrare la sua storia. Inutile andare al cinema a cercare soluzioni di un altro cinema: tenetelo ben presente, che la tentazione è forte.

Dunque Figli delle stelle funziona, anche se funziona solo a metà. Si apre infatti in modo brillante, sulle immagini di Marghera, sull’incidente improvviso, e ha la trovata intelligente di continuare a intervenire in medias res spezzando di nuovo la narrazione con un’ellissi temporale – evitandoci il fastidio della solita presentazione dei personaggi e lasciando che si presentino da soli con il passare dei minuti. Stesso discorso per le modalità con cui le loro storie si incontrano e per il piano del rapimento: alla sceneggiatura questi dettagli non interessano, li salta a pié pari, e questo giova al ritmo del film. Da lì in poi però il film ingrana a fatica, gli attori sono spinti a calcare sul carattere e sugli accenti, il divertimento viene in secondo piano rispetto alla fatica di far proseguire la narrazione. Tutta la parte del film ambientata in Val D’Aosta, con il beneficio della stasi, è invece decisamente più riuscita, sia per il set inaudito (e la cura visiva che nella prima metà era lasciata a se stessa, potere della neve), sia per il cinismo con cui è dipinta la piccola comunità montana, sia per il coraggio di spingere un po’ di più su tutti i pedali – quello farsesco (il balletto sulla canzone di Sorrenti) quello drammatico (la sequenza minacciosa della “passeggiata”) che quello più classicamente dolceamaro (l’inseguimento sul confine e il finale).

Se ancora una volta Pellegrini non è riuscito a ripetere quell’episodio straordinario che fu E allora mambo!, una delle migliori commedie italiane degli ultimi vent’anni (riflettendoci ce ne sono poche a quel livello, ma fa lo stesso), si conferma quantomeno un buon co-sceneggiatore (abbiamo visto perché, i trucchi del mestiere non mancano, i dialoghi sono buoni e fanno ridere, visto l’andazzo generale è tutto grasso che cola) e un ottimo direttore di attori, con la trovata di dividere nettamente i compiti all’interno del cast in modo piuttosto inusuale ma funzionale: Giuseppe Battiston e Pierfrancesco Favino si beccano le parti comiche, a Fabio Volo e Fabio Sassanelli toccano quelle drammatiche, Giorgio Tirabassi ha questo ruolo intermedio ed è il migliore del gruppo – ma comunque se la cavano tutti egregiamente, chi più chi meno.

Una commedia innocua, tutto sommato: chi ha detto che ci deve dispiacere?

Link: il post di gparker

Il cattivo tenente – Ultima chiamata New Orleans, Werner Herzog 2009

18 ottobre 2010 15:26

Il cattivo tenente – Ultima chiamata New Orleans (The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans)
di Werner Herzog, 2009

“What are these fuckin’ iguanas doing on my coffee table?”

Certe volte sono cocciuto, mi intestardisco. Perché non avevo ancora visto questo film? Perché sono state necessarie la visione dell’altro film americano diretto nel 2009 da Herzog e una recensione più che entusiasta su Empire per farmi decidere? Non lo so nemmeno io. Meglio tardi che mai. E non è la sola ammenda che mi sento di fare. L’altra va a vantaggio di Nicolas Cage. Su cui da queste parti (spin-off incluso) si è spesso scherzato. Ma la sua performance in questo film è una di quelle che fanno perdonare un decennio di overstatement e parrucchini, dei vari Ghost Rider, Knowing, National Treasure e compagnia – e che insieme a quella più moderata nel bellissimo Kick-Ass potrebbe (ho detto potrebbe) rappresentare un ritorno alla gloria di un attore a cui, nel corso degli anni ’90, abbiamo voluto molto bene.

Dopotutto, Cage era l’attore ideale per questa storia – allo stesso modo in cui era l’attore ideale per essere diretto da Werner Herzog: il suo Cattivo Tenente è una discesa folle e incontrollata nella psiche del personaggio in cui il lavoro del regista è un distacco critico dal materiale di partenza che trasforma il tutto in una sorta di teatrino grottesco, spaventoso, spesso incontrollabilmente divertente, dominato dalla recitazione dissennata e circense di Cage, che trova a sua volta lo sfogo ideale in un film che abbatte programmaticamente e ironicamente – si badi, senza mai buttarla in caciara – le barriere tradizionali del cinema di genere americano. Non soltanto nelle deviazioni più surreali (gli ormai celebri iguana, l’anima che balla) ma già nel modo in cui ci si relaziona a una sceneggiatura dai confini convenzionali: allo stesso modo in cui asseconda fino alle estreme conseguenze la teatralità esagerata di Cage, tutta esplosioni e implosioni, le frasi a effetto di cui sono pieni i dialoghi diventano le protagoniste delle sequenze, si puntano su di esse tutte le luci facendo leva sulla loro impunita assurdità e rendendole memorabili. Una vera e propria miniera: iniziare e chiudere questo post con una citazione è obbligatorio.

La cosa più inaspettata è che il film funzioni così bene anche come poliziesco, genere spesso trascurato dalle grandi firme e dai migliori mestieranti di Hollywood, a parte eccezioni – insomma, Il Cattivo Tenente oltre a tutto ciò è anche un bellissimo thriller metropolitano, con un personaggio violentemente memorabile, con una messa in scena che non guarda in faccia nessuno. Merce rara.

“I’ll kill all of you. To the break of dawn. To the break of dawn, baby.”

Exam, Stuart Hazeldine 2009

18 ottobre 2010 14:43

Exam
di Stuart Hazeldine, 2009

Siamo in un futuro non ben specificato: “soon”, recita il cartello. Dopo aver superato una serie di prove anch’esse non ben specificate, otto candidati si ritrovano in una stanza asettica per un test scritto che permetterà loro di ottenere un lavoro molto ambito: ottanta minuti, otto scrivanie, otto fogli di carta A4 numerati, una guardia armata all’uscita. Un personaggio entra nella sala, elenca regole precise, esce. I candidati girano il foglio: non c’è scritto niente.

Il resto del film è ovviamente soggetto a spoiler grossi come palazzi (e il modo migliore per affrontare un film del genere è saperne il meno possibile), soluzione dell’enigma compresa: ma nonostante quest’ultima sia tanto semplice quanto efficace, Exam lo mette in chiaro, ciò che conta è il processo più che il risultato. Certo, il debutto di Hazeldine (uno sceneggiatore: si vede) è un thriller da camera che stabilisce da sé i propri limiti, lavorando su terreni calpestati sia tematicamente che narrativamente, ma non c’è dubbio che porti a compimento onestamente la sua ambizione: più che una metafora o una satira iperbolica del mondo del lavoro (come sembrava), è un trattatello psicanalitico sulla gestione della crisi, non troppo originale e succube al limite di qualche cliché (ma meno di quanto facciano temere i primi 30 minuti) e tenuto insieme per una durata forse eccessiva da un cast quasi sempre adeguato di gran belle facce da serie B, e da una regia capace, lontana da facili effettacci.

Il film non ha una data d’uscita italiana. Il dvd britannico si può già acquistare.

Link: I 400 calci

Lo zio Boonme che si ricorda le vite precedenti, Apichatpong Weerasethakul 2010

15 ottobre 2010 01:30

Lo zio Boonmee che si ricorda le vite precedenti (Loong Boonmee raleuk chat)
di Apichatpong Weerasethakul, 2010

Un uomo gravemente malato, una casa isolata, i giorni che lo accompagnano alla morte. Il fantasma di una moglie che appare all’improvviso, così come un figlio tramutato in un essere soprannaturale. Il viaggio in una grotta ancestrale. Intorno, la natura, gli animali, le piante. Le vite precedenti. Una principessa vittima di un’incantesimo che ribalta il mito di Narciso, un bufalo che si libera dei suoi padroni. Me ne sono reso conto subito: non è mica facile raccontare Lo zio Boonmee.

Il problema (e insieme il vantaggio) di Weerasethakul è che non ci sono vie di mezzo, non ci sono compromessi: allo spettatore è richiesto il massimo dello sforzo, un’attenzione estrema, ma non tanto per cogliere dettagli che possono sfuggire (come spesso accade) quanto per concentrarsi sopra ciò su cui il film insiste. Un lavoro “faticoso” di mutuo soccorso tra lo schermo e la sala a cui forse non siamo abituati, ma che ripaga con una favola misteriosa e sfibrante sul cammino verso la morte che, per ammissione di Weerasethakul, ambisce a risuonare come un malinconico canto del cigno di un cinema destinato a morire.

Ma di cosa parla davvero Lo zio Boonmee? È davvero, come suggerisce il titolo (e il regista stesso), un film sulla mutazione continua degli elementi della natura in una concezione del “ciclo della vita” per noi piuttosto inedita? Questo sarebbe pure l’aspetto più intellegibile di Boonmee, che tende spesso a sfuggirci tra le dita, a volte con buon gusto altre volte (la sequenza fotografica, per esempio) snervando la nostra comprensione e costringendoci a rifiugiarci nelle cartelle stampa. Ma se il gioco simbolista funziona fino in fondo, proprio perché ci permette di danzare in libertà tra le dimensioni lasciando da parte gli orpelli e gli artifici del cinema di finzione, Boonmee forse non è tutto all’altezza dei suoi momenti migliori: Weerasethakul ha una grande capacità di rivestire la natura di inquietudini allo stesso tempo opprimenti e liberatorie ma a volte dà la sensazione di potersi concedere qualche lusso di troppo in nome di una missione di cui si sente investito. Ciò nonostante, Boonmee è un viaggio fascinoso, a suo modo ironico, a tratti bellissimo, indubbiamente unico.

Quella del finale è una provocazione che sembrerebbe gratuita, quasi come uno schiaffo definitivo allo spettatore che fino ad allora poteva essersi raccapezzato tra le piccole follie del film: ma in fondo, con il suo girovagare tra il passato e il presente, tra la memoria della propria vita e delle “vite precedenti”, non è anche un film sul viaggio nel tempo? Sui generis. Forse era il modo ideale per chiuderlo: un paradosso sulla fragilità dei confini di ciò che siamo.

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